Z A Ú M

2012-01-22T13:54:00.000-08:00

(...) Antes uma experiência de meditação emotiva, porque tão livre quanto ciente do inacessível branco. Escrever um apagamento, a violência de dizer o inaudito, sabemos, dói na página. Falo do branco da neve sobre a página branca. Ausência que não permite deitar palavras em busca do mito e, sobretudo, da tragédia. Exceção feita à imagem poética. Céu-branco. Nuvens obsessivas querendo ocupar os vãos. Mas sejamos abomináveis, invisíveis homens que sabem que a noite é também um sol, façamos branco sobre branco. Homem das neves abandonando rastros com suavidade. Sem o desejar, seu gesto tem se inserido no imaginário do mundo. Palavras a troco de pegadas na neve. Épico que dura o tempo do degelo. Por isso dói esse branco na página. Fiquemos com essa dor e, em seguida, troquemo-la pelo frio da neve, em busca da sensação possível, diante do improvável e que esse possa se expandir da branca neve ao branco da página. Expandir-se em invisibilidade. Branco sobre branco sobre branco. Mas não se deixe enganar, pois sabemos que o líquido da neve, seu branco, liquidar-se-á. Branco, frio e água. Corpos diferem – e? Sabemos do abominável. Apesar da invisibilidade. Que o frio contraia os músculos e distraia a imaginação. Contração e dilatação. Os flocos de neve em quedas oblíquas – à deriva do vento –, um a um, suaves e soltos, flocos sem série, sem par, adensam o branco, o frio e a água. (Dói esse falso branco da página). (...)

in: Ahn? [O abominável homem das neves], de Ricardo Corona, da edição brasileira (a sair pela Editora da Casa).

(...) Antes una experiencia de meditación emotiva, porque tan libre como esciente del inaccesible blanco. Escribir un apagamiento, la violencia de decir lo inaudito, sabemos, duele en la página. Hablo del blanco de la nieve sobre la página blanca. Ausencia que no permite echar palabras en busca del mito y, sobretodo, de la tragedia. Excepción hecha a la imagen poética. Cielo-blanco. Nubes obsesivas queriendo ocupar los vanos. Pero seamos abominables, invisibles hombres que saben que la noche también es un sol, hagamos blanco sobre blanco. Hombre de las nieves abandonando rastros con suavidad. Sin desearlo, su gesto se va insiriendo en el imaginario del mundo. Palabras a cambio de huellas en la nieve. Épico que dura el tiempo del deshielo. Por eso duele ese blanco en la página. Quedemos con ese dolor y, enseguida, cambiémoslo por el frío de la nieve, en busca de la sensación posible, ante lo improbable y que él pueda expandirse de la blanca nieve al blanco de la página. Expandirse en invisibilidad. Blanco sobre blanco sobre blanco. Pero no se deje engañar, pues sabemos que el líquido de la nieve, su blanco, se liquidará. Blanco, frío y agua. Cuerpos difieren – ¿y? Sabemos de lo abominable. A pesar de la invisibilidad. Que el frío contraiga los músculos y distraiga la imaginación. Contracción y dilatación. Los copos de nieve en caídas oblicuas – a la deriva del viento –, uno a uno, suaves y sueltos, copos sin serie, sin par, adensan el blanco, el frío y el agua. (Duele ese falso blanco de la página). (...)

in: ¿Ahn? [Abominable hombre de las nieves] , de Ricardo Corona, da edição espanhola (a sair pela editora Poetas de Cabra (2).

2012-01-20T13:07:00.000-08:00

Curare e Ahn? [Abominável Homem das Neves]

(Programa e-Cultura, exibido no dia 18/01/2012, na TV e-Paraná)

O Programa e-Cultura fez essa matéria por dois motivos bacanas que estão acontecendo. Em outubro de 2011 saiu pela Iluminuras o meu livro de etnopoesia "Curare" (prêmio Petrobras Cultural) e em março próximo sairá simultaneamente em Madri e Jaraguá do Sul outro livro meu chamado "Ahn? [Abominável Homem das Neves]", um mix de prosa-poesia-ensaio, apesar de José María Herranz, poeta e editor espanhol, tê-lo colocado em coleção de poesia e Carlos Henrique Schroeder, escritor e editor brasileiro, tê-lo registrado de literatura (conto). O que me parece muito pertinente à ideia do livro, que é "inclassificável", meio livro-performance, em que me propuz escrever com a página branca (texto preto no branco somente ao rés da página, no rodapé) uma resnarração da presença-ausência do homem das neves.

2011-10-15T08:12:00.000-07:00

Selecionado pelo Programa Petrobras Cultural para Bolsa de Produção Literária e publicado pela Editora Iluminuras, Curare é um livro de etnopoesia (a partir do conceito dado por Jerome Rothenberg para dilatar o que se entende por poesia no âmbito da literatura). Trata-se de um extenso poema dividido em fragmentos autônomos que se relacionam densamente com um lugar étnico-afetivo: Entxeiwi. Com essa expressão, que se avizinha a ‘bom-dia’, Tikuein – apelido de José Luciano da Silva – ou Nhangoray (Mão Pelada), seu nome indígena (do grupo Xetá), falecido em 2009 e um dos últimos falantes da língua Xetá, iniciava uma conversa com o espelho. É com esse lugar étnico-afetivo que o poema se relaciona, lugar que foi rito oral e exercício-limite para alguém que se encontrava como um dos últimos falantes de uma língua. Mas é uma relação disseminadora, pois uma língua nunca morre, porque não há língua, mas línguas, sempre línguas. Assim, a expressão ‘entxeiwi/bom-dia’, no livro Curare, apresenta-se como uma variante livre do sentido ‘carpe diem’ (Horácio), vulgarmente traduzido por ‘viver o dia’. Se o gesto ‘carpe diem’ busca dizer o que se esgota no instante presente, uma expressão para o ‘viver o agora’, dizer ‘entxeiwi’ ao espelho, em uma língua esquecida, pode nos abrir o sentido poético desta língua, sentido este que está em todas as línguas. Que é também o lugar da tradução, do double bind. É desse lugar que Curare se abre feito ‘brecha escancarada’ em sua própria cosmogonia. E se recorro ao ‘carpe diem’, antes de evocá-lo formalmente, um épico, procuro dizê-lo no sentido que a expressão ‘entxeiwi’ se me apresenta, ou seja, lugar de potência que tanto necessita o poema que não quer nunca se acabar, que é continuum de variações crescentes. O lançamento será dia 22 de outubro, a partir das 15 horas, integrando um Evento múltiple no Tardanza: Minifeira de revistas, livros, gravuras e impressos de artistas e lançamentos de Curare e LAB#4.

2011-10-14T12:21:00.000-07:00

2011-09-21T11:15:00.000-07:00

Wislawa Szymborska: A poesia da outra margem

Acaba de sair Wislawa Szymborska Poemas (Companhia das Letras), com tradução especialíssima (direta do polonês) de Regina Przybycien, que foi professora da UFPR por muitos anos. Em 2005, Regina preparou para a revista Oroboro 4 uma antologia de Wislawa Szymborska que publicamos na seção “(C)obra” (p. 25 a 33, bilíngue), destinada justamente a poéticas importantes que por razões diversas eram pouco divulgadas em português. Não foi nada fácil publicar seus poemas, pois, afinal, trata-se de uma poeta vencedora de um nobel de literatura. Vários contatos com agentes literários reticentes até que tivemos a boa ideia de enviar alguns exemplares de Oroboro diretamente para Szymborska, que liberou imediatamente a publicação do dossiê. Nesta noite teve bebida polonesa no Alto da Rua XV. Agora esta poesia está disponível para os leitores e em excelente tradução. As páginas da Oroboro estão no acervo da Editora Medusa, aqui

2011-09-18T09:30:00.000-07:00

QUE HISTÓRIA É ESSA?

Na Folha de S. Paulo de hoje, o editor Carlito Azevedo fala sobre política editorial. Gostei da entrevista e acho que em alguns momentos ele se posiciona corajosamente. Porém, o que está dito ali, em linhas gerais, nós da Medusa falávamos há uma década. E acho que ele deve falar isso mesmo. O mercado editorial ainda é confuso e são muitas as dificuldades de se fazer circular a poesia. Porém, colocar-se na posição (cabotina) de distanciamento das grandes editoras, já é demais. Afinal, Carlito se associou com uma grande editora. A mais rica do mercado editorial: a Cosac. E nada demais aí. Tudo bem. Porém, é desse lugar que deve falar, ou incorporar esse lugar em sua fala.
..........................

A entrevista abaixo (não disponível na Internet) foi concedida por mim ao artista plástico Francisco Faria e a poeta Josely Vianna Baptista, que organizavam a página literária “Musa Paradisíaca” para o jornal “Gazeta do Povo” e foi publicada em 05 de março de 2000. Basta comparar as entrevistas. A outra, do Carlito, está aqui.

Francisco Faria: Ricardo, quais as principais diferenças entre a proposta editorial da Medusa e a de outras publicações literárias brasileiras?

Ricardo Corona: A principal diferença está nas escolhas de repertórios. As diferenças existentes no mundo artístico e fora dele estão pincelando a cor da época, a idéia de hegemonia está superada. Nesse contexto, em que a diversidade se manifesta em quase todas as modalidades do pensamento humano, uma das antinomias da Medusa em relação a boa parte das publicações atuais se deve ao fato de ela ser feita por um grupo de artistas que se encontra fora do "eixo" Rio-São Paulo, buscando seu espaço, criando seu próprio suporte de comunicação, além de possuírem seus próprios projetos poéticos. Na Medusa, isso se transforma em liberdade de repertórios. Podemos e procuramos publicar trabalhos que no mercado das grandes editoras e no mainstream literário da grande imprensa são ignorados. E o são porque não vendem, e não porque têm qualidade duvidosa. Outra diferença está no campo simbólico. À maneira de Pierre Bourdieu, que defende a idéia de que hoje há lugares de poder político e que é preciso criar contrapoderes em relação a essa concentração editorial, normalmente situada nas metrópoles, o nome "Medusa", via mitologia, é uma usina de referências, uma mitocrítica. Com o mito Medusa, via revista, propomos maior densidade para a diversidade, organizando dossiês que "petrifiquem para se ver melhor" determinada produção de determinado artista, com obra feita, mas pouco difundida. Os dossiês, organizados pela equipe editorial ou por colaboradores, investigam o processo criativo do artista, mostram seu trabalho e trazem visadas críticas. Tem outras diferenças, mas acho que o espaço não permitiria...

Josely Vianna Baptista A idéia seria, então, subverter a lógica da concentração do "capital cultural". Você nos disse que o 10º número da revista trará um recorte crítico diferenciado, uma cartografia paralela da poesia brasileira hoje, dando espaço aos "esquecidos e excluídos". Quais os critérios adotados para se avaliar quem está no limbo ou à margem?

Corona: Os critérios dessa antologia de poesia, acompanhada de ensaio crítico e de uma seleção de trabalhos, estão sendo discutidos pela equipe editorial, a partir das diferentes poéticas atuais, pois a época manifesta uma divergência maior que a de outros períodos. Dentro desse primeiro critério, mais dilatado, defenderemos as releituras poéticas do modernismo de Jorge de Lima e Murilo Mendes, por exemplo; o soneto mais fescenino e escrachado, que trabalha - através da temática - a "contaminação" da forma fixa; a poesia que incorpora aprendizados extra-ocidentais, como o oriki africano; a que dialoga com outras linguagens, fazendo fusão, e que podemos chamar de poesia-jazz, pois mistura poesia com HQ, cinema, letra de música, etc.; entre outras possibilidades...
Quanto a saber quais são os "esquecidos e excluídos", parece-me bastante simples: basta acompanhar os segundos cadernos, dá pra contar nos dedos os poetas publicados. Temos certeza de uma coisa: há uma produção de qualidade inquestionável que não está sendo mostrada, e a Medusa, dentro de seus limites, quer publicá-la.
Acho que existem várias razões para que esses poetas não consigam mostrar seus trabalhos. Uma delas é a escassez de editoras que invistam em poéticas recentes, como investem nos clássicos, por exemplo. Está claro, para mim, que o público vai consumir apenas Drummond, Cabral, Bandeira, se tiver acesso somente à poesia deles.
Então, essa lógica das editoras cria um mercado perverso, contribuindo, consciente ou inconscientemente, para que a poesia vire assunto de especialistas, determinando a pauta dos grandes cadernos culturais, que só irão publicar o que vende.
A Medusa, que está à margem do mercado, que não depende de publicidade paga, não pode fazer parte dele. Seria contraditório. O que acho, sinceramente, é que as revistas brasileiras poderiam radicalizar ainda mais, a exemplo das publicações alternativas da Inglaterra nos anos 80, que pressionaram o big mercado editorial, os grandes jornais e revistas, a ponto de os editores dessas publicações ficarem de olho bem aberto, observando aquilo que as revistas alternativas estavam publicando. Sendo muitas revistas e com propostas radicais diferenciadas, acabaram "despertando" o leitor para outras leituras.
Essa movimentação, mais à margem, acabou influenciando toda a grande imprensa, e a qualidade veio junto. Está certo que não eram publicações literárias, mas a "pressão" coletiva serve como exemplo para qualquer área. Um editor inglês teve que "matar" a sua revista porque ela já estava ficando parecida com as do mercado... Aliás, este é o ponto. Uma revista independente - em todos os sentidos -, no meu entender deve atuar nesse território, enviesando, sempre. O contrário disso é a estagnação, porque, com espaços reduzidos, surge o poder simbólico, com as políticas "estranhas" de poetas que mijam no espaço, como animais demarcando seu território. Ora, isso não é democrático, nem ético. E pior: é a política dos que não querem ser lidos, pois, ao invés de "in/formarem" novos leitores, criam asseclas.

Josely: Seu exemplo das revistas alternativas na Inglaterra é muito oportuno. Mas, em minha opinião, o "mercado" para poesia de autores brasileiros vivos ainda é uma questão simbólica, ou seja, fala-se em mercado para, de fato, referir-se apenas a "acesso a leitores e à leitura". A questão mais parece a de ser ou não ser publicado, a de se ter, como se diz, um "espaço editorial". Mas não se pode esperar que poetas brasileiros, muito menos os vivos, tenham seus livros entre os sucessos editoriais. Você não concorda? Sendo assim, ainda estaríamos na fase de expandir ou delimitar mais amplamente o cânone dos poetas "publicáveis" no Brasil? É nisso que a Medusa joga suas fichas? Na expansão desse "espaço editorial", de forma a abrigar um maior número de poetas?

Corona: Concordo ser impossível que livros de poesia de autores novos estejam entre os sucessos editoriais. É uma questão da natureza da poesia. Por outro lado, os parcos espaços editoriais, o pouco acesso do público à poesia etc., isso tudo está interligado. Antes de jogar qualquer ficha, é preciso distinguir o que é sucesso, senão vai parecer que se pretende um "boom" editorial da poesia através da Medusa... Está certo que estamos no terreno das idéias, das utopias (também as quero de volta), mas esse é um trabalho a ser feito por grande parte das revistas brasileiras. O que consigo observar, do pouco que entendo, é que o grande mercado influencia demais o hábito da leitura, que é mediano, quando não péssimo, e que a poesia está fora dele. Esse é o grande problema. O contraponto disso, na minha opinião - e é aí que a Medusa atua -, é não aceitar passivamente essa condição. Acho que se pode resgatar o significado de "sucesso", o de sucedimento, que pode, inclusive, suceder pela qualidade. Por isso citei a experiência das revistas alternativas da Inglaterra. O sucesso não suja a poesia, nem dói ao poeta, desde que se afirme pela qualidade. Outro contraponto, como você colocou, é a ampliação do cânone. Mas tudo isso passaria por posições e, ainda, por políticas editoriais das revistas.
Finalmente, a maior parte dos poetas da Medusa - mesmo que tenham sido publicados por editoras como Iluminuras, Ciência do Acidente ou Sette Letras - não estão no grande mercado. E também publicamos poetas que sequer possuem livros, quase metade da seção "miniantologia/90", que tem quatro páginas na revista...

Faria: Sua argumentação nos faz pensar que você vê, além do subdimensionamento quantitativo do mercado - muito espaço para poucos autores - um corte qualitativo, que priorizaria alguns tipos de poesia e não outros. Há, de fato, uma atividade poética que não está sendo divulgada na grande mídia impressa, e que envolve um modo diferente de se fazer poesia e de entendimento da atividade literária? Isso seria extraordinário. Caso contrário, não se trata apenas de continuar demarcando novas individualidades, novos poetas, como, aliás, a maioria da crítica literária brasileira vem insistindo há algum tempo?

Corona: Não sei se esse "modo diferente de se fazer poesia e de entendimento da atividade literária", que você refere, seria um resquício do "novo" das vanguardas. Se for, já não tem o mesmo significado. O recorte etnopoético e extra-ocidental de Rothenberg, por exemplo, que comparou os ritmos vocais dos antigos povos da Nova Guiné com a pesquisa sonora (busca do novo, portanto) das vanguardas russas do início do século, colocou-nos outro enfoque, mais aberto, mais abrangente.
Com essa abertura dos modos de se compreender a poesia, também acho que a valorização de qualidades individuais seja um dos caminhos para a investigação crítica. Entretanto, não podemos esquecer que essa valorização individual também passa pela "política da forma", que hoje desprendeu-se dos manifestos dos movimentos literários, recebendo atuação mais invisível. Isso é uma coisa para se pensar. Se hoje os dogmas das escolas literárias não nos servem para nada, precisamos, em contrapartida, fazer com que a ética e a clareza (e também o humor) dos manifestos migrem para as novas revistas literárias. A partir daí,
a poesia adquire um "corpus" heterogêneo e acaba se tecendo, como sempre.

Josely: Em um dos editoriais da Medusa, você diz que a poesia "merece ser ritualizada, colocada à disposição do ser humano, libertando-se dos especialistas". E (talvez pensando em como estancar a enxurrada de poetas de água doce) propõe "poetas-xamãs" para o terceiro milênio. Como seriam os poetas-xamãs?

Corona: Nunca seremos xamãs verdadeiramente. Nosso ambiente cultural é outro. Na tribo, o xamã também é um poeta. Entre nós, o poeta, não é um xamã. Mas podemos criar ligamentos entre essas funções, conectar esses mundos. Existe um número considerável de estetas que pensam que toda referência ao "primitivo", ao intuitivo, contamina a arte. Na origem desse argumento há a idéia de que a poesia não merece ser lida por um grande número de pessoas não-poetas. Que a poesia é produzida num vazio social. Penso justamente o contrário disso. Acho que o material poético deve resguardar superfícies de comunicação que possam ser entendidas por um público maior e diversificado. Espelhando-se nas forças primitivas, que de primitivas não têm nada, essa poesia pode fazer coincidir expansão e qualidade. Entre os índios brasileiros,
segundo Risério, em termos de estética da palavra, os Kuikuro, por exemplo, "distinguem o que é fala, fala cantada e canto. E o canto falado cerimonial tem uma forma textual rigorosa, mais ou menos o que
nós costumamos chamar de erudito". Dias atrás, vi num programa de televisão que na República Tcheca é comum haver leituras públicas de poesia. O que me surpreendeu é que ela é feita por leitores, não por poetas. Os bares dispõem de estantes de livros, um microfone aberto, à disposição de qualquer pessoa que
queira dividir sua leitura de poesia com as outras. Isso é maravilhoso! Ou será que a poesia é uma propriedade intelectual exclusiva de poetas, críticos e universitários? Defendo a idéia de conectar tudo isso, de pensar a poesia para o leitor. Hoje, mais do que em qualquer outro tempo, dispomos de todos os meios e formas para nos comunicar. Vamos, então, abarrotar esses meios com uma poesia que erice os pêlos, que cause suspiros, enfim, que diga algo mais do que ela mesma. Não se trata de uma insistência sobre a "mensagem" em detrimento da "forma" ou da "técnica". Uma não sobrevive sem a outra. Mas, hoje, vejo uma preocupação excessiva com a técnica. Poeta-xamã é isso: um chamamento para os conteúdos e visões de mundo, tentando devolver o texto à tribo. Acho que a poesia é importante demais para ficar só nas mãos dos poetas.

2011-09-08T16:37:00.000-07:00

Eis a capa de Curare, meu próximo livro, feita por Eliana Borges. Trata-se de um longo etnopoema, dividido em 77 fragmentos que poderão ser lidos separadamente e em qualquer ordem. Em outubro a Editora Iluminuras colocará nas livrarias do país. Este livro foi selecionado pelo Programa Petrobras Cultural, o que me permitiu escrevê-lo com bolsa de criação literária. Agradeço a todos que deram uma força: Tikuein (que infelizmente já partiu para outras esferas), Ricardo Aleixo, Eliana Borges, Giuseppe Zani, Joana Corona, Davi Pessoa. Evoé!

2011-06-25T07:33:00.000-07:00

A Marcha das Vadias de Curitiba.

16/07/11, às 11:00
Concentração no Passeio Público

2011-06-07T18:55:00.000-07:00

curare

sm 1 Veneno muito forte preparado pelos índios sul-americanos, para envenenar flechas. É uma composição de alcalóides extraídos de vários arbustos da família das Loganiáceas, principalmente das espécies Sthrychnos castelnaui, S. crevauxiana e S. toxifera, hoje usada em anestesia, para redução de espasmos no tétano e para produção de relaxamento muscular na terapêutica de choque. 2 Bot. Nome dado a vários arbustos da família das Loganiáceas e das Menispermáceas, que fornecem esse veneno; ervagem, erva-dura. 3 O mesmo que urare, urari, uirari, urali e ticuna.

Hoje, Eliana e eu comemoramos com um bom vinho a abertura do espaço Tardanza (aliás, recomemoramos, pois já havíamos bebemorado no domingo com Joana, Cauê, Fernanda e os novos amigos chilenos Nevenka e Adolfo). Mas hoje a alegria só aumentou porque terminei de escrever o meu livro Curare (bolsa Petrobras, ufa! bacana, hein?). Hoje fiz a primeira encadernação e estou lambendo a cria com leitura atenta e anotações à margem. Está feito e estou feliz paracaralho. Aliás, ficou ducaralho!

Vai três fragmentos que pesquei ao acaso do arquivo.

Pé após pé,

Velhinho,
Cego e gago
vem K h l e b

((((
faraó.com.silício.nas.unhas........
..areia..nos..lábios......
.Saara.nas...pegadas.......
.astro-rei..esturricando...caixa-crânio.....
.....silêncio.e....deserto...
...luz..suga...suga...sombras..
..e...dobras....e.silêncio...cerebral..
...............................neutros.nublam.nutrem....
.excitam...raios.de.outro...........céu....
....camelo.rumina...e.....baba..L S D K A....
....dialeto...mastigado...pelo....clã...
......enfiado..no....deserto...
.pé.ante.pé.na.estepe...
.o....silêncio...não...fisga...a....tempestade...
...de...areia...nos......lábios...............do.sossego....
))) n i k o v :

Sim, vivo e continuo um sonho leve

= = =

... ¶ o sonho épico do menino yvaparé é rastafári ¶ o sonho épico do menino yvaparé é roms ¶ o sonho épico do menino yvaparé é comanche ¶ é kaigang ¶ o sonho épico do menino yvaparé é melasiano ¶ é suruí ¶ o sonho épico do menino yvaparé é guineano ¶ é yamanes ¶ o sonho épico do menino yvaparé não é atávico ¶ é pigmeu ¶ o sonho épico do menino yvaparé é compósito ¶ o sonho épico do menino yvaparé não é raiz ¶ o sonho épico do menino yvaparé é sonhado sob um céu guarani ¶ o sonho épico do menino yvaparé é trama raiz trançando raízes ¶ é R A I Z - C A M I N H A N T E ¶ é chiapas ¶ é crioulo-quebec ¶ é a trama cigana ¶ é o caos-belo caribenho ¶ o sonho épico do menino yvaparé nem épico é ¶ é épico que se decompõe aos livros de errância ¶ sem miolo ou borda limite ¶ o sonho épico do menino yvaparé papel antes da pilha ¶ é floresta para os grandes livros fundadores das humanidades atávicas ¶ o sonho épico do menino yvaparé nem livro é ¶ é fala sono-insônia multilíngüe de dentro de sua língua ¶ o sonho épico do menino yvaparé um poema dilacerado ¶ ...

= = =

À sua janela

Uma árvore se arvora

Sai de casa
Vai até ela –

É J U A N E L E se penteando:

“ p a r a q u e e l a i r e f l u y e r a m á s e n t r e l o s h i l o s d e l a f u e r z a ”

Copa-cabeça,
Cabelo-filamento,
Mechas-folhinhas ao vento.

É Juanele com
suas rugas-afluentes
de rio

(visão pororoca

: o poeta em sua mesopotâmia
desde a infância

SSetá
nas águas
Gualeguay, Paraná,
Iguaçu, Paraguai)

2011-06-07T18:21:00.000-07:00

eliana + joana = tardanza

Eliana Borges e Joana Corona abriram o espaço Tardanza e a inauguração será na próxima sexta-feira, dia 10 de junho, às 19h (Av. Senador Souza Naves, 540, casa 3). Conforme elas anunciam, o espaço propõe relações entre arte e pensamento, num sentido extensivo, a partir de articulações e trânsitos diversos, com exposições e outras ocupações e intervenções, conversas, lançamentos de livros e publicações, leituras, mostras de vídeo, cursos, entre outras formas de compartilhar e movimentar o espaço. A ideia é que ele vá acontecendo, existindo desse modo contínuo e inacabado: numa tardanza. E nesta sexta, a primeira ação é dos artistas Nevenka Pavic Sabioncello e Adolfo Torres Frias, com projeto Olla común.

O projeto Olla común é organizado por Adolfo Torres Frias, que vive no norte do Chile, e agora neste projeto Brasil está presente também a artista chilena que vive em Barcelona, Nevenka Pavic Sabioncello. Eles vão ocupar o espaço com colagens, para uma exposição que durará até este próximo domingo (12/6, o espaço já está aberto a partir de quarta, dia 8/6, para quem quiser vê-la, no período da tarde).

Na sexta haverá também uma fala de Adolfo Torres Frias e eles servirão comida chilena, misturada com ingredientes brasileiros. Olla común trabalha com a relação entre arte e gastronomia e o ato social de compartilhar.

Êxito chicas!

2011-05-23T07:12:00.000-07:00

AFRICANIDADES - de 25 de maio a 30 de julho de 2011

Dia 25, próxima quarta-feira (18h30), Ricardo Aleixo e jorge dos Anjos performarão na abertura da exposição coletiva AFRICANIDADES e logo após lançarão seus livros Risco Recorte Percurso, de Jorge dos Anjos e Márcio Sampaio e Modelos Vivos, de Ricardo Aleixo. Africanidades é composta por trabalhos de Rosana Paulino (São Paulo), Jorge dos Anjos (Minas Gerais), Whashington Silveira (Paraná) e José Roberto da Silva (Paraná) e ficará aberta ao público no período de 25 de maio a 30 de julho de 2011, de segunda a sexta, das 09h00 às 18h00. Africanidades, organizada pelo NEAB - Núcleo de Estudos Afro-Brasileiros da UFPR, está compreendida como uma ação importante no processo que visa reconhecer a presença de artistas negras e negros no cenário das artes plásticas nacionais em perfeita sintonia com as linguagens contemporâneas, como produtores/as e não apenas como tema.

MUSA
Museu de Artes da Universidade Federal do Paraná
Prédio Histórico da UFPR
Rua XV de Novembro, 695 – 1º andar
Informações: Email: neab@ufpr.br.

Abaixo, uma entrevista com Ricardo Aleixo para o dossiê que organizei para a revista Oroboro n. 5 (setembro, 2005):

A roda do mundo é grande mas a de Oxalá é maior

Por Ricardo Corona

Oroboro Como foi que a poesia entrou na sua vida?

Ricardo Aleixo Quando eu me lembro, mas como, acho que não. Foi em 1977, época em que eu queria saber de futebol mais que de qualquer outra coisa. Já havia lido poemas em livros escolares e, eventualmente, em revistas que me caiam às mãos, mas nada que me fizesse pensar em querer “aquilo” para mim. Gostava de canções, sempre gostei, por causa dos meus pais, que sempre cantaram muito em casa. Inclusive, a música foi a minha primeira forma de expressão artística, ali por volta dos 11 anos, no colégio, quando recebi iniciação musical e integrei um grupo vocal que cantava Beatles, Caetano, Jorge Ben. Lá pelos 14, nas aulas de educação artística, comecei a fazer colagens, objetos e tal. Gostava muito disso. Só aos 17 compus minha primeira fornada de poemas, umas 4 ou 5 manuscrituras, feitas com caneta bic vermelha. Um detalhe: todos esses textos eram compostos por neologismos. Eu, que sempre fui um trocadilhista compulsivo (como meu pai também é, ainda hoje, aos 94 anos), fiquei encantado com essa primeira possibilidade de aproveitar esteticamente uma habilidade que, entre as pessoas “sérias”, sempre me valeu a pecha de moleque, e desatei a escrever poemas. Acho que foi assim.

Oroboro Em 1987, você escreveu uma série de orikis para um espetáculo multimídia, e depois, em 1996, saiu A roda do mundo, livro escrito em parceria com Edimilson Pereira de Almeida e recheado de orikis. Até então, no Brasil, havia mais teoria do que experiência direta com o texto africano, seja no meio antropológico ou literário. Então, praticamente, você inicia a sua atividade artística incorporando e transformando a poética africana em seu trabalho de poesia contemporânea. Gostaria que você falasse sobre essa incursão/inclusão de textos “de fora” ou “extra-literários”.

Aleixo O espetáculo a que você se refere tinha como tema o episódio que ficou conhecido como “Levante dos Malês”, ocorrido em 1835. Foi a mais importante rebelião anti-escravismo ocorrida no século XIX, sendo apontada pelos estudiosos como uma das causas do acirramento da repressão sobre as populações de negros escravizados em todo o país. O detalhe é que os rebelados eram todos convertidos ao islamismo. Falavam e escreviam em árabe, veja só. Li tudo o que fora publicado a respeito e escrevi uma peça-poema, “Jogo de Guerra: Malês”, com uma estrutura textual totalmente aberta, música executada pelos próprios atores e uso de vídeo ao vivo (vários totens feitos com aparelhos de televisão reduplicando as cenas). Os orikis que compus integravam-se a textos em outros formatos: de documentos da época apropriados por mim a epigramas, poemas concretos, até aquelas coisas típicas de almanaque (“Você sabia”?), usei de tudo na peça-poema. Como já disse em outras entrevistas, até então eu não conhecia qualquer estudo de Antonio Risério – nem de qualquer outro pesquisador – sobre os orikis. Minha peça-poema foi escrita em 1987 e montada três anos depois. Escrevi os orikis motivado pela leitura de alguns textos que conheci lendo um desses livros sobre “civilizações antigas”, ali por volta de 1984. Mesmo a tradução, que me pareceu um pouco imperita, não apagou o impacto da beleza das imagens contidas nesses orikis. Passei anos tentando fazer algo naquela linha, mas nada funcionou. Até que escrevi os três que integram o “Jogo de Guerra: Malês”. Mais tarde, foi com entusiasmo que devorei – a palavra é esta – os estudos de Risério, bem como o de outros pesquisadores, além de ter conhecido o fabuloso trabalho de Jerome Rothenberg, que estabelece pontes dialógicas entre os textos orais de diversas épocas e contextos e a “tradição do novo”.

Oroboro Em textos como “Sobre in-utensílios”, publicado no Suplemento Literário de Minas Gerais, n. 1275 (2004), percebe-se uma bronca com certa crítica balizada pelo multiculturalismo limpinho e importado das universidades norte-americanas, que costuma abrir seções classificatórias do tipo “poesia feminina”, “poesia gay”, “poesia negra”, etc. Acredito que a sua classificação seja “poesia negra” e também, claro, “poesia pós-concretista”. E aí?

Aleixo E aí é que entendo, hoje, que o problema é de quem opera a partir de tais premissas, não de quem recebe os rótulos. Sem esquecer que há muitos poetas que, por razões as mais diversas, desejam ser lidos como “negros”, “gays”, “mineiros”, “bancários” etc. Não é o meu caso. Gosto de citar Platão quanto a esse ponto: “Este cão é teu. E é pai. Logo, ele é teu pai?”. Pergunto: Sou poeta. E sou negro. Logo, sou “poeta negro”? Acho que tem muito de ingenuidade (ainda que uma ingenuidade funcional) por trás dessas definições. Além da preguiça, claro. Classificar ou rotular é simplificar, dando de ombros para a complexidade do mundo – que é, de certa forma, iconizada na poesia. Poesia, como a vejo, é reduplicação, senão prefiguração, da crise, não sua resolução. Não serve como consolo a nada, não edifica, não redime. Meu caso é exemplar, quanto às tentativas de classificação: como nunca neguei a herança da vertente experimental, me rotulam como “concretista”, ou “pós-concretista”. Já quando escrevo orikis, ou poemas que tematizam o desastre da vida nas megalópoles, sou transformado em “poeta negro”, ou “etnopoeta”. A confusão ganhou novos contornos a partir de 1998, ano em que poemas meus foram incluídos, com destaque, no livro Esses Poetas – Uma Antologia dos Anos 90, organizado por Heloísa Buarque de Hollanda. Fui classificado por ela, em entrevistas, como exemplo da “poesia negra contemporânea”. Mas por que só eu fui “enquadrado”, se na própria antologia foram publicados dois outros poetas de pele preta? Paulo Lins foi escalado para representar a poesia escrita nas periferias; Valdo Motta foi apresentado como um “poeta gay”. Ora, por que diabos Lins seria mais “pobre” do que “negro”? E Motta – sua orientação sexual pesa mais, em sua poesia, que sua condição de “negro”? Há um primarismo aí, repetido inconseqüentemente por críticos como Ítalo Moriconi e outros, com o qual não posso concordar. “Poeta negro”, como tenho dito à exaustão, é aquele que se considera como tal, sabendo que suas motivações, quanto ao uso da palavra poética, são extra-poéticas. E nem serve de pretexto para esse reducionismo o fato de eu ter escrito os orikis ou os poemas anti-racismo – que não constituem nem mesmo uns 20% da minha obra publicada. Haroldo de Campos, por essa via de argumentação, teria que ser chamado de “poeta hebraico”, ou “bíblico”, por suas transcriações dos textos sagrados, assim como Alexei Bueno, forçosamente, deveria ser definido como “neo-grego”. Para arrematar: o cubano Severo Sarduy escreveu uma série de esplêndidos orikis, En El Âmbar del Estio, mas nem por isso passou a ser identificado como “poeta negro”, ou “afro-cubano”. Resumo da ópera: precisamos urgentemente, no Brasil, de críticos que aceitem o desafio de ler para além das aparências. Com a poesia é assim: ou você vai fundo, superando os apriorismos, ou é melhor nem chegar perto.

Oroboro Você disse que seus orikis ou poemas anti-racismo não deveriam servir como pretexto para o rótulo “poeta negro”. Lembrei-me de um texto peculiar sobre essa questão dos adjetivos que rotulam determinada produção poética. O texto é “Literatura e mulher: essa palavra de luxo”, de Ana Cristina César, publicado originalmente na revista Almanaque 10 - Cadernos de Literatura e Ensaio, em 1979!, no qual a poeta tentou entender o adjetivo “feminino”, aplicado à poesia de Cecília Meireles e Henriqueta Lisboa – cujos livros ela resenhava: Flor de Poemas e Miradouro e outros poemas, respectivamente. A partir dos prefácios, pinçando termos chavões tipo “puras”, “líquidas”, “intimidade”, “dom mágico”, “pudor”, etc., Ana Cristina César faz uma análise aprofundada e admiravelmente a favor da poesia, independentemente de quem a escreva, chegando a conclusões pontuais como (esta é a que mais nos interessa aqui): “no fundo, a idéia de procurar uma poesia feminina é uma idéia de homens, a manifestação, em alguns críticos, de um complexo de superioridade masculina. Precisamos abandoná-la, pois a sociologia nos mostra que as diferenças são culturais, de educação, do que diferenças físicas. Diante de um livro de versos, não olhemos quem o escreveu, abandonemo-nos ao prazer.” Isso posto, gostaria que comentasse mais sobre os rótulos, incluindo o ponto de vista da sua liberdade de linguagem (o front da poesia é um território de texto criativo e é fundamental que se coloque isso). Por outro lado, poemas como “Dois exercícios de língua pária” (Máquina zero, 2004), em que você opera uma oportuna e inteligente decupagem do provérbio anglo-saxão “When the going gets tough, / the tough gets going”, exercem influência sobre os textos periféricos. Há alguma contradição nisso? E haveria alguma diferença se fosse maior a militância crítica exercida por poetas?

Aleixo Desde muito jovem aprendi a lidar com as ambigüidades da vida sociocultural brasileira, no que diz respeito a questões como “o lugar do negro”. Adotei como estratégia de auto-preservação (emocional, mas não só) o seguinte princípio: onde esperam de mim o discurso, digamos, engajado, eu forço a mão para discutir, por exemplo, microestruturas verbais, ou sonoras, ou plástico-visuais. E vice-versa: sempre que contam com uma visada “neutra”, “formalista” etc., eu ressalto os aspectos políticos subjacentes ao texto – meus ou de outros autores. Foi o que aconteceu com o poema mencionado por você, “Dois exercícios de língua pária”. Ali quem fala é, sem disfarces, um sujeito negro que, por ser um poeta, valeu-se daquela forma e não de outra para tentar debater um tema que lhe pareceu pertinente enfocar. Só que o faz recorrendo a um artifício bastante sutil, que é a emulação do processo composicional – com seus maneirismos e preciosismos – do autor do texto que buscava criticar. Trata-se, dessa perspectiva, de um enfrentamento via texto que iconiza, com seu tanto de humor, a hipótese – terrível, aos olhos de nossa elite econômica – de, no Brasil, os despossuídos históricos se apossarem das armas que sempre serviram às classes dominantes para exercer a violência coercitiva e a exclusão dos pretos e pobres em geral. Comecei a escrever o poema movido por um ódio muito grande, mas à medida que o trabalho avançava eu percebia a necessidade de tentar responder ao ataque (um ataque covarde, posto que travestido de neutra coloquialidade) de uma forma que transcendesse o cômodo papel da vítima. Um predecessor histórico do meu poema é o famoso “Quem sou eu?”, mais conhecido como “Bodarrada”, do satirista e abolicionista radical Luiz Gama. O poema de Gama data de 1861, e é, segundo Haroldo de Campos, "uma das coisas mais violentas já escritas, na qual ele arrasa com a prosápia dos nobres, dos brancos, fazendo uma coisa corrosiva, diretamente influenciada por Gregório de Matos". Assim, penso que não há contradição em pretender me ver livre de rótulos e assumir, em determinada circunstância, uma posição “ativista”, ou “militante”. Quero é pensar o Brasil e o que nos constitui enquanto projeto de nação. Se, aqui ou ali, acho que devo forçar a mão para dizer coisas que a meu ver precisam ser ditas, faço-o sem nenhum problema. O curioso é que se você perguntar a um militante do movimento negro se Ricardo Aleixo representa “a causa”, ele vai simplesmente rir na sua cara. Quanto à segunda questão, se haveria alguma diferença caso fosse maior a militância crítica exercida por poetas, não sei, honestamente. No geral, a poesia brasileira, ao longo das últimas décadas, parece ter abandonado qualquer aspiração no sentido da ocupação e da ampliação de um espaço público. Por aqui, são raros os poetas considerados do primeiro time que expõem publicamente sua visão da cultura e dos problemas contemporâneos, ao contrário do que ocorre nos EUA, por exemplo, onde nomes como Amiri Baraka, o recentemente falecido Bob Creeley, Lawrence Ferlinghetti, Gary Snyder e outros jamais deixaram de se posicionar criticamente. Claro que é preciso considerar, também, a extrema redução do espaço público para a poesia no Brasil, onde os cadernos e suplementos culturais são quase totalmente dominados por pseudo-jornalistas e pseudo-intelectuais.

Oroboro O corpo do poema e o corpus da cidade são máquinas do mundo que precisam de mais ironia, humor, sátira, amor?

Aleixo Poema e cidade são “lugares”, na minha visão de mundo, da máxima importância. O poema, por ser, mais que a disposição ordenada de palavras na página, o tensionamento da relação entre elas, as palavras. Com a cidade, que é, para citar o jargão dos urbanistas, um organismo vivo, se dá o mesmo. Por isso me empenho tanto na proposição de estratégias de reconfiguração do espaço urbano – sobretudo por ter nascido e por viver numa cidade fundada sob a lógica positivista. Belo Horizonte é fundada em 1897, ano em que Canudos é destruída. Canudos é o atraso, a mancha que deveria ser rasurada, ao passo que a nova capital das Minas Gerais é saudada como a “Jóia da República”, a marca da modernidade na qual o país seria, enfim, intronizado. A população de Belo Horizonte foi devidamente selecionada entre os habitantes da antiga capital, Ouro Preto, assim como a população que vivia no lugar denominado Curral del Rey foi expulsa para as cercanias da cidade. A fundação da cidade, por isso, assinala um gesto de exclusão que será continuamente reencenado ao longo destes pouco mais de 100 anos. Voltando à analogia entre “corpo do poema” e “corpus da cidade”, concordo com sua definição: são “máquinas do mundo”. Se precisam, para funcionar a contento, de “mais ironia, humor, sátira, amor”? Mais do que nunca. Poema e cidade têm que ser reapropriados, potencializados, eu diria mesmo fertilizados para a festa e o prazer, não podem ser apenas os “lugares” da ordem e dos rígidos finalismos. Têm que ser, também, espaços para palavras/corpos à solta, em pleno “exercício experimental da liberdade”, para lembrar a bela frase do crítico de arte Mário Pedrosa.

Oroboro Exceto no rap, e salvo em alguns poetas, não há uma preocupação em inserir a realidade na linguagem e através dela abrir um diálogo franco com o leitor. Por outro lado, tenho a impressão que os poetas do rap sofrem de um rápido esgotamento do discurso (talvez, justamente por investirem muito no discurso) e se tivessem acesso às maravilhas da linguagem, a poesia avançaria mais do que tem avançado com os poetas “ditos” poetas. Nesse sentido, criamos margens em que todos somos marginalizados, inclusive o leitor. Você concorda com essa afirmação?

Aleixo Os poetas do rap, por aqui, têm se mostrado, em geral, auto-complacentes com sua própria situação de “cronistas do cotidiano”. Num país tão atrasado em questões como a universalização de direitos elementares, como é o Brasil, os rappers têm assunto garantido para uma vida inteira. E não acho que uma literatura, como essa que vem sendo chamada de “marginal”, derivada de alguma forma das experiências textuais do rap, seja a solução para o problema da “marginalização do leitor”. Tudo bem que existam as margens, ou territórios, mas considero bem mais estimulante quando há a possibilidade de trânsito entre um território e outro. E sei que isso é possível. Numa oficina que ministrei no ano passado, conheci uma garota que tinha uma banda de rap e conhecia bem Saul Williams, The Last Poets, Gil Scott-Heron e outros que podem ser apontados como precursores do rap. E olhe: só o fato dela ser mulher num universo predominantemente masculino (e sexista!) já era interessante, mas ela ainda trazia, de quebra, informação poética que a situava muitos pontos acima da média dos “manos” e “minas”. Prova da disposição dessa garota para incorporar dados novos à sua prática é que, durante a oficina, ela lidou com extrema desenvoltura com a vocalização da poesia experimental de diversas épocas, que é o mote do meu trabalho em sala de aula. Agora, em termos mais gerais, não há como negar que o rap tem servido, pelo menos, para despertar os “poetas ‘ditos` poetas” para a necessidade de reconectar a poesia ao corpo. Coisas interessantes têm surgido no campo das performances multimídia, inclusive com o desenvolvimento de parcerias entre poetas e DJs. O rap pode ter sido reduzido a fórmulas verbais-sonoras, mas sua influência é detectável mesmo em poetas como, pasme!, Augusto de Campos. Em entrevista que me concedeu há alguns anos, Augusto admitiu que sua versão do “Gafanhoto”, de cummings, desenvolvida em colaboração com seu filho Cid e incluída no CD/espetáculo “Poesia é risco”, pode ser definida como um “quase-rap”. O que não quer dizer que cummings – ou o próprio Augusto – tenha se tornado um poeta “popular” por conta disso, não é por aí. Mesmo porque existe um tipo de leitor, ou, mais amplamente, de público, que, no tocante à poesia, vai se situar sempre “à margem” de qualquer criação mais elaborada, simplesmente por estar habituado a ter pouco trabalho, em face do facilitário que lhe foi e é oferecido pela indústria dos “pestesellers” (Haroldo de Campos dixit) e dos hits/shit.

Oroboro Com a existência, em nossa época, de tantos programas e meios de gravação digital, não deveríamos organizar melhor um espaço simbólico para a poesia sonora? Isso não está nas mãos da nossa geração? Os americanos parecem trabalhar melhor esse contexto, com o chamado spoken word, que são verdadeiros festivais de poesia, com público cativo e tudo. Tudo bem, eles tiveram os Beats que abriram caminho... Mas nós temos tradições, de norte a sul, tradições orais de poesia como o cordel e a trova... e poderíamos, inclusive, chegar mais perto de um público mais amplo, não acha? Gostaria que comentasse essas questões que levantei rapidamente e também falasse do seu projeto de gravar um CD de poesia.

Aleixo Estamos começando a fazer isso, muito lentamente. Discos como o “Poesia é risco”, de Augusto e Cid Campos, “Têmpera Mental”, de Décio Pignatari, Livio Tragtenberg e Wilson Sukorski, certos trabalhos de Arnaldo Antunes, o seu “Ladrão de fogo” – sobre o qual cheguei a escrever – e uns poucos outros apontam para a organização desse espaço referido por você. A grande variedade de opções, de certa forma, passou a ser um problema para os poetas mais jovens, que acabam aceitando o receituário básico dos programas digitais, ao invés de buscar neles um reforço para suas idéias criativas. Esse problema é análogo ao da retomada da poesia visual, em que a falta de estudo no campo específico da visualidade, associada à gama de possibilidades oferecidas pelos programas gráficos, faz surgir trabalhos totalmente desprovidos de interesse. Por enquanto, ainda predominam a quantidade e a imperícia técnica e tecnológica. Quanto aos norte-americanos, você, ao traçar a analogia entre os beats e a tradição oral brasileira, tocou diretamente o cerne da questão: a oralidade, entre eles, atingiu a faixa de criação letrada, livresca, constituindo-se enquanto uma opção a mais para o público de poesia, digamos, culta. No Brasil, não: nossas elites literárias ainda situam a oralidade num nível secundário em relação à escrita. Sobre o meu CD, no qual trabalho há mais de cinco anos, tudo o que posso a dizer é que acabou se desdobrando em três: um de canções (que compus sozinho, ao violão, ou com parceiros como Maurício Tizumba, Gilvan de Oliveira, Gil Amâncio, Juarez Maciel e Zeca Baleiro, Tião Nunes e até com gente que já não está nem aqui, como Bispo do Rosário, de quem musiquei trechos de umas inscrições bordadas num estandarte), um de radiopoemas e um com a trilha da performance “Um ano entre os humanos”.

Oroboro Começarei com um sintoma. Todos sabem que João Cabral afirmava que não gostava de música e João Donato, não gosta de poesia... O formalismo, a construção rígida, mais cerebral, são características marcantes e importantes para a formação da poesia brasileira. Porém, quando servem de selo de qualidade, de sintoma de erudição, transformam-se em critério exclusivista. Porque existem as formas populares, como as já mencionadas cordel e trova, além da poesia que envolve parte significativa das letras de música, etc. Ou seja: essa margem não atrapalha a formação de um contexto poético sonoro? E mesmo que essa margem tenha motivos para existir, seria o som, em termos de criação poética, menos complexo do que a palavra escrita?

Aleixo Os dois Joões citados por você me parecem bons exemplos de uma tendência bem brasileira de querer deixar cada coisa em seu lugar, incomunicável com as demais coisas/signos. Cabral é contemporâneo das maiores revoluções sonoras de que se tem notícia (serialismo, atonalismo, música concreta) , e isso aparece na poesia dele, de forma espraiada. Ora, simplesmente não há como desconsiderar o extraordinário deslocamento de foco promovido na música de invenção, que deixa de priorizar a melodia e a harmonia em função da exploração timbrística e ritmica, para referir só esses dois parâmetros. Foi o saudoso Sebastião Uchoa Leite quem me chamou atenção para essa contradição em João Cabral: ainda que ele não tenha dado ouvidos à “antimúsica” de seu tempo, ela, de algum modo, se insere na sua sensibilidade de poeta empenhado na desautomatização do olhar do leitor. Quanto a João Donato, vale observar que seu desinteresse por uma poesia “literária” (mesmo quando escrita sob a forma de letra de música”) não o impede de criar admiráveis peças cantadas, para as quais contribui, sem dúvida, a escolha de parceiros que, por seu turno, entregam-se a prazerosos jogos sonoros com as palavras, usando e abusando de monossílabos, interjeições e expressões de origem afro. Note que no caso de Donato, a “solução” passa, necessariamente, pelo trabalho em colaboração. Imaginemos: e se Cabral tivesse tido a chance de desenvolver trabalhos com parceiros musicais (não um Chico Buarque, que, compreensivelmente, apenas cumpriu burocraticamente o que lhe foi pedido quando musicou “Morte e Vida Severina”, mas um músico dado a experimentações técnico-formais), será que ele teria continuado a dizer o que dizia sobre seu descaso pela música? Concluindo: você pergunta o que é mais complexo, em termos de criação poética, se o som ou a palavra escrita. Penso que cada código oferece graus diferentes de complexidade. Para a poesia, tudo significa, todas as possibilidades são relevantes. Que cada poeta que descubra a melhor maneira de levar adiante o seu projeto criativo. Pessoalmente, minha batalha, hoje em dia, é pela ampliação, senão pelo estabelecimento, em bases menos circunstanciais, disso que você chama, com muita propriedade, de “contexto poético sonoro” – o qual não descarta, antes, potencializa os aspectos gráfico-visuais do texto, numa relação isomórfica que atribui dimensão partitural ao signo verbal. No meu entendimento, e sei que você também pensa da mesma forma, um “contexto poético sonoro” é algo que vai além da eventual abertura dos espaços para leituras, recitais e performances e das gravações de CDs de poemas, feitas, com raríssimas exceções, com total imperícia. Temos que estudar muito, pesquisar novas formas de ocupação da “cena contemporânea” – título, aliás, de um excelente livro do ensaísta Renato Cohen, falecido há cerca de dois anos, que fala sobre as simultaneidades e multiplicidades desse espaçotempo em que têm se movido criadores de diversas áreas. Me parece que o grande desafio para os poetas que pretendem trabalhar com outros suportes que não o livro, hoje, é conseguir ocupar esse novo ambiente estético-cultural sem achar, morrendo de culpa, que estão “traindo a verdadeira poesia”, essa que tem cultiva o objeto livro como um fetiche, um objeto de culto.

Oroboro Você integrou a Cia. SeráQuê?, para a qual compôs a trilha sonora do espetáculo Quilombos urbanos, apresentado de 1999 a 2003 em várias cidades brasileiras e no exterior, como Argentina e Alemanha. E com Gil Amâncio, fundou e dirige a Sociedade Lira Eletrônica Black Maria. Fale mais sobre essas experiências.

Aleixo Tem uma parte da minha história com a arte que se inicia em 1998, quando eu me inscrevo num workshop da artista plástica Lygia Pape, em Belo Horizonte, que me serve de estímulo para a retomada do trabalho plástico-visual. É a partir desse encontro com Lygia, com quem conversaria em outras oportunidades, sempre recebendo dela a melhor das atenções, que surgem os trabalhos que vão compor, em 99, a mostra Objetos suspeitos, apresentada em Belo Horizonte, em Mariana e no Castelinho do Flamengo, no Rio. Nas duas primeiras cidades eu apresentei uma performance poético-musical junto com Gil Amâncio. A receptividade foi tão boa que resolvemos desenvolver um trabalho em dupla, que resultou, no ano seguinte, na criação da Sociedade Lira Eletrônica Black Maria – nome que homenageia Thomas Alva Edson, cujo estúdio tinha o nome de Black Maria, e, de tabela, ressalta a idéia de invenção presente no nosso projeto, que mistura poesia falada, cantada e cantofalada com música eletrônica e realização acústica, videopoemas e vídeo ao vivo, dança, performance, arte vestual, afrofuturismo, música concreta e o que pintar, sempre oscilando, propositalmente, entre high-tech e low-tech. Na mesma época, 99, fui convidado por Gil a integrar a Cia SeráQuê?, que ele fundou, em 93, ao lado do bailarino Rui Moreira, ex-grupo Corpo. Fiquei com a SeráQuê, como performer e compositor, até 2003, quando fizemos, em Berlim, a última apresentação de Quilombos urbanos, uma experiência que vivi com muita entrega, muita vontade de aprender, porque era a primeira vez que eu me aproximava do universo da dança. Eu era um performer, um poeta, cantor e compositor dentro de um grupo que tinha artistas de outras, mas era fundamentalmente dedicado à dança. No Quilombos também era forte o uso da eletrônica, e não só pelos músicos, mas pelos bailarinos (Rui dançando num tablado sonorizado é uma imagem inesquecível). De modo que foi uma experiência ao mesmo tempo estimulante e assustadora para mim. Para quem estava habituado a trabalhar sozinho, no máximo com mais uma ou duas pessoas, era algo estranho aquela pletora de gente sempre por perto, sempre dando palpites, cobrando, sugerindo. Meu livro Trívio, de 2001, surgiu, de certa forma, como reação emocional a esse pique frenético em que havia mergulhado, como um esforço de afirmação de individualidade criadora, uma coisa assim. Depois de uma viagem a Coimbra, Portugal, no ano passado, quando estreei a performance Um ano entre os humanos, voltei a trabalhar sozinho ou com convidados eventuais, sem deixar, também, de trabalhar com Gil e os demais parceiros da Sociedade Lira Eletrônica Black Maria, o VJ Tatu Guerra e o DJ e dançarino Rato. Com Gil, fiz, recentemente, a trilha sonora para a primeira animação do Tião Nunes, Antologia mamaluca.

2011-05-05T05:11:00.000-07:00

Hoje, às 19h30, na Casa UNA, Belo Horizonte, em mais um desdobramento

da ZIP/Zona de Invenção Poesia &, Ricardo Aleixo apresentará uma
mostra comentada de poemas sonoros.

Os focos principais da sua abordagem serão as obras
...cedidas por Marcelo Sahea, Ricardo Domeneck (em parceria
com o duo Tetine), Manoel Ricardo de Lima, Makely Ka e Ricardo Corona
e as peças especialmente criadas para a ZIP pelos poetas Bruno Brum,
Mônica de Aquino, Mariana Botelho, Kiko Ferreira, Sérgio Fantini
e Thais Guimarães e pelos integrantes do grupo TEXTA, de Maceió.

A Casa UNA fica na rua Aimorés, 1451. Entrada franca.

2011-04-30T13:40:00.001-07:00

2011-04-19T05:45:00.000-07:00

ZOONA (ufa! e uau!)

::::::::: um dos momentos::::::::::::::::::

a fala tartamuda das onomatopeias,
escritas nos balões de "Poluição sonora",
intervenção de Eliana Borges.

2011-04-08T04:42:00.000-07:00

ZOONA – encontro literário de Curitiba

Encontro reúne durante três dias mais de 35 escritores, poetas, performers e artistas, de diferentes localidades, em homenagem às obras dos escritores Valêncio Xavier e Wilson Bueno.
Mesas-redondas, performances, mostra de vídeo, intervenções, lançamento de livros e publicações, leitura de poesia e prosa (poema ao vivo), exposição documental e lançamento do suplemento literário vagau – edição exclusiva do evento. Essas são as atividades que integram a programação do ZOONA literária, que agitará Curitiba nos dias 15, 16 e 17 de abril.

Incentivado pelo Fundo Municipal de Incentivo à Cultura de Curitiba, com realização da editora Medusa, o evento ZOONA literária acontecerá no Solar do Barão (Rua Carlos Cavalcanti, n. 533), à exceção da mostra de vídeo que terá suas sessões no Paço da Liberdade (Praça Generoso Marques, 189). A curadoria do evento, assinada pelo poeta e editor Cláudio Daniel (SP) e pela poeta e artista visual Joana Corona (PR), tem como referência os trabalhos dos escritores Valêncio Xavier e Wilson Bueno. Uma homenagem que, sobretudo, realizar-se-á com a apresentação de trabalhos, ações e pensamento inventivos, modos de acessar o extraordinário legado composto pelas obras destes autores.

Embora seja um encontro literário, ZOONA transita por diferentes formas expressivas e portanto abrange um público heterogêneo, expandindo-se para outros campos artísticos. Entre os convidados das mesas-redondas estão os escritores Luis Ruffato (SP), Paulo Venturelli (PR), Raquel Stolf (SC), Victor Sosa (México) e Luis Serguilha (Portugal). Documentário, entrevista, videoarte, videopoema e filmes do Valêncio Xavier comporão a mostra de vídeo ZOONA, além de curtas de ficção de diversos diretores. As performances serão de Marcelo Sahea (RS), Ricardo Corona e Eliana Borges (PR). Maiores detalhes sobre a programação do evento estão disponíveis em:

http://www.zoonaencontroliterario.wordpress.com.

“De uns tempos pra cá, tenho percebido um discurso que diz o que é literatura e o diz ocupando o seu centro. Um discurso que, ingênua ou intencionalmente, tem empurrado para a margem autores inventivos como Leminski, Valêncio, Wilson, Karam, Josely, entre outros. E literatura, definitivamente, não se faz com discursos polidos e centralizados. Sequer é coisa para se decifrar e depois conquistar. Em ZOONA, que traz em si a coerência de ser um espaço efêmero e passageiro, com três dias de duração, discutiremos não a margem excludente e o discurso que articula, mas a zona extrema, a zona de invenção que vem sendo habitada por certa literatura contemporânea e que muito nos diz respeito nestes platôs curitibanos”, afirma o poeta Ricardo Corona, coordenador do evento.

Serviço:

Dias 15,16 e 17 de abril

 Mesas-redondas, performances, poema ao vivo e lançamentos: Museu da Gravura Cidade de Curitiba - Solar do Barão - Sala Scabi (Rua Carlos Cavalcanti, n. 533).

 Mostra de vídeo ZOONA: Paço da Liberdade – Sala cinepensamento (Praça Genoroso Marques, 189)

 Exposição apegos: de 16 de março a 17 de abril, Museu da Gravura Cidade de Curitiba (Rua Carlos Cavalcanti, n. 533)

Maiores informações:

http://www.zoonaencontroliterario.wordpress.com

Contato:

editoramedusa@hotmail.com

ZOONA – evento literário de Curitiba

Realização: Medusa Editora e Produtora

www.editoramedusa.com.br

Curadoria: Cláudio Daniel e Joana Corona

Produção: Meio-Fio Cultural

ZOONA

encontro literário de Curitiba

PROGRAMAÇÃO GERAL

SEXTA - 15/04

10h - mostra de vídeo

O mistério da japonesa (2005), de Beto Carminatti e Pedro Merege

Repontual (2007), de Adriano Esturilho e Henrique Faria

Generoso (2007), de Eduardo Baggio

Mar paraguayo (2004), de Nivaldo Lopes

só tenho um norte (2007), de júlia studart, manoel ricardo de lima, demétrio panarotto e alexandre veras

14h30 - mesa-redonda: Escritas – contaminações entre literatura e artes visuais

Debatedores: Joana Corona (Curitiba-PR), Raquel Stolf (Florianópolis-SC) e Manoel Ricardo de Lima (Rio de Janeiro-RJ)

Mediadora: Eliana Borges (Curitiba-PR)

17h - mostra de vídeo

Entrevista com Valêncio Xavier e com Wilson Bueno. Projeto Encontros: Memória da Literatura Paranaense (2004), coordenado por Silvanah Santos

18h15 - breve depoimento de Luiz Carlos Pinto Bueno

19h - performance: Pletórax

Marcelo Sahea

20h - mesa-redonda: Poéticas da simulação e do dilatamento

Debatedores: Ricardo Corona (Curitiba-PR), Victor Sosa (México) e Claudio Daniel (São Paulo-SP)

Mediador: Ricardo Pedrosa Alves (Curitiba-PR)

22h - lançamentos e poema ao vivo

lançamento do suplemento literário vagau

lançamento dos livros e publicações: ZOA'E, de Luis Serguilha, crostácea, de Joana Corona, musga, de Mário Domingues, Poesiaénão, de Estrela Leminski, oAtlas, de Eliana Borges, Rostos e rastros do século XX, de Victor Sosa, os anomenos, de Manoel Ricardo de Lima, Poemas de 3000 anos, de Emerson Pereti e lab #2 - laboratório de crítica de arte.

poema ao vivo: Andréia Carvalho, Adriano Esturilho, Francine Canto, Luiz Felipe Leprevost, Vanessa Rodrigues, Manoel Ricardo de Lima e Luiz Carlos Pinto Bueno (lendo textos de Wilson Bueno).

intervenção: Poluição sonora

Eliana Borges

SÁBADO - 16/04

11h - mostra de vídeo / sessão Valêncio Xavier

O pão negro (1994), de Valêncio Xavier

Carta ao signore Fellini (1979), de Valêncio Xavier

14h30 - mesa-redonda: A prosa do mínimo

Debatedores: Luci Collin (Curitiba-PR), Carlos Henrique Schroeder (Jaraguá do Sul-SC) e Luis Serguilha (Portugal)

Mediadora: Assionara Souza (Curitiba-PR)

17h - mesa-redonda: A prosa de arte e o subespaço urbano

Debatedores: Paulo Sandrini (Curitiba-PR) e Luiz Ruffato (São Paulo-SP)

Mediador: Mário Domingues (Curitiba-PR)

19h30 - performance: tsantsa

Ricardo Corona e Eliana Borges

20h30 - mesa-redonda: Fronteiras linguísticas, em Wilson Bueno, e de linguagens, em Valêncio Xavier

Debatedores: Joca Terron (São Paulo-SP) e Paulo Venturelli (Curitiba-PR)

Mediadora: Joana Corona (Curitiba-PR)

23h - lançamentos e poema ao vivo

lançamentos dos livros e revistas: arquitetura da luz, de Francine Canto, barato, de Ricardo Pedrosa Alves, Eita! (n. 5, dez. 2010) - revista de literatura, Tatuí Crítica de Arte 11, Antônio Maria - crônicas de escritores contemporâneos do Recife, Os justos, de Cristhiano Aguiar, ocupado, de Adriano Esturilho, manual de puts sem pesares, de Luiz Felipe Leprevost.

poema ao vivo: Cristhiano Aguiar, Emerson Pereti, Mário Domingues e Denis Nunes (sound-design), Alexandre França, Sabrina Lopes, Estrela Leminski, Victor Sosa e Luis Serguilha.

DOMINGO - 17/04

11h - mostra de vídeo

preamar (2010), de Joana Corona

FORA [DO AR] - Kit para terceiros socorros (2003-2004), de Raquel Stolf

zero-sufur, de Mário Domingues

pulso descalço, de Glauco Pessoa

medo (fear) (2009), de Marcelo Sahea

14h30 - mesa-redonda: A autoridade do original e a autoria da tradução

Debatedoras: Sabrina Lopes (Curitiba-PR) e Virna Teixeira (São Paulo-SP)

Mediador: Claudio Daniel (São Paulo-SP)

17h - poema ao vivo: Claudio Daniel, Virna Teixeira, Edson Falcão, Leonarda Glück, Rodrigo Madeira, Ricardo Pedrosa Alves, Fernando Karl e Ricardo Pozzo.

A exposição apegos faz parte do ZOONA literária, é uma exposição documental com objetos e manuscritos de Valêncio Xavier e Wilson Bueno, que está no Museu da Gravura Cidade de Curitiba, Solar do Barão, do dia 16 de março a 17 de abril de 2011.

2011-04-06T08:10:00.000-07:00

2011-04-01T17:36:00.001-07:00

2011-03-31T09:59:00.001-07:00

2011-03-31T09:58:00.000-07:00

2011-03-29T03:59:00.000-07:00

2011-03-13T12:38:00.000-07:00

A exposição APEGOS que abre na próxima quarta-feira faz parte da

programação de ZOONA LITERÁRIA, que acontecerá
nos dias 15, 16 e 17 de abril no mesmo endereço. Durante três dias,
escritores e artistas da cidade e de outros lugares, com a intenção de
abrir um espaço simbólico que consiga festejar, refletir e mostrar
trabalhos criativos, apresentarão temas-provocações em debates de
mesa-redonda, poesia e prosa ao vivo, performances, lançamentos de livros e
mostra de video. Esta exposição APEGOS é apenas o começo de uma
série de atividades que comemorará a obra e a vida de nossos
homenageados: Wilson Bueno (1949-2010) e Valêncio Xavier (1933-2008).
Aguardem a programação completa!

zoonaencontroliterario.wordpress.com

2011-01-09T08:55:00.000-08:00

AMO
Para Miau Caráter (1990 - 2011)

Na minha casa quem manda é o gato
O felino domina a arte do trato
Com maestria usa sua glândula de cheiro
Afaga sempre com airoso esmero
Quando sobe em colo quentinho
Oferece ao dono a exclusividade do ninho
Manhas para demarcar o que lhe pertence, claro
Mas é arte porque só se percebe o carinho
Já sei que eu é que sou do meu gato
Aprendi que é ele quem manda. E pronto.
Merece ser amo quem sabe ser mimo
Quando ouço “miau”, ouço também “meu”

ricardo corona

2011-01-03T17:05:00.000-08:00

Claudio Daniel tem se destacado na tarefa de reunir a poesia do mundo em antologias que no mínimo contribuem para o olhar crítico de certas produções. Uma delas é Ovi-Sungo Treze poetas de Angola (Lumme Editor: http://www.lummeeditor.com/). Na época, 2008, escrevi talvez o único texto sobre a publicação, que saiu em primeira mão no Suplemento Literário de Minas Gerais e depois num dos principais jornais daquele país africano.

Treze poetas de Angola

Ricardo Corona

Seria exagero aferirmos à arte poética função didática ou compromisso directo com os actos humanos sem considerarmos que aquela permanece, espontânea e constantemente, em atenção a estes – como qualquer evento do homem – por sua natureza de pertencer ao núcleo utópico de ensinar, comover e deleitar. Uma adesão à palavra com consciência de que a poesia nos move porque pertence igualmente ao vivo e, portanto, seria menos uma função e mais um alento, que podemos identificar também nas línguas ou na genealogia de um sim. Para ajustarmos mais precisamente o foco, recorro a um texto que está no Operette Morali, de Leopardi: “Tenho pouco apreço por aquela poesia que depois de lida e meditada não deixa no espírito do leitor um sentimento nobre tal que, por meia hora, o impeça de admitir um pensamento vil e de cometer uma acção indigna.”

Ovi-Sungo, treze poetas de Angola (Lumme Editor, 2007), antologia organizada por Claudio Daniel, um recorte com poemas escritos de 1970 a 2000 tem o mérito, o primeiro de uma lista de importâncias, de nos colocar a par, pelo radar poético, pelas “antenas da raça”, daquilo que podemos generalizar, com Agualusa, ser a acção sensível da “reconstrução permanente” de uma nação. Um atinar constante para o sentido das coisas vividas em colectividade, que são (ou deveriam ser) desde o amor até a moeda mínima que compra o pão de cada dia. Um sentimento que está arraigado na vida dos angolanos e que aparece em poemas desta selecção, como veremos nos versos de Jorge Arrimar, nos quais se lê: Eu sei que as paredes grossas / da casa onde nascemos / se começaram a construir / no tempo de outras gerações. / E ambos descobrimos isso / quando gatinhávamos / pelas primeiras letras / dos livros mais antigos / que lhe serviram de alicerces // Ainda os vemos de páginas abertas / no chão húmido da memória, / como se fossem janelas / das raízes que nos suportam. (As janelas das raízes, p. 141). Ou no embate das palavras acesas de Maria Alexandre Dáskalos: A alma é como a lavra. / Quando as nossas mãos voltam a desfiar. / O milho amarelo de ouro? (...) / Como se faz o mundo? Quando começa o mundo? (Sem título, p. 175). E a justa atribuição das palavras, em Abreu Paxe: entre as trevas e a seiva da sintaxe abundam palavras / inofensivas nada dizem à pátria por imitação os impérios / renovam os aspectos os tempos os modos (...) (Em sexo livre a língua, p. 47).

A julgar pela selecção reunida no volume, são poetas que dizem sobre essa reconstrução de contexto. Os poemas, meio brinquedos que desmobilizam o real, sibilam e movem significados transformadores da realidade inanimada da Angola que mesmo após se livrar em 1975 da intransigência do colonialismo português vigente desde o século XVI até o XIX, transformou-se em palco da Guerra Fria –, com maoístas financiados por norte-americanos e comunistas apoiados por russos. São mosaicos sensíveis, contrastantes, diante dessa Angola das muitas jazidas de diamantes, dos muitos poços de petróleo; riquezas cobiçadas por europeus e norte-americanos, à custa de muita dor social, nunca permitindo que essas riquezas se transformassem em benefício para o angolano. Trata-se de uma poesia sendo feita em tempos declarados de não-poesia.

Giuseppe Ungaretti, outro poeta “italiano” (na verdade de origem egípcia), refletiu exaustivamente sobre a poesia vinculada ao seu tempo, com aguda consciência dos estados de convulsões da história e perscrutado pela gênese da memória e da inocência, nunca abandonou a utopia mais alta: “A poesia reafirma sempre – é a sua missão – a integridade, a autonomia, a dignidade da pessoa humana. Se ela chegasse um dia a vencer sua batalha, se chegasse a salvar finalmente a alma humana, se um dia, na unidade das crenças, o primado do espírito fosse por todos admitidos como regra fundamental de toda sociedade, a poesia teria vencido sua batalha, e as dificuldades morais, que sempre dividiram tão tragicamente a humanidade, seriam finalmente resolvidas.” Talvez pudéssemos ver “O mundo recriado a partir dos olhos duma mulher”, seguindo os versos de João Tala (p. 137): Sou a palavra que você não disse / o nome que você não chamou. / Contigo viverei palavras desiguais / palavras ardidas na língua que as prolonga; / palavras perdidas e procuradas / onde tentas o sonho. Quem sabe fosse possível sentir a abundância nos milharais, entoada nos versos de Eduardo Bonavena: A chuva / Vai tornar a cair / Sobre / A minha aldeia / As bandeiras do milho / Voltarão a flutuar / Ao vento. / Teremos verde nos olhos / Os lábios molhados de leite. (...) (“Dos ventos da lona”, p. 113)

Escapar do tempo, rasante, de céu embaixo e superfícies tagarelas que só fazem medrar o fim e o impasse: A morte da música pode ser lisa entre o início de um verão / e a direção que faz o silêncio. A surdez levanta a imagem / que a sombra distraidamente enterrara a cinco / palmos do chão. Para o coração se salvam as gaivotas / que levaram os mares para bem perto do sol que se despe (...) (Sem título, p. 58, de Adriano Botelho de Vasconcellos). Assim, a poesia será “aquele ofício perdido que toda geração deve reaprender, buscando na memória de um longínquo Éden.”: de sobras de esquecimento / e / de flocos de desassossego / se tece a rede da memória (...) (Sem título, p. 65, de Arlindo Barbeitos).

Ovi-Sungo, que significa (conforme nota do livro) “palavra do umbundu, língua falada da província de Benguela até o planalto interior angolano que significa ‘cantos, cânticos’”, desdobrando para “‘ovi’ designativo plural de ‘sungo’, ou canção”, sugere a rica tradição oral angolana na qual a poesia tradicional aparece ligada ao canto, mas ligada de modo inseparável, esqueleto e carne. Em se tratando de etnopoesia, as culturas africanas apresentam seus poetas, desde sempre. O ouvido atento à poesia oral faz a diferença em poetas como Conceição Cristóvão, Cristóvão Neto e David Mestre, para ficarmos apenas com esses três. Conceição Cristóvão é o que mais nos oferece amostragens de etnopoesia: ...cavo a terra forjo o ferro faço o pão. / quando quero, sempre quero! / mesmo quando os makixi sangram pelo sexo. / e nos seios mirrados eivados / trazem o quente sabor da bílis. / dos dias sem chuva... (Antes da orgia, p. 82). Em nota explica-se que makixi (ou akixi, plural de mukixi, em kimbumdu) é uma figura mítica do meio rural, semelhante a um espantalho, e tem papel importantíssimo nos ritos de iniciação em muitas regiões do continente africano. O segundo, Cristóvão Neto, nesta seleção, traz referências a danças e instrumentos musicais originários da cultura popular angolana, como neste em que coloca o instrumento de percussão “kissanje” no centro de sua operação poética: Chove ainda, meu kissanje / Sobre a vidraça deste afogo / Como uma metafísica de insônias! // Sou qualquer lugar neste congresso de salmos! (Este kissanje que arroja salmos, p. 97). O terceiro, David Mestre, destacaria como exemplificação de uma poesia miscigenada de mitologias, feito este “Nagaieta de beiço”: Cantarei / as tuas coxas / entre (o pano) abertas o clamor / da // minha língua (em guarda). // O oiro / o mel / o silêncio cúmplice // a arca da tua boca / magra // Por que ardem as fontes / no auge / da alegria? // Eros (em chamas) ousasse / gota / a / gota / um rumor / de cal / aflita // Tu tem ngaieta de beiço / morro damor lá (p. 103). A antologia informa que “ngaieta” é uma corruptela luandense de gaita.

Por mais que sejam operações próximas do conceito que António Risério classificou como “mitografismo”, ou seja, “semanticismo” um pouco ingênuo de transferência idiomática de conteúdos, devemos, no entanto, prestar atenção que tais operações partem da mesma cultura para “dentro” dela mesma. Do ponto de vista geopolítico, os sujeitos dessas confluências semânticas são poetas pertencentes a países periféricos, descentralizados, e, portanto, de fora do eixo europeu dominante. Esse deslocamento já apresenta novidade suficiente para circunscrever alguns momentos de invenção da poesia contemporânea mundial. São poetas que estão no mapa de um Jean-Joseph Rabearivelo (de Madagascar), que escreveu na língua do colonizador (no caso, o francês), mas que soube ouvir os cantos de sua cultura e produziu uma poesia extremamente original e dialogante com as ideias de “recuperação” da vanguarda mundial, assinaladas por Jerome Rothenberg, por exemplo.

Os poemas que chamam para si uma elaboração na linguagem, salvo dizer que toda poesia deve trazer tal elaboração, o que não é diferente nesta antologia, mas, a dedo, podemos destacar a concreção da dicção de José Luís Mendonça, cuja materialidade aparece em seu vocabulário, sugerindo imagens instigantes e ousadas: Ó mãe dos gafanhotos / sentados na lavra da boca deserta: / quantos comboios pariu a tua fome / sobre tijolos gravados ao corte da língua? / O abecê do tempo sangra no pilão / e a chuva de Abril nos cafeeiros / é a mulher kilombo, dizem / morreu um leão no fogo do teu ventre / onde caminhei de animais na mão. (Um canto para Mussuemba, p. 154). Na mesma linha, Lopito Feijoó, cuja operação com equações quase matemáticas ocasiona o estranhamento necessário de toda poesia que se propõe pensar a própria linguagem, compartilhando interesses da vanguarda, especialmente os efeitos gráficos: 1 – Variável S: / Tanto tempo são todos os dias de manhã / a tarde e a noite no SUL quando chove. // 2 – Variável C: / São todos os tempos no CENTRO de todos / os dias e deste tema por (a)bordar... // 3 - Variável N: / (e porque) / são todos os tempos de colheita se a / ironia ancestral da vida troveja sobre / o sempre também NORTE da humanidade? (Sistema de equação tridimensional dum mistério a desvendar, p. 161). Na mesma ascendência experimental da antologia, certamente está a poesia de João Maimona. Nos limites de poesia e prosa, sem fazer uso de títulos, limítrofes de gêneros e outras demarcações de campos, seu fluxo textual ora devorante ora giratório, encarna a dicção neo-barroca em alta voltagem: o sentido do regresso e a alma do barco. / antes que o mar anuncie a sua existência / os capitães transfigurados trespassam a / linha do amor. as noites evasivas de / passageiros castigam as raparigas / de saias amarelas. assim se mostravam / as horas selváticas que destapavam / os enigmas da navegação crepuscular. / inicia-se uma peregrinação. os anjos / enviam mensagens para as raparigas / de olhos castanhos. / arrogantes eram os homens que / saudavam o barco. (sem título, p. 124).

Ovi-Sungo traz ainda um glossário elucidativo das palavras de línguas originárias, dois bons ensaios complementares feitos por Carmem Lúcia Tindó Ribeiro Secco e Francisco Manuel Antunes Soares, que, somados aos poemas, colocam-nos a par da poesia de Angola, nação que está tão longe e tão perto.

(in Jornal de Angola)

2010-12-31T12:53:00.000-08:00

Não te perdoo, Billy the Kid!

Nesta sexta-feira, última do ano e 129 anos depois de Billy the Kid, o mais famoso bandido do Oeste ter sido morto com um tiro, o governador do Novo México, Bill Richardson, negou um indulto simbólico ao lendário fora-da-lei. "Decidi não conceder a graça a Billy the Kid", disse o governador. Elbert García, que afirma ser bisneto de Billy the Kid, vai recorrer.

2010-12-19T18:16:00.000-08:00

Vai aqui a sugesta do novo programa de rádio-net (sei lá se isso existe) BIOTÔNICO.

É música, poesia e muito humor na fala do trio radiofônico Celso Borges, Zeca Baleiro e Otávio Rodriguez. O programa é, segundo os três, viciante. E é duca mesmo. Na edição 17, pra minha alegria, fizeram reverberar o poema "Pessoa ruim", do meu esgotado CD "Ladrão de fogo", de 2001, ou seja, de uma década atrás:

PESSOA RUIM

Nunca fui campeão de nada

Vim pela rota mais rota

Fui até a última encruzilhada

Topei um pacto com o capeta

Em troca nunca me faltou caneta

Sou o escriba do poema em linha reta

Tudo que fiz foi levando porrada

Não escrevo o certo por linhas tortas

Escrevo a obra de quem dobra a esquina errada

Escrevo pra não ser chamado de poeta

Escrevo como quem se ri e espera

A colisão dos planetas

O descarrilo do trem

Escrevo como quem amaldiçoa almas

Amém

CD gravado após uma longa estrada de trelelê poético e performances pelo país afora. Lembrei de uma marcante. No bar Café curaçao, acompanhado do guitarrista Jonny Tequila e do slide-art da Eliana. Na pauta: poesia, traduções beat e outras porcarias punk.

2010-12-15T16:27:00.000-08:00

Entrevista / por Ricardo Sabbag

Um ser dividido
A história de Bianca LaFroy é incomum e fascinante, digna da ficção. Estudante de Jornalismo, largou tudo para começar uma vida nova. Nasceu homem e se transformou em mulher, sem intervenções cirúrgicas. Também resolveu trocar a ambição de ser profissional da imprensa para escrever sua história nas ruas de Curitiba, prostituindo-se. A paixão pela palavra escrita, contudo, não morreu com sua antiga identidade – que ela não revela. Ficou latente, aguardando o momento de vir à tona. E acabou vindo com a força de um Jean Genet do século 21. O desconcertante poema Embrulho Líquido, que será publicado em breve pela editora de repertório curitibana Medusa, fala do que é vagar pelo mundo como um ser dividido, homem e mulher num só corpo. Também fala do sexo que não diz seu nome e que perambula pelas esquinas de Dalton Trevisan, pelas estações-tubos e pelos caminhos tortuosos de parques ecológicos. Um texto com efeito de tiro certeiro. Leia a seguir trechos da entrevista exclusiva concedida por Bianca Lafroy ao Caderno G por e-mail. Nela, a poeta fala de sua vida, do desejo de escrever e da diferença que a une e a separa do mundo.

Caderno G - Quando optou pela literatura em sua vida?
Bianca LaFroy – Quando entendi que um dos desdobramentos da literatura é a desconstrução da vida real. A minha vida, feito a literatura, jamais pertencerá à realidade. Ao me transformar no que sou, um travesti que vende o próprio corpo, também sou um ser borgeano, no sentido de que tudo é ficção. O que não significa que a literatura seja o mundo possível.

CG - Como foi a sua formação literária e quais as suas maiores influências?
– Meus pais, que já morreram e cujos nomes manterei em sigilo, sempre leram muito, principalmente autores latinos, eslavos e europeus. Quando eu morava na casa deles, lembro-me de que os livros estavam sempre à mão, insuspeitados, eretos, a postos e plenos de sedução. Meus pais deixavam os livros tomarem conta da casa e minha órbita púbere se deu em torno deles. No banheiro, podia escolher entre me masturbar ou ler A Metamorfose, de Kafka, por exemplo – e não se trata de uma associação gratuita, mas um testemunho de que os livros eram objetos sensoriais. Raramente meu pai disse "leia isso". Ele sabia que não havia necessidade de dizer nada e que os livros tinham poder próprio sobre mim e estavam sempre por perto, orgânicos. Mais tarde, na universidade, tomei contato com os principais autores franceses e americanos, e, sobretudo, com os novos autores argentinos da época, como Néstor Perlongher, que me tirou o fôlego em seu O Negócio do Michê, entre outros.

CG - A poesia é questão de preferência ou necessidade artística?
– Talvez porque tenha lido mais prosa e minha história de vida seja mesmo transbordante, a minha poesia parece nascer daquele vacilo da prosa, ou melhor, daquele momento em que a prosa se transforma em poesia. É como se a minha poesia estivesse na crista da prosa. Apesar de eu não me considerar escritora, só poeta. O fato é que não consigo separar preferência e necessidade.

CG - De que forma o fato de você ser transexual influencia o seu modo de ver o mundo e, por conseqüência, sua literatura?
– Não sou transexual, sou um travesti. Transexual é quem muda de sexo através de cirurgia, mutilando o próprio corpo em busca do feminino ou do masculino. Não tenho simpatia pela mutilação. Gosto de ser uma mulher no corpo de um homem. Sou ela dentro dele. Ela/ele. Ele/ela. Mas a sua pergunta continua válida e gostaria de respondê-la a partir do meu longo poema, Embrulho Líquido. Um poema que escrevo já há vários anos, um texto mutável, que escrevo, escrevo e escrevo. Também pode ser lido como uma série de poemas, pois é dividido em 50 partes, e com uma linha tênue que as amarra, como se fossem fragmentos. Mais do que um temário, há nele um rito verbal que rende homenagem nomeando. Uma sensibilidade a serviço da mutação, da transformação, da metamorfose. Os meus poemas são sempre um único poema que creio ser a minha própria vida. Transformar é um verbo que conjuga a minha vida. O corpo (social, individual e o próprio corpo poético) que se vende, que se veste, que se exibe, que cai, que sente... Eu vejo o mundo nas suas possibilidades de duplo e dou sexualidade às coisas.

CG - Você é uma profissional do sexo por opção ou necessidade?
– Optei por este trabalho por puro prazer. Mas claro que também ganho dinheiro com essa "atividade". Ela sustenta a escritora que quero ser. Mas poderia ter sido jornalista. Só não sei se poderia ter sido as duas coisas. Imagine um travesti que é também jornalista. Já como escritora eu tenho como fundir prazer e texto.

CG - Sua vida profissional altera a forma como você vê o mundo poeticamente?
– Eu não vejo o mundo poeticamente. Eu sinto o mundo poeticamente. O cinema me foi sagrado para que eu entendesse meus sentimentos de mundo. O filme O Evangelho Segundo São Mateus, de Pasolini, me deu condições de perceber a arte em seu estado mais genuíno. Que tudo é uma questão de linguagem e de como ver ou dizer as coisas. Pasolini fez questão de trabalhar com atores amadores porque não queria o tédio dos clichês e gestos premeditados. Ele transformou em linguagem o que artisticamente já existia em estado de pureza selvagem. Este é o mundo artístico do travesti, embora ainda não seja compreendido desta forma nem pelos próprios travestis. Mas eu sei o odor que exalamos porque nossa verdade é nietzscheana, porque somos centauros da noite, somos homem e mulher, somos uma espécie de seres totais diante do desejo precário. Este filme de Pasolini me fez perceber que só me faltava a linguagem. Hoje não consigo me separar do meu texto. Neste sentido, sou também uma artista genuína, tão genuína que certamente serei negada pela classe artística. O que não será um problema para mim, pois já pertenço a outra classe, a única, que é a dos profissionais do sexo, a dos travecos.

CG - Até onde eu sei, você abandonou o curso de Jornalismo. Por quê?
– Por muito tempo eu também me fiz essa pergunta e não sabia a resposta. Recentemente, descobri que abandonei o curso de Jornalismo porque escolhi fazer outro tipo de obscenidade. Ao invés de mostrar a cena, escolhi fazer parte dela. Escolhi ser obscena. Sempre pensei que somente quem é obsceno deveria viver da obscenidade. Por outro lado, eu era muito novinha na época e a minha presença, de modo geral, causava um mal-estar na universidade. Não conseguia conviver com os estudantes. Eu pertencia a mesma classe social deles, mas minha sexualidade estava noutro lugar. Eu me vestia como um garoto, e isso me fazia mais esquisita ainda, sem falar que odiava parecer o garoto frágil que era. Como eu saía de casa somente para ir à faculdade, minha pele era fina como a dos presos de delegacia, que nunca tomam sol. Sentia-me um hermafrodita, do ponto de vista psicológico. Descobri que o meu esforço para ser "normal" estava me roubando a poesia. Não há nada de normal na poesia. Hoje tudo é mais claro para mim, ou seja, escolhi ser anormal para preservar minha poesia.

CG - Qual o seu nome de batismo?
– Nada de nomes. Um travesti tem segredos e esse é um deles. Por tudo isso, nomes devem evaporar como bolinhas de sabão. E nomes de batismo são uma heresia à identidade. Quem pode escolher um nome de batismo? O nascimento de um nome de guerra é um ritual sagrado e indelével.

CG - Qual a sua idade?
– Sou uma experiente balzaquiana.

CG - Quando você descobriu que era uma mulher presa no corpo de um homem?
– Desde que me conheço por gente. A minha dificuldade foi aceitar que as outras pessoas não eram assim, duplas. Mas preciso dizer que não há uma mulher presa no corpo de um homem. É uma mulher dentro do corpo de um homem. Também sou um homem com o espírito de uma mulher. Não é uma questão shakespeariana: to be or not to be não é a minha questão, pois não tenho dúvidas de que a minha duplicidade é o meu ser inteiro, e busco tirar proveito do ser total que eu sou. Sartre defendia que devemos ser e não simplesmente estar no mundo. Por outro lado, sei que tive muita sorte de ter nascido numa família que me deu estrutura emocional e intelectual para que eu pudesse lançar meu desejo no mundo e reconheço que a maioria dos travestis vem de lares com sérios problemas de ordem psicológica e social. Mas não creio que seja isso que os torna travestis. Em níveis diferenciados, o travestismo é uma prática em muitas culturas, mesmo que impermeável e/ou camuflada por outras simbologias e ideologias. Eu entendo o travestismo no plano ideológico.

CG - Como foi essa ruptura? De que forma as pessoas que viviam ao seu redor (família, amigos) lidaram com isso?
– Não tenho irmãos, meus pais já tinham morrido e meus amigos, que já eram poucos sumiram. Mas minha transformação foi glacial e não vulcânica. Digamos que eu já era o que eu sou e apenas me organizei, me potencializei melhor. Quase ninguém percebeu e me aproveitei do fato de antes ter sido uma celibatária quase invisível para os olhos da sociedade. Posso dizer que Bianca Lafroy suplantou a antiga e incômoda identidade.

CG - Por que você se rebatizou como Bianca Lafroy? O que esse nome significa?
– Bianca é um nome forte, que dito em voz alta soa masculino e feminino, e quando sussurrado soa um pouquinho mais feminino do que masculino. Lafroy é um nome profanado, que me acompanha desde a infância. Para os travestis, nomes são senhas. E senhas não se pode revelar.

CG - Após ter seu poema publicado, quais seus próximos projetos literários?
– Além da poesia, tenho muita vontade de escrever para teatro. Mas não são projetos, são desejos.

CG - De que forma a cidade de Curitiba colabora ou prejudica suas manifestações artísticas?
– Eu fugi de um conto inédito que Dalton Trevisan jamais publicará. O mal que havia lá, escapou. A partir de então, o mal "que é sempre atribuído a outras pessoas; é sempre projetado, jamais experimentado intimamente" passou a existir.

Fonte: Gazeta do Povo

2010-12-15T16:10:00.000-08:00

Entrevista / Por Juan Tauil

Déjame que te cuente

Claudia Vázquez Haro nació en Perú, en una familia conservadora, y estuvo pupila en un colegio católico sólo para hombres hasta que la expulsaron. “Migrante y con sexualidad diversa”, como ella se describe para hablar de sus vulnerabilidades, está a punto de terminar la carrera de periodismo en la Universidad de La Plata y sueña con publicar un libro que reúna los textos que se producen en su taller de escritura, donde se trabaja la problemática trans en primera persona..

¿Cómo fue tu niñez?
—Nací en Perú, en el norte, en Trujillo, una ciudad con casi la misma cantidad de habitantes que La Plata, en el seno de una familia trabajadora, de pobres con suerte, todos con estudios universitarios. Hice la primaria en un colegio de monjas dominicas, mixto, donde mañana, tarde y noche tenía instaurado el discurso religioso, con ese ascetismo, las buenas costumbres, orden para el estudio. Luego pasé a un colegio sólo para varones, el San Juan, uno de los más prestigiosos del país. Ahí empezaron los problemas con mis compañeros.

¿Vos querías ir a ese colegio?
—Sí, porque era un colegio que te daba prestigio, donde los hombres salían listos para responder a los cánones dominantes: inteligentes, de clase media, burgueses, con instrucción pre-militar y educación religiosa. Yo siempre cuestioné esos discursos; no los reproduje y ahora los uso para fundamentar lo que no soy.

¿Y cómo te las arreglabas para sobrevivir si eras tan revolucionaria?
—Yo era muy delicada, con mucha facilidad para el estudio. En Perú, quien tiene el promedio más alto se convierte en brigadier, como en los cargos militares, algo así como el encargado del orden dentro del aula que anotaba los nombres de los que se portaban mal y eran amonestados, castigados con cosas como flexiones de brazos. Empecé a estudiar para tener más poder desde el conocimiento, para evitar ser castigada y llegué a controlar esas listas de nombres. Pero mi sexualidad pulsaba por salir, ya tomaba hormonas, en las horas de educación física no quería sacarme el equipo de gimnasia por temor a que vieran mis piernas sin vello, mis pechos que empezaban a inflarse, me tenía que fajar, esconderme, mimetizarme para que no me descubrieran.

¿Te enamoraste en esa época?
—Sí, mi primer novio lo tuve en el colegio San Juan. El era muy lindo, tenía un look muy intelectual, era bueno en matemáticas, se llamaba Percy y estudiábamos juntos. Todo fue muy natural, un día fuimos al cine juntos y él puso su mano sobre la mía, yo tenía 15 años. Yo iba a su casa, su madre trabajaba, nos quedábamos solos, la primera vez que me dio un beso pensé que me había quedado embarazada. Fui corriendo a contarle a mi hermana, me acuerdo de que lloraba mucho. “¡Los hombres no quedan embarazados!”, me dijo. Imaginate mi inocencia, sumada a todos los mitos religiosos, tradicionales católicos conservadores.

¿Y el mito del sexo dentro de los colegios de varones solos?
—Yo no era ni moralista ni tradicionalista, era tímida. En el colegio nunca tuve relaciones, sí sé que mis amigos tenían sexo en el baño, imaginate, iban al jardín, al taller mecánico... Había sexo grupal, recuerdo que una vez me dijeron que en el playón estaban varios chicos con uno de otra aula. Los profesores no se quedaban atrás: yo tenía un profesor de Literatura con un doble discurso, siempre me decía que me parecía a Fedra López cuando ni siquiera estaba totalmente feminizada. El ya me veía mujer. Me acosaba, pero nunca accedí.

¿Cómo fue el acoso institucional?
—“Comportate como hombre, hablá como hombre”, eran moneda corriente por parte de los profesores y algunos compañeros, hasta que en tercer año un chico me vio desnuda en el vestuario y empezó a gritar: “¡Vázquez tiene senos!”. Se armó un escándalo, me llevaron al OBE (Orientación y Bienestar del Educando) y llamaron a mi madre, le dijeron que habían elegido el colegio equivocado, que me llevaran a otro porque éste era estrictamente para hombres. Le “aconsejaron” que me sacaran sin decir nada, que si ellos me expulsaban iban a causar un daño mayor porque no iban a recibirme en ningún otro colegio. Nunca me voy a olvidar el nombre de esos profesores que me expulsaron: Núñez y Ríos Viteli. Mi madre era muy joven, no entendía nada de lo que pasaba. De ahí me llevaron a una zona de sierras, a un colegio alejado con 10 alumnos, y para llegar a él tenía que caminar una hora de ida y otra de vuelta, subir a un cerro, cruzar un río por un tronco de árbol.

¿Lo sentiste como un castigo?
—Claro, es más: yo tenía un tío cerca de la escuela, podía quedarme a comer ahí, pero mi padre no me dejó, sentí que mi familia se avergonzaba de mí. Me mentalicé en que tenía que terminar los estudios, como hicieron mis hermanos, todos profesionales, menos uno que es comerciante. En ese momento dejé de hormonizarme, me anulé hasta lograr mi objetivo. Cuando volví a Trujillo, me decidí a entrar en la universidad, empecé dos carreras y no me gustaron, mi padre quería que yo siguiera con sus negocios, deseaba que yo fuera su sucesora. Dejé todo lo que ellos querían que yo estudiara y me dediqué a la peluquería.

¿Qué pasó cuando te fuiste?
—Era muy controlada por mi familia, mi padre era muy autoritario, un orden militar, todo cronometrado. Cuando me fui, me quedé en casa de Omar, mi amigo peluquero, aprendí todo el oficio y me mudé a Cajamarca, una zona donde no había muchos centros de belleza. Justo en ese momento la situación económica de mis padres empezó a decaer y a mí me iba muy bien en el negocio; me llevé a mi mamá conmigo, para que me ayudara. Llegué a tener doce personas trabajando para mí. Después se vino un hermano conmigo, era una especie de “plan recuperación familiar”, todos menos mi padre, que quedó descolocado, hasta que aceptó la realidad y se vino con nosotros. Al mismo tiempo participaba en desfiles, concursos de belleza. En la mayor parte del Perú, salvo Lima, la travesti o la trans no se prostituyen porque su cuerpo carece de valor al momento del intercambio. La operación del catolicismo y del machismo es tan fuerte, que si una trans quiere tener sexo con un hombre, tiene que pagar. El prejuicio desvaloriza esos cuerpos a tal punto que son sólo ornamentos que se deben dedicar a la peluquería, corte y confección, siempre servicios, ni hablar de considerarnos como productoras de conocimiento.

¿Cuándo te viniste a La Plata?
—Me vine a los 26 años, porque una hermana mía ya vivía aquí. Esa decisión la tomé porque no estaba dispuesta a estudiar tanto para prostituirme, para sufrir la violencia policial. Sabía que en la Argentina todo era diferente. Hice cursos de perfeccionamiento en peluquería, hice oratoria, protocolo y ceremonial, relaciones públicas, hasta que conocí a un empresario que producía televisión, armamos dos programas televisivos, yo me encargaba de vender publicidad. Ahí me di cuenta de que me gustaban los medios y decidí inscribirme en la facultad. No lo hice antes por miedo a que me llamaran por el nombre en el que figuro en el documento. Igual eso pasó; cuando me fui a inscribir, la secretaria me dijo: “El trámite es personal, el chico tiene que venir a inscribirse”. “Soy yo el chico”, le dije. La secretaria se disculpó y me anotó.

¿Cómo te recibió la facultad?
—El primer día de clases, mi hermana y mi madre —que se había venido del Perú especialmente— me esperaron en la puerta de la facu. Les dije: “Si vuelvo en 20 minutos, soy una perdedora”. Se cansaron de esperarme, me quedé, lo logré. Tengo que confesar que cada vez que pasaban lista era el terror, una sensación terrible. Después entendí que la gente no tiene la culpa, son las falencias institucionales las que no nos tienen en cuenta. Entré en la carrera de Periodismo y Comunicación Social. La facultad es mi casa, estoy en el lugar indicado, con las personas indicadas. Me manejo por los pasillos, voy, vengo, me siento muy cómoda. Obviamente los chicos que entran a primer año supongo que se shockean al verme, pero después se acostumbran, imaginate, muchos vienen del interior. La gente que conocí en este tiempo ha ido creciendo junto conmigo; por ejemplo, yo trabajé con la actual decana antes de que asumiera el cargo, tuve mucha contención, la necesaria para personas como yo, migrante, con sexualidad diversa, todas en contra. Me acuerdo de que en segundo año tenía problemas con el pasaporte, temía no poder inscribirme y la secretaria académica dijo: “Los problemas del pasaporte se solucionan en Migraciones, aquí se viene a estudiar, el estudio es para todos, inscribite”.

¿Afuera es muy distinto?
—La gente todavía se codea cuando paso cerca. No me causa molestia sino que me da pena que algunos no entiendan. Todavía hay lugares donde no me dejan entrar en La Plata.

¿Por ejemplo?
—Algunos boliches. Cuando mis compañeros me invitan a bailar, no voy; ya me dijeron que no entraba a algunos lugares. Una vez fue patético, porque había ido con la dueña de una peluquería donde yo trabajaba hacía poco. El patovica no me dejó entrar y le dijo a la mujer que yo era una quilombera. Le pregunté por qué dijo eso si no me conocía, dije que ella era mi jefa y podía perder mi trabajo. El portero terminó reconociendo que era porque yo era trans. No veo las horas de que con la nueva ley de medios yo pueda tener un espacio y escrachar a esta gente.

Contame sobre tu taller de escritura...
—El taller “En el papel tod@s somos tinta” surgió luego de muchos trabajos sobre el tema trans que yo venía haciendo desde tercer año. Yo conozco a todas las trans de la zona, no me quedo en lo académico, tengo mucho trabajo en el territorio. El libro La gesta del nombre propio, de Lohana Berkins, me ayudó a entender las problemáticas que nos atraviesan, el estado de vulnerabilidad, la falta de derechos. Entonces decidí darles herramientas a las compañeras para democratizar la palabra, me pareció importante adecuarnos a la nueva ley de servicios audiovisuales, poder escuchar relatos en primera persona. En el primer taller que fue de abril a junio éramos 16 personas, entre ell@s seis trans. El año que viene volveremos a hacerlo, queremos publicar un libro con los trabajos.

¿Vos pensás que abriste alguna puerta?
—Sí. Por ejemplo, Shirley, una de las alumnas del taller, ingresará a la facultad de periodismo el año que viene. En 2008 hice que la facultad respete mi nombre propio y que éste figure en todas las listas. Con este taller la interacción generó el interés de estudiar; otras facultades, como una de Córdoba y Rosario, se interesaron en este tipo de talleres.

¿Pensás que con la operación de reasignación de género y con el nombre en el DNI basta?
—No, menos mal que no me operé.

¿Por qué decís eso?
—Yo digo que ser mujer no se reduce a la genitalidad. En un momento me iba a operar, pero por los demás. Yo no lo sentía.

¿Vos querías ser mujer?
—¿Y qué es ser mujer? Eso me hace ruido. “Soy una mujer que no se reduce a la genitalidad”, es una estrategia que uso para explicarme, aun sabiendo que el concepto mujer está en crisis. Me parece que ser mujer es mucho más que una vagina, la maternidad, ese fundamentalismo marcado por la biología, ya que no todas las mujeres son iguales.

Fonte: Página/12

http://m.pagina12.com.ar

2010-12-07T11:28:00.000-08:00

3 fragpoemas de embrulho líquido,
de bianca lafroy

A queda do corpo

dissipa, dissimula

a face – flâmula trêmula,

no LAGO ESPELHANTE

de Apolo

:

Herói

devolvido (armadura

de músculos)

ao fundo, ao chão.

...

A leveza aniquila superfícies.

Leveza-rarefação,

corpo envolto em bolhas de ar

sob um céu aquoso,

no limiar de mundos

turvado e oxigenado

(único som é próximo

do estalido

de hímen de homem).

À tona, lama na boca,

a LÍNGUA LETAL de um dialeto,

o lótus aflora

(meu nome de guerra).

...

Transformar,

descategorizar a intuição.

Entre intro e extro,

inverter, subverter

a percepção dos sentidos.

Acariciar objetos e

desejar (apenas desejar)

que estampem outras cores

e formas. O dentro,

fora. As filhas,

ao não terem sempre a semelhança MATERNA,

consomem em seus rostos

a profanação de seu pai.

Bianca Lafroy é poeta, travesti e ex-estudante de jornalismo. Trabalha nas ruas de Curitiba. Contato: biancalafroy@hotmail.com.br

2010-12-03T08:59:00.000-08:00

Amanhã, dia 04/12, às 19 horas, no auditório Poty Lazzarotto do Museu Oscar Niemeyer (Rua Marechal Hermes 999) estreia em Curitiba o longa metragem GOL A GOL, uma fábula musical produzida por Evolução Filmes e Processo MultiArtes. GOL A GOL teve sua estreia nacional em São Paulo e foi um dos únicos filmes brasileiros selecionados para “Categoria Novos Diretores” da Mostra Internacional de São Paulo. O longa metragem também foi exibido no Festival Internacional de Cine de Antofagasta, no Chile.
Com direção de Adriano Esturilho e Fábio Allon, GOL A GOL é uma fábula musical regada a realismo mágico, imagens oníricas, toques de ficção científica e canções que contam e cantam o drama ético e o dilema existencial de Pedro, entre sua vida de executivo numa seguradora contra danos ambientais e sua paixão pelo desenho e pela ativista Cindy – seu amor de infância. Em tratamento no “Sistema Orwell” e entre memórias juvenis e de criança, acerta as contas numa partida de gol a gol contra si mesmo ainda criança. O filme é uma adaptação de contos do livro [Cancha 2] cantigas para perverter juvenis (Editora Medusa), de Adriano Esturilho.

Em 2007 a Editora Medusa lançou o livro-dvd [Cancha 2] cantigas para perverter juvenis, de Adriano Esturilho. Um trabalho que se destaca pela escrita ágil de Adriano, prontamente relacionada com o cinema, nas parcerias com o grupo Processo MultiArtes (do qual Adriano faz parte). Neste podemos encontrar literatura, cinema, poesia, performance, som, arte contemporânea, teatro. Mas não de maneira protocolar, com meras adaptações cinéticas de narrativas literárias, nada disso... Os contos/curtas apresentados no livro foram tratados como possibilidade e lugar de trânsito entre linguagens e expressões. Uma arte total com muito humor, pulsão, colorido, inteligência, que, sem chatice, esgarça limites, conceitos, margens.

2010-11-26T16:20:00.000-08:00

Recentemente, o poeta André Dick apresentou na Casa das Rosas o seu mais recente livro de poemas, Calendário. Abaixo, o prefácio que fiz para o volume e 3 poemas. A publicação foi cuidadosamente editada pela Oficina Raquel (RJ): http://www.oficinaraquel.com/

Versos-nuvens uns nos outros/Ricardo Corona

Venho acompanhando o trabalho de André Dick desde Grafias (2002), seu livro de estreia, depois Papéis de parede (2004) e agora, Calendário. Nestes três livros, além de confirmar a surpreendente produção poética contemporânea, percebe-se o fazer continuado de um ritmo peculiar, no sentido de utilizar blocos de versos de distintas metrificações rigorosamente escutadas e espiadas para que este ritmo lhe seja próprio. Do verso livre mallarmeano ao cut-up burroughsiano, uma poesia que transita com segurança pelo campo literário, com noção poética autossuficiente deste lugar da escrita, mas que, além disso, se expõe à relação com espaços outros, de linguagens, lugares e autores (Drummond, Sylvia Plath, Leminski, Wallace Stevens, Barthes, Paul Celan, William Carlos Williams, Murilo Mendes, entre outros): uma poesia-fotografia, poesia-música, poesia-visualidade, poesia-cinema... Confluências que a fazem contemporânea por estar livre no cerne de uma modernidade elástica.

Em Calendário nada é desperdício e tudo se faz linguagem, no entanto, podemos perceber que a linguagem não é o todo. O uso da linguagem é dilatado e expandido, para trazer inquietação ao leitor, para fazer com que a linguagem traga sentidos além-palavras, que as palavras mantenham sua rebarba, sua fala em estado bruto, ou simplesmente sejam linguagem do pensamento. Segundo Maurice Blanchot (O espaço literário), a “fala bruta” que “se relaciona com a realidade das coisas” pode simplesmente ser representada, mas a poesia, segundo o filósofo francês, deveria então evocar essa “fala bruta”, sem transformá-la em representação, mas numa “fala essencial”. Ao invés de significá-la, apreendê-la por sua ausência, “transpô-la em seu quase desaparecimento vibratório”. Por isso, ainda segundo Blanchot, estaríamos sempre tentados a reconhecer que a linguagem do pensamento “é, por excelência, a linguagem poética, e que o sentido, a noção pura, a ideia, devem tornar-se a preocupação do poeta, sendo isso somente o que nos liberta do peso das coisas, da informe plenitude natural”.

Ou então, para anotar ainda mais esse ritmo vital na poesia de André Dick, pensemos em Mallarmé, quando defendeu o verso livre como uma modulação individual, porque toda alma é um nó de ritmos. O ritmo, então, provém do mais legítimo movimento: a vida. Mas não a vida na poesia feita nota monótona da cotidianidade, mas o ritmo que provoca sensações e direções imprevisíveis. O conceito cut-up, utilizado e popularizado por William Burroughs, sobreveio do caos e do acaso para depois gerar um centro de significação, modulado pelo fragmento: poesia-anotação, meia-imagem, coágulos de concretude, notícias, citações...

André Dick engendra as duas coisas ao mesmo tempo e durante a leitura de seus poemas veio-me a ideia de versos-nuvens uns nos outros. Neste sentido, o poeta convida Mallarmé e Burroughs para a sua modernidade. Daí a sua peculiaridade. Do mesmo modo que há a sensação arquitetural do poema que é elaborado feito arte de escrever em versos, função que André Dick chama para si e a executa com esmerada competência “formal”, há o fazer de modo que sua poesia ultrapasse as palavras e se aproxime sensivelmente do inapreensível, do poema fora dele mesmo. Deriva daí, talvez, a estreita relação com a pintura de Piet Mondrian, desde a capa, uma ilustração do Boggie-Woggie, ao belo poema sobre um gato, “O olhar”, em que o pintor holandês é nominalmente lembrado:

O olhar estabelece
a distância entre os quadros
e o copo de leite vigiado pelo gato
com os olhos vermelhos como artérias ou ímpetos pulmonares
(foram ao parque e esqueceram de abrir a água da torneira)
agora que ele pode se transformar num pote de tinta,
um quadro de Mondrian, num jardim; falta que sobre esta
paisagem própria do inverno, ainda em cima de outra –
qualquer sede: faz sentir o tempo e
sua ausência, a lentidão do pulso quando
não falha, já se perdeu, irregular e aflito, embora mie
entre as síncopes das árvores, assustado
com os longos galhos da floresta negra.

O poeta pinta sua poesia e o seu material poético, resíduo tanto no termo filosófico quanto no seu sentido descartável, é a vida mesma reaproveitada ou aquilo que toda poesia deveria ter: outro olhar. Isto acontece pela eleição do fragmento, feito matéria especial que em muitos sentidos tangencia o procedimento comum do artista plástico que busca dizer a partir dos materiais. Mas André Dick vai além: a palavra-matéria em Calendário está desdobrada sobre si mesma, com cortes, rebatimentos, justaposições que atribuem ao poema multiplicações segundo dimensões crescentes, mas também por meio de blocos de sentidos, ocasionados por zooms repentinos após imagens panorâmicas, dando-nos a grata satisfação de instabilidade formal. Há muitas coisas que não necessitam de palavras e, assim, mesmo assim, há poesia, ela não deixa de comparecer. Leia-se “Fragmentos”:

As casas, se vistas do pôr-do-sol, são
quase prédios.

Vidraças, telhas, desse outono
em diante, até as folhas,
o inverno sempre rigoroso

como um lugar calmo
na rua seguinte, o café
neon laranja, solúvel
(...)

Este ritmo modulado pelo fragmento põe à cena uma relação de descontinuidade que pode ser comparada à proposta por Blanchot (A conversa infinita): “Essa relação inclui a ausência de medida comum, a ausência de denominador comum e, portanto, de certa forma, a ausência de relação entre os termos: uma relação exorbitante”. Calendário cria esse tratado de sensações que supera e ultrapassa qualquer noção de representação para um deslumbre “exorbitante” e, assim, esta poesia vai além de si, de sua “marca escritural”. A infância, em “Mãe”, ou as imagens campestres, solitárias, trazidas do interior do Rio Grande do Sul, nos poemas “Dois momentos”, “Odisseia” e “Bairro”, cuja paisagem, fria e melancólica, faz-nos lembrar da estética do frio do seu conterrâneo, o compositor e escritor Vitor Ramil. É também quando percebemos mais abertamente diálogos com outras linguagens, tais como a pintura de Edward Hopper (toda a seção “Seqüências”) e o cinema de David Lynch, num dos mais belos poemas, “Cidades”:

Cidades pequenas têm disso –
cães correndo atrás da chuva,
um lugar que não sei o nome,
entregadores de jornal comendo maçã
em cima da moto, a menina
com asma em algum pub
plantando jasmins antes de dormir,
regando a boca do cão toda a manhã
para alegria das crianças.
Qualquer estabelecimento
com um grande letreiro, ou grafites
daquele lugar que poderia ser fechado,
mas é reinaugurado a cada mês.
Bancas de revista que abrem
e fecham num piscar de segundos.
A orelha perdida num matagal
(tomada de formigas).
Carros de bombeiro que pegam água
do riacho mais próximo.
Paredes de madeira na velha casa
com uma cabeça de alce caçado
por moleques na pick-up.
Um monte de pínus à beira da estrada,
onde a brisa se esconde do asfalto.

Calendário é feito, sobretudo, de extrações surpreendentes do detalhe, de olhares que miram o mínimo, que o marcam com ritmo e imagens de rara beleza, que o atravessam de muitas maneiras e cujo endereço não é endereço, mas lugar. Podemos, assim, perceber ritornelos destes acontecimentos imagéticos que tanto se fazem presente num único poema quanto em todo o livro, livro-ritmo.

...

3 poemas de Calendário:

SEGREDO

Então fez questão
de levar meu segredo a outro
ambiente, meu outro olhar a
outra atmosfera, pois nada fica apenas
pelo plano de permanência,
também certeza dos móveis
escondidos no porão.

Parte deste céu, os móveis –
caminham junto com
esta pele –
alguém em que você
insiste em pensar.

Perceba que de olhos fechados
ela liga para o vazio,
mas não imagina a ligação
entre os balanços
no mesmo pátio
aberto e difuso pelo sol.

Parece uma paisagem,
mas não é exatamente uma.
Mas como se risca, se
desenha, se escreve?

Pegadas, um manuscrito –
pedem que haja uma
luz circunscrita
ao momento em que
a mão toma a direção
correta de saída.

Volta-se contra quem recua
diante da possibilidade
de o retorno não existir
mais como regresso
em que se pondera
o rosto mais claro.

BLANCA

O cabelo escuro de Blanca
e o aroma terracota
extraído mesmo a distância
de cada laranja e rosa.

Cresce esta árvore
mais de perto – sólida.
Semente amarela –
ou franja em polvorosa.

No escuro da sobrancelha
o oco vazio das estrelas –
e em cada estrela
uma palavra nova.

REGRESSO

O som do pátio vizinho –
ao longe, a máquina de cortar grama.
Aqui, funcionam as horas, os retratos

De novo seguindo seu caminho.
E os passos, sobre a calçada,
O frio pela manhã, de novo, orvalho.

Vai esquentar. Talvez.
Me procure quando tudo ficar bem,
Eu sei que ficaremos também.

Está chegando de novo em casa –
à velha casa –
Como se não tivesse partido.

Está chegando como quem pergunta
Onde mesmo eu estava que não aqui?

Não estava mais do que aqui.
Você que não partirá.

A pergunta, na volta, será a mesma
E talvez eu a encontre de novo ali.

2010-11-23T13:16:00.000-08:00

Hoje meu filho Cauê completou 23 anos. Sol em Sagitário e com festa na oca. Ao longo desta convivência, alguns poemas, de um jeito ou outro, acabam por tangenciar essa relação. Lembro do fragmento 7 do poema “Zaúm no romper do dique” (Corpo sutil, 2005). Cauê gosta demais desse poema. Pra ele, então:

7.

Corpo semi morto invade o shopping Os

pertencentes do nada

perambulam

escandalosamente pelos arredores da história

do ganha-ganha.

moribundos zumbis

contraem a Mandíbula

do escalpo urbano

Melopéia plangente dos escalonados

Teto marquise banco

(privatizado)

Usura

(Usina

Contra)

Os meninos picham:

Laser para lazer

2010-10-28T07:07:00.001-07:00

2010-10-23T10:02:00.001-07:00

2010-10-13T18:53:00.000-07:00

UM POEMA PERDIDO DE NÉSTOR PERLONGHER

O poema abaixo, de Néstor Perlongher (1949-1992), foi escrito em 1973, ou seja, no momento em que o poeta argentino dirigia toda sua energía na luta pelos direitos homossexuais. Perlongher, além de poeta expressivo do neobarroco, foi militante da Frente de Liberação Homossexual, seguidor da religião do Santo Daime, ensaísta blasfemo e trotskista. Um pensador atípico e militante das causas do desejo. O poema foi publicado pelo autor na revista "Somos" (n°. 2 de fevereiro de 1974), que era justamente editada pela Frente de Liberación Homosexual (FLH). O fato de não ter sido recolhido em livro pelo autor (e não consta na excelente antologia póstuma "Néstor Perlongher Poemas Completos", organizada por Roberto Echavarren, com textos importantes de Reynaldo Jiménez e Tamara Kamenszain e que a Editora Seix Barral publicou em 2003) é porque talvez seja mesmo um poema esquecido, negado, perdido... Vai aí.

Defensa de los homosexuales de Tenochtitlan y Tlatlexlolco
Néstor Perlongher

Mientras
los homosexuales se acarician en los baños
viejas arpías hilan largos largos echarpes
en lo alto de las ciudades
coloquian en torno a grandes lavarropas azules
sobre la representación de las tragedias griegas y los principios de la catarsis
mientras que sus maridos los aztecas
cazan en sus oficinas para los sacrificios de la cena
los canarios duermen la siesta de los gusanos.
Cuando
les sea concedido el derecho a la caricia – qué cosas éstas –
saldrán de sus baños subterráneos con humeantes tazas de té entre las manos
en donde proyecten celestes espacios aires istamdos de sofocantes islas tropicales
pobladas de dulces nativos cimarrones devastados tímidos por el inexplicable ataque de los cañones
ingleses, inexplicable!
rostros
en donde la solitaria humedad de los caracoles socialmente oprimidos
ha cultivado tristes flores de afeite
y labrado el sudor desfiladeros de baba en torno a sus pupilas
lluviosas como la conmoción del mar en los acantilados de Escocia
tal vez
-como quien desconoce el placer de los besos en los parques soleados-
quizás
-como quien desconoce el placer de los besos en los parques soleados-
contemplan ásperamente desde sus colchones fermentados de ácidas rancísimas emanaciones
con la indiferencia de las viejas perras sorprendidas en los zaguanes
acostumbradas como están a ver morir a sus hijos ahogados en las ollas de guisado
donde las mujeres de los aztecas resuelven los sacrificios de la cena.
Es demasiado tiempo
porque las Plazas de Toros están repletas
si descubrieran a un marica lo mandarían a las cuadras
donde los grandes campeones no pueden entender –qué cosas éstas-
la proyección de celestes espacios aires istmados de sofocantes islas tropicales
pobladas de dulces nativos cimarrones devastados tímidos por el inexplicable ataque de los cañones
ingleses, inexplicable!
como la proliferación de las agencias matrimoniales y los hoteles alojamiento protegidos por el
Estado
cuyos policías recorren las cerraduras en busca de víctimas expiatorias para los templos
del brazo de sus amantes las princesas rusas
mientras
los homosexuales se acarician en los baños
tienden sus cálidas manos hacia los villancicos de amor de las campiñas sus gordos ojos
sueñan sueñan las islas
bellas extrañas islas inexistentes subjuntivas donde se mimetizan con los plumajes exóticos de
grandes aves lujuriosas injustamente perseguidas
que abandonan durante la noche los zoológicos sitiados las fortalezas
las ciudades sitiadas que defienden los aztecas.

2010-10-10T13:15:00.000-07:00

COLAR DE NÃOS NO BAÚ DE CONTRAS *
Ricardo Corona

O nego dito Itamar Assumpção veio ao mundo Francisco José Itamar de Assumpção em 1949 na cidade de Tietê, interior de São Paulo, descendente de escravos angolanos, filho de pai-de-santo – desde pequeno ouvia a música do candomblé que vinha do quintal da sua casa. Iniciou sua carreira em Londrina, Paraná, onde morou uma década. Abandonou um curso de ciências contábeis para melhor se dedicar ao teatro, o que lhe rendeu um aprendizado decisivo na então futura performance de cantor e imaginário rapsódico. Imaginário que hoje poderia servir de mote para o gasto – mas imprescindível – discurso do rap. Imaginário cuja rebeldia criativa organiza uma trama de signos, com personagens e histórias, perpassando realidade e ficção, na qual a voz que se multiplica, sem ser didática, ressoa afirmativamente na condição política, social e estética da cultura afro-brasileira.

Seus reggaes, sambas, rocks, blues e canções apresentam um estilo de compor que aglutina concepção harmônica simples com arranjos contundentes, recheados de breques e ajustando-se a uma fraseologia musical chistosa e original. Para Luiz Tatit, a música de Itamar dava “respostas ao samba consagrado, à música pop, ao experimentalismo erudito” dos anos 1980 e Luiz Nazário sintetizou com uma justa comparação ao silêncio cageiano: “o suingue da pausa”. Para quem busca ponderar as relações que uma obra musical vista no seu conjunto possa ter com a literatura – uma distinção da música brasileira –, o trabalho do compositor paulistano propõe um desafio à parte. A coerência ao próprio imaginário, com personagens extraídos do seu cotidiano, criados e delineados paulatinamente ao longo de sua produção, constitui uma única crônica e um ciclo de rapsódias. Para exemplificar melhor esse pensamento, lembremos rapidamente a obra de outro compositor, Caetano Veloso, da relação que imediatamente propõe o seu trabalho com a poesia. Tomemos Caetano Veloso como um dos representantes mais significativos dessa tradição, devido ao seu diálogo, influência e motivações com a poesia de vanguarda: as relações entre os movimentos Tropicália com a Poesia Concreta e o Modernismo.

Itamar Assumpção mantém e acrescenta a essa tradição. Sem vínculos diretos a manifestos ou coisa do gênero, a sua afinidade pode ser compreendida e defendida no universo da narrativa teatral, da prosa da dramaturgia. Sua obra contém características suficientes para ser comparada mais densamente com o texto em prosa do que com a síntese poética. A prolixidade itamariana aparece nos títulos dos trabalhos (Intercontinental! Quem diria! Era só o que faltava!!!) e nos diálogos dos versos que perguntam e respondem, através de vozes femininas: “Ahhhhh! Beleléu cortaram a luz lá de casa! Agora sabe o que eu vou fazer? Eu vou sentar aqui e não vou sair... eu não saio mais daqui hoje!”, da letra de música “Denúncia dos Santos Silva Beleléu”. Ou quando vêm à luz personagens com biografias, nomes, apelidos subordinados às várias vozes contidas numa única letra de música que a todo instante restauram uma idéia prosaica, de rapsódia, de contar uma história numa opereta.

Luiz Tatit, ao comentar essa característica de obra transbordante, mesmo relacionando-a exclusivamente com o universo da música, permite-nos estabelecer a comparação com o universo da dramaturgia: “Itamar Assumpção pode ser compreendido como o artista que fez caber um “eu” imenso nos limites da canção. Dotado de um verdadeiro manancial criativo, o compositor sempre precisou dizer (ou cantar) diversas frases ao mesmo tempo, inserir numa simples cantiga numerosos acontecimentos musicais e, mesmo assim, sua obra só se completava no disco integral, pleno de retomadas, vinhetas e comentários de toda a espécie. Mas nem o disco lhe parecia suficiente. Seu ponto de vista era, no mínimo, uma trilogia.”

Neste lugar simbólico do excesso da dramaturgia, podemos desdobrar as facetas que esse artista construiu em muitas vozes e personas (Beleléu, Nego Dito, Pretobrás, Gigante Negão, entre outros), com referências bastante originais nas questões que envolvem a identidade afro-brasileira e seus posicionamentos perante a indústria e meios culturais.

Gigante Negão – Em “Queiram ou não queiram”, composição gravada na última faixa de Pretobrás, o enunciado se articula em terceira pessoa para fazer menção ao personagem central da obra, Pretobrás, identidade de um suposto “gigante negão”: “Queiram ou não queiram / Coincidência ou não / Pretobrás é o gigante negão / Queiram ou não queiram”. Essa pequena composição sugere uma teia de significados, mesmo na interpretação do ouvinte desavisado dos meandros da obra do compositor paulistano. A lembrança da marca Petrobras, maior refinadora de petróleo e orgulho nacional, cujo slogan já foi “o petróleo é nosso” – gostem ou não, queiram ou não, concordem ou não – tem seu capital simbólico apropriado (desviado, transferido) para o artista independente Itamar Assumpção e extensivamente à cultura afro-brasileira como uma das principais riquezas da cultura brasileira. Na mesma proporção, o personagem sugere metalinguagem com o CD Gigante Negão, de Arrigo Barnabé, definido pelo autor como uma pseudópera. Uma gravação ao vivo que narra por intermédio de peças musicais a batalha entre anjos e demônios, num momento, e depois, em outro momento, entre cientistas malucos com o objetivo de fazer nascer, através de método de clonagem, uma criatura fabulosa: Gigante Negão. Esse personagem descortina de modo sutil e coerente a afirmação de todo o universo de personagens como o Nego Dito, criado e lançado no início de carreira. Gigante Negão é singular e afirmativo porque possibilitou o distanciamento da voz enunciativa do “eu” lírico de muitas outras composições. Ou seja, enquanto Nego dito começa com o possessivo “meu”, da primeira pessoa: “Meu nome é / Benedito João dos Santos Silva Beleléu vulgo / Nego Dito, Nego Dito cascavé!”, em “Queiram ou não queiram”, surge a voz na terceira pessoa, com o substantivo adjetivado “gigante”. Nestes procedimentos, identifica-se que o autor consegue manter a rapsódia e igualmente permitir o descolamento do personagem do autor. Apesar do apego, havia a preocupação em construir esse imaginário, cheio de personagens e vozes, havia também que operacionalizar esses descolamentos para que suas canções ganhassem o mundo. Isso pode ser percebido claramente no LP Intercontinetal! Quem diria! Era só o que faltava!!!, de 1988, no qual, segundo Luiz Tatit “o compositor começou a se encantar com os sons das palavras e a imediata metamorfose de sentido que ocasionavam no interior da canção. Isso lhe proporcionou uma verdadeira saída para objetivar o seu vasto universo subjetivo”

Nego Dito – Na fase mais radical, como uma assinatura na última faixa do seu primeiro trabalho, o LP Beleléu, leléu, eu, de 1981, está gravada a composição e nela vem à luz o seu primeiro personagem: Nego Dito. Um rock de breque que traz em sua letra nome, sobrenome, apelido e traços de um personagem bandido, ou melhor, não-rendido e disposto a chegar ao limite da sua radical existência: “Meu nome é / Benedito João dos Santos Silva Beleléu / Vulgo Nego Dito, Nego Dito cascavé // Eu me invoco eu brigo / Eu faço e aconteço / Eu boto pra correr / Eu mato a cobra e mostro o pau / Pra provar pra quem quiser ver e comprovar / Me chamo Benedito João dos Santos Silva Beleléu / Vulgo Nego Dito, Nego Dito cascavé”...

O “eu” continua a se articular à margem do sistema, melhor dizendo: de todos os sistemas. O adjetivo “ruim”, para o substantivo “cabelo”, somado a versos como “Não gosto de gente / Não transo parente / Eu fui parido assim / Apaguei um no Paraná, pá, pá, pá, pá” reforçam um personagem sem saídas, sem possibilidades de convivência social, um paria, um excluído: “Tenho o sangue quente / Não uso pente meu cabelo é ruim / Fui nascido em Tietê / Pra provar pra quem quiser ver e comprovar / Me chamo Benedito João dos Santos Silva Beleléu / Vulgo Nego Dito, Nego Dito cascavé”... Depois de apresentar-se ao ouvinte com nome, sobrenome, apelido e declarar-se um sujeito totalmente anti-social, como se não bastasse, narra seus feitos com intenção de apavorar a quem quer que seja. Personalidade que faz lembrar a “lendária” figura na luta contra a escravidão, o rebelde Zumbi dos Palmares, temido pelos escravocionistas. Na ficção, Nego Dito chega ao ponto culminante da regra maior de convivência: “Se chamá polícia / Eu viro uma onça / Eu quero matar / A boca espuma de ódio / Pra provar pra quem quiser ver e comprovar / Me chamo Benedito João dos Santos Silva Beleléu / Vulgo Nego Dito, Nego Dito cascavé // Se chamá polícia / Eu vou cortar tua cara / Vou retalhá-la com navalha”.

Por mais “incorporado”, Nego Dito, obviamente, é um personagem. Mas Itamar Assumpção soube deixar o mais tênue possível o limite que separa linguagem e vida. O trabalho de ator abriu-lhe muitas possibilidades para se levar criativamente ao palco as questões de identidade racial e os senões que alimentava com a indústria cultural. Com esse rock de breque, Itamar ganhou a cena paulistana, em 1981 e o personagem se desdobrou ao longo de sua carreira em incontáveis facetas como o impagável Beleléu, ressurgido no trabalho seguinte, Às próprias custas S/A (1982), na condição de “réu”: “Psiu black feche o bico fique frio! / Mau caráter, cale a boca, fique quieto, / nem um pio!”.

Enquanto negro e músico insurgem afirmativamente personagens com vozes irônicas, sem respostas prontas, soluções fáceis, mesmo porque o problema não lhe pertence, é um fora, enquanto o dentro, a auto-estima, criativamente, reage com posicionamentos político-culturais firmes e honestos. Uma certeira intransigência da sua condição e lugar histórico. Personagens existencialmente perigosos, porque articulados dentro da criação e fora dos lugares-comuns. E se contribuíram, conforme a crítica Maria Betânia Amoroso, para associá-lo às imagens de artista, “independente, alternativo e de vanguarda”, rótulos esteticamente aceitáveis pela inteligência artística, também o colocam afinando o coro dos descontentes, por causa da radicalidade das suas representações. A enunciação de versos como “Eu me invoco eu brigo / Eu faço e aconteço / Eu boto pra correr / Eu mato a cobra e mostro o pau / Pra provar pra quem quiser ver e comprovar / Me chamo Benedito João dos Santos Silva Beleléu / Vulgo Nego Dito, Nego Dito cascavé” ressoam com a mesma intensidade inconformada do poeta antilhano Aimé Césaire, em seu nada palatável estudo da empresa colonialista (e escravacionista): “cada polícia e cada miliciano nos fazem sentir o preço das nossas velhas sociedades” e “não é pela cabeça que as civilizações apodrecem. É primeiro pelo coração.”

A obra de Itamar Assumpção, suas idéias de entorno, com personagens vivamente “interpretados” em shows e estendidos à sua postura diante do mundo e da cultura nacional, permite-nos abordagem crítica que construa identidade mais afeita a mitos e personalidades como Zé Pilintra e Zumbi dos Palmares – adquirindo distanciamento da visão romântica da negritude no plim-plim do écran global. A sua procedência artística descende simbolicamente de artistas como Jards Macalé, Luiz Melodia, Geraldo Filme, entre outros – todos, aliás, gravados e referenciados pelo autor – que fazem ecoar, de diferentes maneiras, uma resistência ou não-aceitação tranqüila do processo de civilização que arrancou seus descendentes da África, fazendo-os escravos. “Toda uma raça que construiu o Brasil foi despejada e despedida do emprego com uma tragicômica Abolição”. (Leminski)

A postura político-cultural era-lhe peculiar. Itamar se recusava a pertencer a qualquer esquema que não contivesse fidelidade consigo mesmo e principalmente com o seu trabalho. Se fosse para entrar no mercado, deveria ser integralmente, sem mudar uma vírgula do que concebera. Ao mesmo tempo fazia repercutir versos como “Agora eu quero cantar na televisão” e, sintomaticamente, aparecia nos títulos de seus discos, versos jocosos e declarados: Intercontinental! Quem diria! Era só o que faltava!!! Ou no mais recente: Vasconcelos e Assumpção – Isso vai dar repercussão, parecendo-nos supor o óbvio, ou seja, o mercado e a mídia teriam que se adequar a sua qualidade. Pode parecer contraditório, mas Itamar Assumpção queria e não queria pertencer ao mainstream. O ideal, certamente, seria mudar o mainstream. Susana Salles, no livro PretoBrás garante que durante os ensaios de “Prezadíssimos ouvintes”, Itamar “mandou o pessoal da equipe da Rede Globo embora, do portão de casa...”, lembrando da justificativa do cantor: “Não dá, os caras vêm aqui atrapalhar o ensaio”.

Maria Betânia Amoroso defende que “toda autobiografia é uma mito-biografia criada, aos poucos, seja por um escritor ou por um compositor” e comenta que o episódio que levou Itamar Assumpção à prisão, sob acusação de ter roubado o gravador de um amigo, teria sido definidor na sua escolha por seguir fazendo música. A passagem pela prisão, contada pelo músico em inúmeras entrevistas, aconteceu em uma de suas idas e vindas entre as cidades de Arapongas (onde morava) e Londrina. O parceiro e escritor Domingos Pellegrini havia emprestado um gravador a Itamar e na volta a Arapongas o músico fora detido na rodoviária sob acusação de estar com um aparelho roubado. Trancafiado numa cela com mais 15 detentos durante cinco dias, Itamar presencia até cenas de tortura que “pareciam coisa de cinema” , até que o amigo se apresenta e declara a propriedade do gravador.

Segundo Maria Betânia Amoroso, da experiência marcante dessa prisão, dois são os sentidos que o acompanharão para sempre: “o músico popular ocupa um lugar totalmente particular na cultura brasileira e a quem couber esse papel deverá desempenhá-lo como uma missão”.

Em “Cabelo duro”, CD Isso vai dar repercussão, gravado em parceria com Naná Vasconcellos, o cantor paulistano trabalha com descrições mais diretas da identidade afro-brasileira, re-contrastando afirmativamente o tipo (“duro”) de cabelo com o do miolo (“mole”), começando com uma espécie de síntese de personalidade e negritude: “Eu tenho cabelo duro / Mas não o miolo mole / Sou afro brasileiro puro / É mulata minha prole”... Nos próximos versos, o “eu” da canção continua a se articular para dar voz a uma identidade posicionada, que chega a seu ápice ao conjugar o verbo “abolir”, um defectivo, cuja ação faz da sua música (“som”) a sua “abolição” justamente no tempo imperativo afirmativo. Conseqüentemente acena com animosidade aos desaforos, os quais, caso vierem, serão devolvidos: “Não vivo em cima do muro / Da canga meu som me abole / Desaforo eu não engulo / Comigo é o freguês que escolhe”... A julgar pelo primeiro até o oitavo verso e pelo próprio título da música, o que prossegue, surpreendentemente, são versos que escapam ao discurso que vinha se articulando. Do nono ao décimo segundo verso, a voz enunciativa tangencia a visão inicial, até certo ponto esperada, mais radical e de afirmação para dar vazão à típica miscigenação cultural brasileira e principalmente para ser fiel a sua própria personalidade artística, caracterizada pela invenção, pelo inaudito e até mesmo pela contradição: “Sushi com chuchu misturo / Quibebe com raviole / Chopp claro com escuro / Empada com rocambole”... Entre referências à sinceridade do sentir, a voz articula versos que vêm após outros, cujo tema faziam menção a mistura culinária, e novamente solicitando leitura adequada, ou seja, devendo-se levar em consideração a capacidade da sua personalidade adaptar-se à inovação, à mistura inesperada, à invenção, por mais que desestabilize situações fixas e aparentemente imutáveis, venham de onde vierem: “Tudo que é falso esconjuro / Seja flerte ou love story / Quanto a ter porto seguro / Tem sempre alguém que me acolhe”...

Para concluir a canção, fazendo alusões diretas à cultura africana: à religião iorubana, ao orixá Xangô e a medicina tribal das ervas: “É com ervas que me curo / Caso algum tombo me esfole / Em se tratando de apuro / Meu pai Xangô me socorre”.

Pretobrás – As quase duas décadas que separam o surgimento do LP Beleléu (1981) e o CD Pretobrás (1998) exemplifica magistralmente a coerência criativa de Itamar Assumpção. Se lá no início de carreira havia o Nego Dito, com sua voz desafiadora, em Pretobrás, segundo Luiz Tatit, o “‘eu’ contraventor de outros tempos encarna definitivamente no significante da canção”. Acrescento: sem perder o fôlego de uma voz criticamente mais apurada e de um texto ainda mais narrativo. É o lance de “Cultura Lira Paulistana”:

“Não há ó gente ó não luar como este do sertão”. "Pobre cultura a ditadura pulou fora da política e como a dita cuja é craca é crica foi grudar bem na cultura nova forma de censura pobre cultura como pode se segura mesmo assim mais um pouquinho e seu nome será amargura ruptura sepultura também pudera coitada representada como se fosse piada Deus meu por cada figura sem compostura onde era Ataulfo Tropicália Monsueto dona Ivone Lara campo em flor ficou tiririca pura porcaria na Cultura tanto bate até que fura que droga merda cultura não é uma tchurma cultura não é tcha tchura cultura não é frescura a brasileira é uma mistura pura uma loucura a textura brasileira é impura mas tem jogo de cintura se apura mistura não mata cultura sabe que existe miséria existe fartura e partitura cultura quase sempre tudo atura sabe que a vida tem doce e é dura feito rapadura porcaria na cultura tanto bate até que fura cultura sabe que existe bravura agricultura ternura existe êxtase e agrura noites escuras cultura sabe que existe paúra botões e abotoaduras que existe muita tortura cultura sabe que existe cultura cultura sabe que existem milhões de outras culturas baixaria na cultura tanto bate até que fura socorro Elis Regina a ditadura pulou fora da política e como a dita cuja é craca é crica foi grudar bem na cultura nova forma de censura pobre cultura como pode se segura mesmo assim mais um tiquinho coitada representada como se fosse um nada Deus meu por cada feiúra sem compostura onde era Pixinguinha Elizeth Macalé e o Zé Kéti ficou tiririca pura só dança de tanajura porcaria na cultura tanto bate até que fura. Que pop mais pobre, pobre pop."

Neste quase manifesto, o “eu” vem desencarnado do significado, deixando a canção mais livre para outros intérpretes, mas sem deixar de reafirmar a idéia prosaica desde sempre, de rapsódia, cuja narrativa, inclusive, vem formalmente em prosa, cheia de ressonâncias e falas sincopadas na companhia do violão de breque, juntamente com o ritmo da voz ocupando o centro do trabalho. A canção reafirma a característica de obra transbordante, numa imensa lista de nomes próprios e adjetivos depreciativos para o sujeito da canção, que é a própria cultura, em contraste com o seu uso no título, podendo ser interpretada como uma menção saudosa dos tempos da Lira Paulistana, mas, sobretudo, uma crítica afiadíssima à morosa produção cultural da época.

Na esteira dessa expressiva canção, cabe perguntar: que voz é essa e qual a sua ascendência possível? O que significam os “nãos” e os “contras” permanentes de Itamar à indústria cultural e os seus representantes-mitos? Em texto intitulado “O caráter destrutivo,” Walter Benjamin lança algumas luzes que podem nos ajudar a entender a essas e outras perguntas aparentemente simples. No texto, Benjamin aponta para aquele indivíduo cujo caráter tudo destrói porque acredita que nada é permanente, mas com a mesma convicção de que há saídas por todas as direções: “O caráter destrutivo é o inimigo do homem-estojo. O homem-estojo busca sua comodidade, e a caixa é sua essência. O interior da caixa é a marca, forrada de veludo, que ele imprimiu no mundo. O caráter destrutivo elimina até mesmo os vestígios da destruição”. O caráter destrutivo “não tem o mínimo interesse em ser compreendido”, ao contrário, “provoca mal entendidos, assim como o faziam os oráculos – essas instituições políticas destrutivas”.

O compositor paulistano não alimentava um ideário romântico, de simples auto-exclusão ou “marginalidade”, pelo contrário, mergulhado na sua própria complexidade, propunha ruptura e ironizava sobre os restos mastigados pela indústria cultural, articulando-se com um “eu” cheio de duplos e triplos significados, como em “Por que que eu não pensei nisso antes”: “pensei em seduzir você com algo bem provocante / gingando num bambolê me equilibrando em barbante / dançando numa TV coberto com diamantes”.

* Ensaio originalmente publicado no Suplemento Literário de Minas Gerais, n. 1317, fevereiro/2009, p. 3-8

2010-10-08T15:44:00.001-07:00

De corazón

2010-09-23T17:57:00.000-07:00

A fala/ensaio, De corazón, de Arturo Carrera (foto acima) foi dita em Coronel Pringles, em 2007, durante a inauguração do projeto Estación Pringles: Associação Civil e Empresa Cultural, presidida pelo poeta. Iniciava-se o evento Jornadas Preparatorias rumo ao 1º. Certamen Regional de Declamadoras de Poesía.

De coração
Arturo Carrera

Declamar: Declamar não é gritar. Não, em todo caso é falar com afeto e veemência. Recitar prosa ou verso com entonação e gestos convincentes.

Ainda temos muito que conseguir no terreno da declamação. Cada novo poema exige uma revisão dos recursos sensíveis e, por que não, técnicos disponíveis para abordá-los. Toda a poesia se pode declamar, porque a declamação, em todos os tempos tem sido útil para dar-lhe vida, relevo, brilho ou opacidade aos versos de inumeráveis poetas. Alguns consagrados, outros desconhecidos, a declamação tem revelado detalhes rítmicos, pontos em que a poesia se torna prosa e prosa onde a poesia transforma, por meio de acentos e detalhes específicos, as vozes de quem as disseram e dos que as escreveram: “dizem”, música afinal, como disse o poeta grilo: música porque sim, música vã...

Disse uma declamadora: “Pude encontrar as sonoridades mais estranhas... Bem, a declamação é o meio de que nos valemos, intérpretes de poesia, e a voz, nosso instrumento. Embora existam milhões de palavras escritas temos que expressá-las oralmente e às vezes colocá-las na orelha do ouvinte adormecido”.

As declamadoras são as mulheres como as pequenas parcas de nossa infância, as meninas, as velhas, as mulheres do poeta Rósewicz: as mulheres buda, as mulheres más, as que propagam, as que perduram, as que falam à sopa, às plantas, aos figos, às bestas, ao fogo: as que gritam o que sentem, as que transformam tudo em luxo, em renda, em espuma, em tempura das sensações...

Acho que há um retorno da oralidade mais velha, mais ignota, mas mais útil, na poesia do “coração”. Recitar era uma entonação intermediária entre a declamação e o canto. Mas a declamação é a mais dramática das entonações para assegurar as partes de um poema e fazê-las mais visíveis à imaginação e mais audíveis aos sentidos.

A declamação alcançou um momento culminante durante o período da poesia modernista em toda América Latina e em Espanha. Teve uma diva central que a impulsionou e a pôs em voga e até criou escolas de declamação em todo o continente latino-americano: Berta Singerman – amiga dos poetas mais importantes de sua época: Lorca, Neruda, Mistral, Storni, Ibarbourou, etc.

De qualquer maneira, a proposta do projeto de Estación Pringles em que a diretora Vivi Tellas colocou em cena uma Caravana de Declamadoras que disseram seus poemas nas ruas de Pringles, pôs em evidência na memória para a aprendizagem da poesia (sobretudo na infância) e também voltou a enfatizar a importância que tiveram as mulheres na difusão da poesia de uma época. Daí esta seleção somente de declamadoras (meninas de todas as idades).

Digamo-lo com outros ensaístas e poetas geniais como Derrida, Eliot, Bonnefoy: rapidamente, em dois ou três palavras, para não esquecer-se. A declamação inclui um teatrinho dentro do poema: para não esquecer-se. A economia da memória de poesia guarda as moedas em um cofrinho velhíssimo. Por coração: os franceses e os ingleses dizem par coeur, by heart, e nós de memória. Dizem que em árabe se diz: um único trajeto com várias vias. Nessa metáfora – não será demais remarcá-la – já tem uma estação e mil vias.

A memória, o coração na poesia, nos poemas.

Derrida nos disse: o poético seria aquilo que desejas aprender, mas do outro, graças ao outro, por meio do ditado – digo eu – da memória, aqui e ali, ali (na infância) e aqui agora (na outra infância). O que quer dizer reter de memória uma forma absolutamente única? Um afeto que não se desprende? No desejo desta “não separação absoluta” respirar a origem do poético. Se trata disso. Aprender de memória outra vez. Uma vez mais. Para encontrar no poema as palavras que havíamos querido lembrar se escrevêssemos poesia. E também: as que havíamos querido esquecer um instante para receber em outro, muito mais distante talvez, a espetada do coração eriçado da vida. (Tradução Ricardo Corona)

alfabeto móvel

2010-09-06T18:26:00.000-07:00

Dia 14/09 (terça) às 19h15

ALFABETO MÓVEL
performance poética
com Eliana Borges e Ricardo Corona

A performance Alfabeto Móvel é poesia sonora e vídeo-arte. Criada e executada pela artista plástica Eliana Borges e o poeta Ricardo Corona, que lançam mão de recursos vários para conectar, em terreno interdisciplinar, linguagens e expressões que vão do uso da voz a equipamentos eletrônicos e acústicos. No repertório, narrativas e poemas do livro Amphibia, de Ricardo Corona, publicado recentemente em Portugal pela editora Cosmorama. Após a apresentação, lançamento do livro e conversa com os autores. Ricardo Corona e Eliana Borges produzem conjuntamente há aproximadamente 20 anos e seus trabalhos estão no âmbito da relação entre as linguagens que cada um atua individualmente: poesia e artes plásticas.

ENTRADA FRANCA

Auditório
SESC PATO BRANCO
Endereço: Av. Tupi, 405
E-mail: sescpr@sescpr.com.br
Fone: (46) 3220-1750

ALFABETO MÓVEL

2010-08-23T18:36:00.000-07:00

DATA: 26/08/2010 - QUINTA
PERFORMANCE POÉTICA: ALFABETO MÓVEL

eliana borges e ricardo corona

A performance Alfabeto Móvel é realizada com o uso da voz e o corpo, por meio de elaborações fonéticas e/ou efeitos sonoros de equipamento eletrônico e associada a vídeos e cenário. Criada e executada pela artista plástica Eliana Borges e o poeta Ricardo Corona, que lançam mão de recursos vários para conectar, em terreno interdisciplinar, linguagens e expressões que vão da poesia ao vídeo-arte. Para os autores o importante é dinamizar o rito e envolver o público em um contexto de livres associações entre linguagens e contextos. Criar o ambiente apropriado para as linguagens acontecerem com som, cor, luz, tempo, espaço, movimento, ação. No repertório, narrativas e poemas do livro amphibia, de Ricardo Corona, publicado recentemente em Portugal pela editora Cosmorama. Após a apresentação, lançamento do livro e conversa com os autores. Ricardo Corona e Eliana Borges produzem conjuntamente há aproximadamente 20 anos e seus trabalhos estão no âmbito da relação entre as linguagens que cada um atua individualmente: poesia e artes plásticas

LOCAL: Teatro SESC Joinville
DIA 26 de agosto de 2010
HORÁRIO: 20h
ENTRADA FRANCA

Estación Pringles

2010-08-20T15:46:00.000-07:00

Decifrar é morrer

2010-08-15T09:47:00.000-07:00

A entrevista abaixo saiu publicada na revista Muito, do Jornal da Tarde (Salvador, 7 de agosto, 2010)

Muito - Qual o grande desafio da poesia hoje?

Corona - Podemos pensar essa questão de muitas maneiras. Uma delas é a de que a poesia já é um desafio porque é uma das linguagens mais antigas do homem. Há todo um repertório formal que é colocado em jogo na hora de escrever o poema. E tem a ancestralidade abissal da própria poesia. A poesia vem antes do poema, antes do poeta, antes do poético. Por isso está ligada a uma experiência de vida, a um fora da própria linguagem, ao improvável, ao que não tem provas. Mais ou menos o que Jean-Jacques Rousseau se referiu quando escreveu sobre a necessidade humana de pronunciar a primeira palavra em seu livro Ensaio sobre a origem das línguas. Segundo o filósofo, as primeiras línguas surgiram menos por necessidades fisiológicas (fome, sede…) do que por necessidades morais (amor, ódio…). O homem podia caçar sua presa ou colher seus frutos em silêncio e continuar calado ao comê-los. Mas ao tentar dizer sobre o sentir é que veio a necessidade da palavra. Mas veio não para resolver a margem, o abismo do sentir com palavras, que sempre sucumbirão, por incompletude, por não haver provas. Decifrar é morrer. Então, o desafio da poesia é esse. Ela é de uma natureza exigente, sem concessões, uma reserva, uma Amazônia. A riqueza disso sempre estará por vir e é nessa medida que está o encantamento da literatura e da arte. A outra maneira de pensar, talvez mais complexa ainda, é que isso de perceber a natureza mais difícil da poesia, talvez venha de uma necessidade de fazê-la as palavras da tribo. Como seria se todos os discursos ouvissem a poesia? Às vezes, percebo que o discurso ecológico se aproxima da poesia. Mas como seria se falássemos por poesia? Eu gostaria de acordar nessa manhã.

Editar revistas é uma forma de fugir da monotonia da cobertura literária dos jornais?
- Uma revista de literatura, por ser um tipo de registro diferente, mais duradouro, deve se desviar do senso comum das resenhas dominicais. Editei duas revistas – Medusa (1998-2000) e Oroboro (2004-2006) –, ambas de poesia e arte, e nestas experiências o que mais me estimulava era essa certeza de que uma revista é um arquivo. Os estadunidenses sabem muito bem disso. Nos EUA existe uma crítica que se orienta pelos grandes tablóides e pelas mega editoras – daí a necessidade das resenhas, dos anúncios comprometidos com o mercado puramente numérico –, o que redunda na visão de que a literatura é somente divertimento e a leva para uma produção facilitada. A outra linha crítica, atenta às revistas mais independentes, feitas normalmente por poetas e artistas ou mesmo por intelectuais de universidades, trazem à tona uma literatura mais comprometida com a criação (que também pode ser divertida e vendável!). Não fosse essa segunda vertente, talvez poetas como Walt Whitman, William Carlos Williams, entre outros, não existiriam na proporção editorial que ocupam hoje no mundo. Esta é uma das importâncias das revistas independentes.

Qual a importância da performance para a poesia?
- Ainda este ano lançarei um livro de poesia chamado Performance. Parece uma contradição porque o movimento da performance é o contrário, ou seja, retirar o poema do livro. Por outro lado, a importância da performance, como gesto que possa interessar aos poetas (a performance está muito associada às artes visuais, à música, mas é uma arte nômade, que não precisa pertencer a nenhuma categoria), é uma necessidade. Então, se chamo de “performance” a um livro de poemas, quero tocar nisso, trazer essa potência do gesto para o lugar onde mais se encontra a poesia hoje, que é o livro. Mas será quase um livro-travesti. Ou seja, fora dos gêneros literários. Mas com presença de poesia. A poesia brasileira é livresca demais. Tenho dito isto em oficinas, falas ou em entrevistas como esta, ou seja, que a oralidade poética no contexto brasileiro, tanto para boa parte dos poetas quanto para a quase totalidade dos críticos, ainda está sujeita às classificações reguladas pelo “peso” da literatura, ou melhor, pela anexação da poesia no universo da literatura. É flagrante a separação excessiva entre o que chamarei provisoriamente de “poesia feita para a voz” e “poesia feita para o livro”. Parece-me óbvio e pertinente, no entanto, que as diferenças existam, pois há poemas destinados a ficarem quietos no livro e na grandeza da sua musicalidade intrínseca e silenciosa, enquanto há outros que são inexpressivos na página e se revelam poeticamente mais vigorosos quando submetidos à fala. Do mesmo modo há outros que são perfeitos tanto na página quanto no espaço acústico. Portanto, deveria importar mais a sua qualidade dentro do seu contexto. O que considero um equívoco é assinalar uma margem qualitativa generalizante à poesia feita para o livro em detrimento daquela feita para a voz e que se relaciona com o espaço acústico, do som à performance. Por isso é muito fácil compreender porque a poesia de Murilo Mendes, mais delirante e próxima da oralidade, ou a de Raul Bopp, ainda não tiveram audição adequada e descolada da página. Raul Bopp, certamente um precursor da etnopoesia no mundo, lançou mão de procedimentos que merecem estudo aprofundado, pois são verdadeiras filigranas da fala. Bopp era um mestre na sequência de imagens, espécie de orquestração imagética, que propicia o clima ideal para o ouvido pensante, tanto na oralidade imagética de “Cobranorato” quanto na genialidade do uso dos sons, em poemas de menor fôlego. Basta ver/ouvir “Caboclo”: (…) “O escuro apaga as árvores / Fogo desanimou na cozinha / Mia um gatinho magro no terreiro: M-i-s-é-r-i-a” (…). A sugestão da onomatopéia (“miau”) da voz do gato, não escrita, dada de subtexto, revela não só a cena cabocla miserável, mas a semântica do som – e som é feito para ouvir! –, recurso infinitamente mais eficaz do que qualquer significado redundante, alienado ao discurso, ao protesto. E qual seria essa tradição poética que mantém a poesia em livre associação com o som – seja este originário da fala ou de instrumentos e objetos sonoros – e com o corpo? Que hesita entre o som e o sentido (Valèry) e se manifesta na cultura popular, no folclore, nas vanguardas, nas letras de música, na poesia escrita, e no tempo antigo, moderno, pós-moderno? Trata-se de uma poesia diferenciada daquela feita especialmente para o livro? Uma poesia “nômade” e que, portanto, perfaz outra tradição? Nada disso. No tempo do Brasil colônia, ou seja, bem no centro de nossa tradição livresca, havia muitos poetas que escreviam seus poemas pensando-os em voz alta e adicionavam-lhes a possibilidade do evento performático. São desdobramentos que, havendo reflexão, chegar-se-ia a um contexto de poesia + som, de poesia + performance, e as margens simbólicas existiriam apenas por conta da diferença correspondente entre o acústico e a musicalidade muda da página. Conceitos que estamos recuperando hoje mais por causa das tecnologias que incidem diretamente sobre a criação contemporânea nessa área. Mas continuemos na tradição, para traçar a linha, antes da tecnologia, antes mesmo do estúdio eletroacústico, lá nos anos 1950, no pós-guerra. Porque é fácil fazer a defesa pelo viés da tecnologia. Gostaria, aqui, de colocar a dobra pela tradição, enviesando meu pensamento justamente pelos nós do discurso conservador, aquele que se resguarda pela tradição livresca. Dois exemplos do que chamarei aqui de “proto-fala performática”, sem dúvida, foram os poetas Castro Alves (1847-1871) e Dario Vellozo (1869-1937), com suas intervenções e experiências na área da poesia falada. O então adolescente Castro Alves escrevia seus poemas pensando-os em voz alta porque os apresentava em teatros da época, na Bahia, sob imensa expectativa de um público que desejava vê-lo e admirá-lo. A sua relação com o público era a de um poeta pop adolescente que falava seus poemas. “Navio negreiro”, escrito em 1869, contém versos como “Que a brisa do Brasil beija e balança”, que se enriquece e se define melhor quando é lançado no espaço acústico. Notadamente, o verso ganha poesia com as ondulações fonético-sonoras vindas do recurso da voz do que em relação à grafia silenciosa da página. Além dessa preocupação com a fala, Castro Alves articulava recursos performáticos, uma vez que usava batom carmim nos lábios e punha camada espessa de pó de arroz para realçar um semblante pálido, de acordo com a sua personalidade romântica. Dario Vellozo, por sua vez, inventou na Curitiba do início do Século XX a Festa da Primavera (1911), antecedida com desfiles pela cidade em que as musas eram apresentadas ao público em carroças decoradas com guirlandas. Mais tarde, para isso, fundou o Templo das Musas (1918), onde, segundo Andrade Muricy, “presidia a atraentes e estranhas celebrações de arte e de pensamento” e lugar onde as musas e os participantes dos jogos vestiam trajes gregos. Como não ver nessas manifestações a arte da performance? E são poetas do cânone da poesia nacional. A pergunta que se deve fazer é por que esses poetas ficaram confinados no livro, na literatura. Por isso, considero mais importante o trabalho de Caetano Veloso, ao musicar e falar em tom de rap “Navio negreiro”, trazendo para o ar essa sonoridade, faz valer mais do que pilhas e pilhas de estudos críticos da poesia do poeta baiano.

Como encara a crítica ao seu trabalho?
- De muitas maneiras. Dependendo da crítica, reajo na medida proposta pelo crítico. Mas sempre procuro respeitar este trabalho reflexivo. Sei reconhecer a crítica que ilumine meu trabalho. E iluminar, aqui, está além da medida dos meros “elogiar” ou “destruir”. Muito pelo contrário. Acho que os melhores críticos entendem esse movimento e buscam iluminar o trabalho alheio, mesmo que seja pelo viés mais rígido, mais difícil, que é apontar falhas. Acho que os críticos brasileiros devem ser menos iluministas e mais iluminadores. Criticar é um trabalho demoníaco: Fiat Lux: faça-se a luz.

Qual a proposta da etnopoesia?
- A etnopoesia nos propõe pensarmos a poesia fora do espaço literário ocidentalizado. Atualmente, escrevo um livro camado Curare, com o qual ganhei o prêmio do Programa Petrobras Cultural para este ano. Este livro faz parte de uma pesquisa que desenvolvo há cinco anos e que nomeio “poesia líquida”. Com os mesmos procedimentos de fluxo narrativo, utilizados em dois outros livros (Corpo sutil, Iluminuras, 2005 e o inédito Embrulho líquido, de 2006, com publicação prevista para este ano), Curare será dividido em partes (ou fragmentos), com andamento de poema-livro e imaginário etnopoético a partir de dois conteúdos bem definidos na cultura paranaense: a cultura indígena Xetá e a água. Lugares de partida para a relação com outros universos e para um contexto de diversidade. Pretendo trabalhar com a linguagem poética no limiar destes universos, de modo que seja possível transitar por esses mundos de belezas marcantes e balizados pelo espectro do fim, do esgotamento, mas sem trazê-los para uma grade formal, o que seria o épico. E é aí que entra a minha relação com a etnopoesia. Que esta incorporação aconteça por meio de adaptação livre (de mitos e lendas Xetá e de outras culturas, sem receio da mestiçagem cultural, da mescla de mundos muitas vezes distintos), numa estética de crioulagem, de ressonância glissantiana (“escrevo na presença de todas as línguas”), para que o leitor, ao ler este poema-livro, opere as trocas simbólicas entre os universos, acendendo suas urgências e universalidades. As várias visões ditas por uma voz da infância, no texto, multiplicam-se afirmativamente nesta diversidade que ressoa na realidade dos Xetá que vivem já inseridos em outras culturas (Guarani e Kaigang) e, portanto, em processo (sem volta) de miscigenação. Como bem apontou Jerome Rothenberg sobre a etnopoesia: “é impossível apresentar o trabalho de um modernismo radical ou inovador sem mapear ao mesmo tempo alguns traços dos velhos mundos, trazidos novamente ao presente e vistos assim como se da primeira vez, para ajudar a nos mostrar onde estamos”.

Como a poesia o roubou do cotidiano?
- Pela fresta que a palavra mostra quando está em estado de poesia. Cai dentro dessa fresta. Sou um poeta que não abre mão desse lugar do improvável, lugar em que se visita, pela poesia, e quando de volta ao cotidiano, vê-se sem provas ou álibi.

Fonte impressa e http://revistamuito.atarde.com.br/?p=5363

2 poemas de Juan L. Ortíz

2010-07-29T14:48:00.000-07:00

A LA ORILLA DEL RÍO...

A la orilla del río

un niño solo

con su perro.

A la orilla del río

dos soledades

tímidas,

que se abrazan.

¿Qué mar oscuro,

qué mar oscuro,

los rodea,

cuando el agua es de cielo

que llega danzando

hasta las gramillas?

A la orilla del río

dos vidas solas,

que se abrazan.

Solos, solos, quedaron

cerca del rancho.

La madre fue por algo.

El mundo era una crecida

nocturna.

¿Por qué el hambre y las piedras

y las palabras duras?

Y había enredaderas

que se miraban,

y sombras de sauces,

que se iban,

y ramas que quedaban...

Solos de pronto, solos,

ante la extraña noche

que subía, y los rodeaba:

del vago, del profundo

terror igual,

surgió el desesperado

anhelo de un calor

que los flotara.

A la orilla del río

dos soledades puras

confundidas

sobre una isla efímera

de amor desesperado.

El animal temblaba.

¿De qué alegríatemblaba?

El niño casi lloraba.

¿De qué alegríacasi lloraba?

A la orilla del ríoun niño solo

con su perro.

(de El aire conmovido, 1949)

EL AGUARIBAY FLORECIDO

Muchachas de ojos de flores y de labios de flores.

En la sombra exhalada -¿de qué su dulce hálito?-

los vestidos ligeros, muy ligeros, con pintas.

Arde de abejas el aguaribay, arde.

Ríen los ojos, los labios, hacia las islas azules

a través de la cortina

de los racimospálidos.

Ríen los ojos, los labios. ¿Veis las muchachas o es

la tenue sombra ebria

y bordoneada

que se alucina de muselinas claras

y de otras flores vivas –extrañas flores vivas-

riendo, riendo, riendo hacia las islas?

Muchachas de ojos de flores y de labios de flores.

Arde de abejas el aguaribay, arde.

(de La mano infinita, 1951)

De Josely Vianna Baptista para Wilson Bueno

2010-06-28T11:09:00.000-07:00

Los tesoros de la bisabuela

Hay un poema de ella para el niño,
sombrío, sí, para su corta edad,
pero que hacia el futuro, con cariño,
ayer le dedico, con su verdad.

Eso que le escribió, quizá en tercetos,
- con una pluma embebida en tinta china
y a la luz de un trémulo candil -
tal vez sea el mayor de sus secretos
(como un tesoro sin mapa de la mina).

Sólo que nadie sabe en que valija
la bisabuela encerró ese mensaje:
si duerme junto a sus guantes de encaje,
si se enredó en las sedas y bordados
del mantón de Manila o del traje
que usó, en otro siglo, en sus bodas.

El que tenga la llave que se presente,
el que tenga la llave que se presente,
o que se calle, o que se halle, o que se calle
para siempre.

Josely Vianna Baptista

fonte: http://www.revistaideias.com.br/

PRUEBA DE SOLEDAD EN EL PAISAGE

2010-06-04T11:05:00.000-07:00

Experiencia de creación
poética en contrastación
con la llanura pampeana

“…es un desafío muy importante para ciertos escritores, o para ciertos intelectuales o para ciertos espíritus, vivir con la naturaleza, fuera de la ciudad, porque si bien es muy humano y muy necesario contrastar lo que uno hace, someter a la opinión de los colegas o cómplices, lo que uno está creando, saber a qué atenerse sobre su valor, si bien ello es necesario para la conciencia poética, artística en general, lo otro, es decir la contrastación solamente con las cosas que no responden, quizás sea más determinante o más profunda en distinto sentido.”

Juan L. Ortiz

CONVOCATORIA

Estación Pringles convoca a cuatro poetas de países iberoamericanos, menores de treinta y cinco años, a experimentar de un modo literario, en plena pampa, lo que Machado y Ortiz volvieron experiencia tangible en sus libros Soledades, Campos de Castilla, Nuevas canciones (A. Machado) y En el aura del sauce (Juan L. Ortiz).
Los manuscritos de la experiencia realizada (poemas, relato breve o diario poético) integrarán un volumen que será publicado en coedición con Editorial Mansalva y que llevará como título Prueba de soledad en el paisaje.

La experiencia tendrá lugar en el Espacio Quiñihual, ubicado en un paraje rural a 550 km. de la ciudad de Buenos Aires, Argentina.

BASES GENERALES

PARTICIPACIÓN
1. Podrán presentarse poetas iberoamericanos/as por nacimiento (con nacionalidad vigente) o naturalizados/as, de entre 18 y 35 años de edad.
2. Deberán contar con trayectoria poética comprobable.

DURACIÓN
3. La residencia será de cuatro semanas a partir del 25 de octubre de 2010.

CONDICIONES
4. Las/los poetas participantes tendrán su espacio de trabajo en un enclave paisajístico privilegiado, en plena pampa, con vista a las serranías del sistema de Ventania.
5. Cada poeta recibirá pasajes de ida y vuelta desde su país/ciudad de origen, y alojamiento en habitaciones compartidas con régimen de pensión completa durante toda la residencia.
6. Las/los poetas seleccionados deberán contar con un seguro de salud que comprenda el período de la residencia. La constancia del mismo deberá ser enviada a Estación Pringles antes de los diez días del arribo a Buenos Aires.
7. Al término del período de residencia las/los poetas se comprometen a entregar sus escritos a Estación Pringles para su posterior publicación. Asimismo deberán realizar una lectura pública de sus trabajos y participar de un taller con estudiantes de universidades de la región.
8. La publicación de los textos producidos, en español, reunidos en un solo volumen, se realizará en abril de 2011. Los autores autorizarán la publicación de la primera edición exclusivamente a Estación Pringles.

PRESENTACIÓN
9. El plazo para la recepción de solicitudes vence el 31 de julio de 2010.
10. Las/los poetas interesados en participar deberán enviar por vía electrónica a pruebadesoledad@estacionpringles.org.ar , la documentación siguiente:
1. Formulario de solicitud debidamente completado y firmado. Debe incluir copia de documentos expedidos por el gobierno del país de origen que certifiquen la identidad, fecha de nacimiento y nacionalidad del/la postulante, y copia de pasaporte vigente (excepto postulantes argentinos residentes en el país).
11. A la documentación anterior deberá anexarse (archivos PDF):
2. Currículum actualizado, en el que deberá consignar lo más sobresaliente de su trayectoria literaria (extensión máxima, dos páginas).
3. Una breve carta explicando las motivaciones e interés en la “Prueba de soledad en el paisaje”.
4. Lista de publicaciones e información que compruebe o respalde el material publicado: copia de portadas del libro, antologías o revistas literarias en donde se incluye su trabajo.
5. Una selección de textos de su autoría, escritos en español, que considere representativos de su producción (deberán estar debidamente identificados con nombre, título, fecha de publicación, etc.).

SELECCIÓN
12. La selección de las/los postulantes estará a cargo de un jurado de escritores especialmente designado por Estación Pringles.
13. Los criterios de selección se basarán en la excelencia artística de las/los postulantes, con independencia del país de procedencia y de condiciones de género.
14. El Acta de Selección con el nombre de las/los poetas será publicada el 16 de agosto de 2010 en http://www.estacionpringles.org.ar/
15. Estación Pringles contactará vía correo electrónico a los poetas seleccionados para confirmar su participación y coordinar su viaje a Buenos Aires, de donde partirán hacia la sede de la residencia. Será responsabilidad de cada postulante verificar que los datos de contacto proporcionados en el formulario de solicitud sean correctos y revisar con frecuencia su correo electrónico para responder avisos enviados por ese medio.
16. Las/los poetas que resulten seleccionados deberán confirmar, como fecha límite el 23 de agosto de 2010, su disponibilidad para realizar la experiencia mediante correo electrónico dirigido a pruebadesoledad@estacionpringles.org.ar . En caso de no realizar la confirmación en el plazo estipulado, el postulante será dado de baja.
17. Las/los poetas seleccionados deberán firmar y devolver, como fecha límite el 30 de agosto de 2010, la documentación que les será enviada vía correo electrónico por Estación Pringles en la que se establecerán las condiciones de la residencia. Sin su firma la misma no podrá efectuarse.

ACEPTACIÓN DE LAS BASES Y DE LA RESOLUCIÓN DEL JURADO
18. Estación Pringles se reserva el derecho por razones de fuerza mayor de modificar las fechas consignadas en las Bases de la presente Convocatoria.
19. El aviso por parte de Estación Pringles de la recepción de la documentación enviada por los postulantes no implica que la misma cumpla con los requisitos pedidos. El postulante será el único responsable de que el envío de la documentación solicitada cumpla con todos los requerimientos en tiempo y forma.
20. El fallo del jurado será inapelable.
21. La presentación del postulante implica la aceptación de las Bases de la Convocatoria y el contrato a suscribir para la realización de la experiencia.
Consultas: pruebadesoledad@estacionpringles.org.ar

WILSON BUENO (1949-2010)

2010-06-01T06:56:00.000-07:00

Viejito, Viejita
Uye’î

Wilson Bueno

San tan blancos vistos desde aqui, desde esta laguna fria. Viejito – tuyá, tuyá, tuyá. Viejita – guaimã, guaimã, guaimã. Hace tiempo, há quanto se hace el tiempo! El primer hombre del mundo por supuesto no advinaria jamás lo de que la vejez no se olvida. Los viejitos lamentablelmente no escapáran de todo de las réguas, de las reglas extemporâneas com que de golpe el tiempo costumbra cerrar el pano. Los cemitêrios. Los cementêrios. Tîvî. Manó. Manovaí. Las golondrinas da tarde, mbîyu’i, mbîyu’i, chilreiam álacres y pressurosas, mbîyu’i, mbîyu’i, e son tantas e son tantas tan tontas que esvoaçam bajo el crepúsculo de los viejos, caso se haigan fantasmas, cucú, cucú, de um outro sonho soñado vivo – el de las dobraduras de los dias y de los anos. Tuyá, tuyá. Guaimã, guaimã. Viejito, Viejita. Amor y gracia. Gemido y arpón. Luminiscentes algaravias. Los dedinhos tão flacos del viejito, y longos, los deditos del viejito Ortênsio entrançando de emfrente para trás, de la testa al cocoruto de la careca-raíz, passados los deditos por los entre-ralos pêlos blancos. Las cenizas del tiempo, las dibujadas cenizas – derrumbre y falência múltipla de los huesos ossossosporossos. Inalda’i. Inalda’imichî, taîhú del amor el más imenso; taîhú, el bruto vivo de dos – aún que viejos –, catitos corazones.
Todo esto que vige y vive el viejito Ortênsio y la viejita Inalda se dio há muchos y muchos anos detrás de el atrás – uye’î – no tiempo que en el país de la frontêra esverdeaban matas y cascadas. De norte al sur el largo país de la frontêra mobia-se aún virginal – exageravam los índios para contar la história del viejito Ortênsio e de la viejita Inalda. Porãmichi. Porãmichimi. Poramichimi’i. Uye’î. Uye’î.
E al tiempo que esto recuento está evocando el passado, el tanto passado después, es como sonhar um sueño tan comovido e palpitante hizo de viento y ceniza. Uye’î. Uye’î. Ahora solo digo del viejito Ortênsio y de la viejita Inalda que existiran – de facto – hasta el último suspiro, hasta la derradêra ablución matinal. Viejito. Viejita. Macrôbios andando la casa como lhe andavam ayer otros fantasmas, cucú, cucú, de asas, y todas las mariposas-de-pêlo ardiendo en los desastres del fuego da lamparina. Viento y ceniza la vida es, no se equivoquen los que piensam los dias, y hasta las horas, llenas de entera eternidad. Uye’î. Uye’î.

(...)

Wilson adorava a seção C(obra) da revista Oroboro e nela publicamos (n. 7) o texto "Viejito, Viejita", cedido carinhosamente por ele. Acima um trecho desse texto que creio ser ainda inédito em livro e aqui como uma singela despedida.

(Jaguapitã, 1949, Curitiba, 2010)

ABERTURA BOLSA PRODUÇÃO ARTES VISUAIS

2010-05-23T07:22:00.000-07:00

E DEPOIS: FESTA NO WONKA!

2010-05-23T07:10:00.000-07:00

VAI A DICA

2010-05-17T18:25:00.000-07:00

CURARE

2010-05-09T18:53:00.000-07:00

Em 2007, Jerome Rothenberg (foto acima) passou por Curitiba e tive a honra de conviver alguns dias com esse extraordinário poeta norte-americano. Luci Collin, Eliana Borges e eu o levamos para conhecer os lugares de Curitba e isso para mim foi um acontecimento, pois durante esse período trocamos muitas ideias sobre etnopoesia. Foi uma aula. Já o conhecia de outra passagem pela cidade, num lançamento de revistas nacionais e internacionais, quando ele juntamente com uma dezena de poetas brasileiros e estrangeiros, realizou performances e leituras de poemas no Teatro Paiol. Não lembro exatamente qual ano foi, acho que 2004 ou 2005. Mas foi uma passagem relâmpago, pois Rothenberg estava circulando por algumas capitais brasileiras com o objetivo de promover leituras e performances. Nesta segunda vez ele veio com mais tempo e deu para convivermos alguns dias. Lembro-me do seu interesse pela nossa cultura e da sua alegria quando lhe dei um CD-Room sobre a cultura Xetá (índios de costumes pré-históricos que habitavam as terras que hoje chamamos "Paraná"). Pois bem, Rothenberg é um dos autores centrais da minha poesia e isso ficará ainda mais evidente no meu próximo livro de poemas, que escrevo desde 2006 e que leva o nome Curare. Com este ganhei a bolsa criação do Programa Petrobras Cultural, a qual me permitirá terminá-lo este ano. Uma certa tranquilidade é muito bem vinda, principalmente porque esses benefícios são coisa rara por aqui, mais abaixo, nos joelhos do Brasil. Estou ansioso para retomar este projeto. Dei um tempo por causa do mestrado, que já atravessei e inclusive a defesa está marcada para este mês, dia 28. O poema é um épico contemporâneo. Já falei em outro lugar que julgo ser possível escrever um épico contemporâneo, mas desde que se leve em consideração um movimento. Ao invés de articular uma força centrípeta, o que seria trazer exterioridades (ou toda a força da diversidade) para uma forma poética que a centralizasse (esse o movimento do épico clássico), farei o contrário. Curare será uma força centrífuga. De dentro para fora. Através do sonho e do devir criança. E isso tem muito a ver com performance. Mas isso também é outro papo. Curare é 1) Veneno muito forte preparado pelos índios sul-americanos, para envenenar flechas. É uma composição de alcalóides extraídos de vários arbustos da família das Loganiáceas, principalmente das espécies Sthrychnos castelnaui, S. crevauxiana e S. toxifera, hoje usada em anestesia, para redução de espasmos no tétano e para produção de relaxamento muscular na terapêutica de choque. 2) Nome dado a vários arbustos da família das Loganiáceas e das Menispermáceas, que fornecem esse veneno; ervagem, erva-dura. 3) O mesmo que urare, urari, uirari, urali e ticuna. Obviamente, tem a ver com cura. Mas isso também é outro papo. O livro terá a presença dos Xetás, índios que moravam por aqui antes disso se chamar Paraná. Os Xetá sempre exercitaram a multiplicidade e isso me interessa. Em rituais do sagrado ou no simples cotidiano eles mantinham nomes coletivos e individuais, aprendendo, assim, a serem chamados por uma nominação mutante. O aprendizado dos cantos também trazia esse rastro/resíduo: entoavam à maneira do próprio bicho, imitando-o, que era um jeito coletivo, todos sabiam, mas cada indivíduo Xetá também sabia entoar do seu jeito o mesmo canto e o jeito do outro, o que lhe era próprio. As tênues ressonâncias resultavam uma polifonia e o sublime disso é que o outro sempre merecia lugar e expressão. Para Jerome Rothenberg, o que chamamos primitivo é na verdade complexo e caberia a nós a responsabilidade (Lévinas) sensível de reconhecer esse complexo antes da significação “primitiva”. Os Xetá são também chamados Hetá, Até, Botocudo, Sjeta, Notobotocudo, Ssetá, Bugre, Yvaparé, Chetá, Seta. Curare, então, abre-se para a relação com outros imaginários, indígenas ou não, movidos pelo fluxo etnopoético para lugares generosos contra o desterro, lugares de livre troca onde os Xetá são muitos. Estepe do sonho. Alguns fragmentos:

Curare

Hetá menino

vê
o que há
no céu
que se vê

do outro lugar depois do delírio

- constelações arquipélagos
interzonas -

Hetá
sutil

chispa o tempo
inaudito, o agora ((((((((((( e deita-se,

METAFÍSICO)

esquizo
nalgum umbral do mundo ex
esquivo

ouve estalar as gotas
estrelas tremem na malha líquida

:

uma a uma umedecendo o calo de tanto ver
som a som avivando falas ancestrais

:

sólo en los sueños
comienzan las responsabilidades

...

Sono sem sonho, sono-insônia,
Sonho curare
Imóvel, aqui,
Meu corpo veste-se com trajes de visitante, viaja
Até os confins
Até livrar-se do juízo.

...

menino.nome.homem.anti.homilia
tartamudeia às cegas

gago Godard na TV (

palavras reenviadas até junto da boca, junto à página, à tinta ou ao écran, palavras que voltam a entrar logo após terem saído, sem que se propague a mínima significação

) um tanto antecede o sussurro -
a fala não se articula
o leporino lábio murmurante

indivíduo nômade

HOMEM-INQUILINO

neste sol

a terra não é mais Bugre

- remanescer no avesso do gesto inaugural, noutro sol

...

deu-se a íris
cor de urucum

corpo-cobra
cabelo brilhante

cintilando OLHOS-PUPILA

vêem ((( desejam )))

o relato popol vuh:
Hunahpú e Ixbalanqué
– os filhos gêmeos
da virgem

a soma intriga a unidade

...

enxame......................................cortiço.................................................................................colméia.......bando...........comitiva................cortejo.....séqüito...............réstia......MESNADA.............classe piara....pandilha......fauna..manada...récua.........récova......tropa......plantel....alcatéia...chusma....... .....coro.......................................falange........legião........claque.........batalhão......manga..regimento carrada..........monte.............................................montão.....................................................multidão batelada................................................................................................................................mixórdia companhia.......elenco.........arvoredo.....bosque.......malhada...........acervo.............chorrilho..monte choldra..............................................................................................choldraboldra.........constelação álbum...........bando........flotilha.....saraiva......caterva...corja..............horda.......malta......súcia........turba.................................................................................................................................................... farândola............................................................boiada....cingel......junta...rebanho........................... boana....................................................................................................................................comboio..............................................................................................................................................................chumaço.guedelha.madeixa.marrafa.trança.cordame.cordoalha.enxárcia.rebanho..........................
fileira.......renque....baixela.caravana......................cáfila....frota.......ninhada.....adua........cainçalha canzoada.matilha..feixe...paveia.........................................................................................................
conclave.chafardel.grei.malhada...........oviário........rebanho.......comboio.......composição.....corso........................................................cartapácio.........................................................................................................................................................................................................................................................................................................................atlas............................................................................................................................................................................................................................................................................quarteirão.quadra.piquete.tropel.cáfila.piara.tropilha.cambada.bolada.........bolaço.molho.penca....................................................................................fartadela.fartão....fartura meda...............moréia.....cabilda.............pandilha.........clientela.freguesia.coisada.coisarada...................coleção.cópia....................................................................................................................................................................................................................museu.rol.braçada.seqüência.série.seqüela.......................coleção.................monte....cúmulo..............colunata............renque..........cabido............miçanga.baixela...cordoalha.....maço.enxárcia..cordame...massame....cordagem.....correame.........................................................................................................................................................................................................................................................................................apeiragem...............junta assembléia..................................folclore.....horda..............malta.................troça.................turba.............legião.discoteca....apontoado..dúzia.................................................................................pessoa barda.senzala.analectos.antologia.coletânea.crestomatia.espicilégio.florilégio.seleta...........................................................................................................................................................................................................amarrilho......................................................................................................................................................................................................................atilho.feixe.lio.molho.paveia........................miríade...........................................tuna.....................................................................................................................sortimento........................................batelada..........................................................................................................conciliábulo.meada.......................................................................................................................................................................................................................................................................................mecha.ramalhete.buquê.cacho.girândola.formigueiro.convento...........colheita........safra.....praga........gatarrada..................magote...............poviléu............manípulo manhuço........manojo....manolho........maunça.......punhado.iconoteca.povo.população.povoação............alcatéia.....hinário............................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................arquipélago ............................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................leva.colônia.maloca.tribo.tralha......................................................................................................correição.vara.hemeroteca.quadrilha.................................................................................................pandilha..lampadário....compilação....................................................................................................leitegada........ruma...salgalhada.biblioteca........................................................................................livraria........catálogo..........joldra.matula.seqüela.................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................farândola.provisão.matula.farnel........................................................................................................despensa.mapoteca.maquinaria..................................maquinismo................................................................................................................ maruja................................tripulação............................junta...............................................cambada moscaria.................................mosquedo.......................mobília.........................................repertório charanga..............................................................filarmônica..............................................orquestra aliança...............coligação...............confederação..................federação.......................liga.......união frota.........................................................................................................................................flotilha esquadra.armada.lista.rol.coisa.marouço.orquidário.ossada.ossaria.ossama.esqueleto.alfeire..........ninhada.clero.clerezia.vocabulário.dicionário.léxico.palavrório................................................................................................................resma..............................facção...................partido.........................................torcida.coligação.coalização....................................................................................liga passaredo....................passarada.nuvem..................................................................pilha.paliçada......................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................... baixela.fardo.magote.trouxa.crestomatia.miscelânea.cardume.boana.aquário.espicha.plumagem........caravana....romaria....romagem....colar....ramal....aglomeração....gente.....maré....massa........mó pessoal....................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................roda.rolo..troço...turba....comitiva....cortejo.....préstito.....procissão.......plêiade........pugilo.............................................................................punhado.....comício..conselho..........................................................................congresso................conclave...................convênio......................................... corporação.................................seminário........................clube.............................sindicato.............. sociedade.....................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................pomar..............................................................................................................................................................................................................viveiro....alfobre.....tabuleiro..... flora.......................................................................................................................................herbário ........................................................................................................................................................................................................................................................................................................................persigal........................piara..........................vara................................vezeira........................sínodo................corpo.docente.enxoval.mamparra.matula.ruma......................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................
............................................................................................................................................................

...

xetá
yvaparé
setá
bugre
notobotocudo
ssetá
botocudo
sjeta
chetá
hetá
até
ARTAUD

...

antes da queda a quebra

nó depois da quebra

linha de rio DESDOBRA

fibras nervosas de Miller

finas linhas tece a aranha

linha baleeira de Melville

acelerado linear

chicote em fúria

linha de Gogh

degola curare

linear e sua vigília

dever e devir

...

tal réptil de retina horizontal

azula
flutua
ao som da flauta

Sjeta
no ar

(voam os insetos dos nomes científicos
multiplicam-se
ao redor

incomodados

nem pense em peste
nem pense
pense em

) A SERPENTE E O PULSAR

...

raptado pelo sonho
o MENINO CURANDEIRO
ex ser, sendo
não sagra, muda

sabe da guardiã

chalchiuhtlicue

água.águas

(udn’ah, hudor,
water, wasser, ahwa, voda,
awa, éwè,
vandi, unda...

),(

acqua, mutante líquida, aérea,
corredeira, subterrânea,
volumosa, aquém...

)

aquae

fonte

aqüífero:

ele ouve
a nascente
sonoriza.

...

do vivo que se move ao redor, ela

é

(

água-alma, água-lama,
amálgama

lodaçal, mangal, lamaçal
- lodo parindo a lótus
no céu dos artrópodes pulmonados

água-rota em sua rota
início.meio.fim
- desaguando
no céu-finito
dos cancrídeos com indumentária zodiacal

no acúmulo das águas
- o sal de espumas
espelhando.refletindo
o céu da décima segunda constelação

) ELA

...

agora é o depois

esgotamento

quando a última gota

dissolver nossa distração

(LÍNGUA SURDA

cambaleia na mudez):

esse agouro vem de antes

do agora

nenhuma língua foi ditada por algum deus

nem uma nem a nem o nem um

nenhuma nenhum

gota e fonema

vêm a granel

...

línguas transcorrem rios idem
rios irrigam línguas bis
fluxos trans-rios RIOS-LÍNGUAS r e l i g a m d e s á g u a m e m r i o l í n g u a s r e l i g a r e c a d ê n c i a r i l i n g u a o a r r i t m i a l i n g r o a u
e :
antes do antes uma fala só poesia

...

Sete Quedas

e

vozes no ignoto
sumidas

mescladas

ao incógnito

à luz
do megawatts

rio parecido com o mar
grande rio

vozes
SETE VEZES SETE

setecentas vezes ao som da queda

voz Ssetá
rufando tambores
cantantes

...

A esto ya me parece que lo leí en otra parte y yo quiero ser original.

...

POTLATCH (
ainda em ação
meu dom acabou
tudo o que foi meu
virou patrimônio imaterial
folk
quiçá algo étnico
monumentalizou)
MONS MAMS MOMAS
(sua vez
homemuseu
dar
desconstruir
ser moderno
)

APRESENTAÇÃO DE amphibia NO PORTO E MADRID

2010-05-08T17:48:00.000-07:00

Pois é, andei meio afastado deste Zaúm. É que chegamos dias atrás de Portugal e Espanha, onde apresentei meu livro amphibia, uma reunião de Cinemaginário e Corpo sutil, publicado recentemente pela editora portuguesa Cosmorama, com um prefácio de Victor Sosa. E assim que voltamos tive que cair de boca na produção final do mestrado, que defenderei ainda este mês. Mas isso é outra história.

No Porto, as coisas aconteceram da melhor forma possível. Em todos os sentidos. A moçada da Cosmorama é samba no pé e fado no peito. Jorge Melícias e José Rui Teixeira, que fazem parte do grupo de poetas que dirige a editora Cosmorama, são bem antenados com a cena brasileira e em especial com o que acontece pelos arredores do nosso país. Estão interessados nisso e me disseram com todas as letras. O poeta Luis Serguilha, que foi quem me apresentou ao editores da Cosmorama, já havia me dito isso. O que gostei neles é que são também poetas. Senti-me em casa. O que posso dizer é que o projeto da Cosmorama é ousado e consistente. Passamos pelas cidades do Porto, Coimbra e Lisboa e observei que os livros da Cosmorama são bem distribuídos. Em quase todas as livrarias que entrei, vi exemplares. Em Madrid, a apresentação de amphibia aconteceu no Café Ruiz, bem no centrão da cidade e foi organizada por Javier Díaz Gil, que coordena o projeto Tertulia Literaria Rascamán. Um grupo numeroso de poetas que se reúne para ler e comentar sobre a produção deles mesmos e de outros também. Na foto acima, Eliana e eu mandando ver o poema "No lugar que não se respira" e abaixo os poetas de Madrid.

AMPHIBIA, Porto

2010-04-16T17:58:00.000-07:00

Amphibia

Ricardo Corona

Apresentação

4ª-feira, 21 de Abril, 21.30h

Cosmorama

Rua Calouste Gulbenkian, 201/Porto

AMPHIBIA em Madrid

2010-04-16T17:55:00.000-07:00

Dia 28 de abril apresentarei meu livro amphibia em Madrid
no projeto
Tertulia Literaria "Rascamán"
coordenada pelo poeta Javier Díaz Gil
http://javierdiazgil.blogspot.com
Café Ruizc/ Ruiz nº 11. Madrid (España)
18 a 21 horas

Blog de la Tertulia http://bitacoratertuliagaldos.blogspot.com/

ALFABETO MÓVEL, Portugal II

2010-03-28T05:12:00.000-07:00

Está no roteiro luso Eliana e eu mostrarmos a performance alfabeto móvel. Será a vigésima apresentação desta ação que reúne vídeos feitos a partir da escrita urbana das placas de carro (pesquisa que desenvolvemos desde 2005) e poesia sonora. São 30 minutos de poesia sonora, história em quadrinhos, samplers, computador e objetos acústicos. Em medidas diferentes, apresentamos alfabeto móvel em várias cidades brasileiras. Nunca a realizamos da mesma maneira. Desta vez, em Portugal (Coimbra, Lisboa e Porto), estamos levando alguns objetos acústicos novos.

alfabeto móvel
eliana borges
ricardo corona

sinopse/release

alfabeto móvel é feita com o uso da voz e o corpo, por meio de elaborações fonéticas e/ou efeitos sonoros de equipamento eletrônico e associada a vídeos e cenário. criada e executada pela artista plástica eliana borges e o poeta ricardo corona, que lançam mão de recursos vários para conectar, em terreno interdisciplinar, linguagens e expressões que vão desde a poesia até o vídeo-arte, da história em quadrinhos à música eletroacústica. para os autores, o objetivo principal é dinamizar o rito e envolver o público em um contexto de livres associações entre as linguagens. criar o ambiente apropriado para as linguagens acontecerem com som, cor, luz, tempo, espaço, movimento, ação. no repertório, narrativas e poemas do livro amphibia, de ricardo corona, recentemente publicado em portugal pela editora cosmorama. os poemas contêm características e oralidades retrabalhadas a partir da cultura popular e da expressão sem linguagem (“o povo é um inventa-línguas”, in: haroldo de campos) da fala de rua brasileira; destacam-se os poemas percussivos: tupi tu és, chamada e baka, os quais, segundo antonio cicero “são poemas fonopaicos cuja sonoridade singular resulta da imbricação de fragmentos temáticos, palavras e ritmos (e arritmias) pertencentes a culturas orais primárias e contemporâneas”. ricardo corona e eliana borges produzem conjuntamente há aproximadamente 20 anos. seus trabalhos estão no âmbito da relação entre as linguagens que cada um atua individualmente: poesia e artes plásticas.

AMPHIBIA, Portugal I

2010-03-27T17:15:00.000-07:00

No dia 21 de abril (21h30) apresentarei meu livro de poemas amphibia na cidade do Porto.

Será uma conversa sobre poesia seguida de leitura sutil de alguns poemas. Buscarei aquilo que disse Arturo Carrera certa vez: "um teatrinho dentro do poema: para não esquecer-se. Aquilo que os franceses e os ingleses dizem par coeur, by heart, e nós de memória."

O motivo desta honra é a publicação de amphibia pela Cosmorama, conduzida pelos editores José Rui Teixeira, Jorge Melícias e João Manuel Ribeiro. A casa editorial portuguesa tem uma coleção dedicada à poesia brasileira contemporânea e é dirigida por Luis Serguilha.

Associação Cultural Cosmorama fica na

Rua Calouste Gulbenkian, 2014050-145 Porto . Portugal

LA POESÍA DE ARTURO CARRERA - Antología de la obra y la crítica

2010-03-25T12:33:00.000-07:00

Acaba de ser publicado nos EUA (pelo Instituto Internacional de Literatura Iberoamericana) o livro La poesía de Arturo Carrera. Trata-se de uma antologia de poesia e de textos críticos de diversos autores. A edição ficou sob responsabilidade de Nancy Fernández e Juan Duchesne.

Ficha: Nancy Fernández y Juan Duchesne, editores.
La poesía de Arturo Carrera. Antología de la obra y la crítica. Pittsburgh: Instituto Internacional de Literatura Iberoamericana, 2010, 396 pp. ISBN 978-1-930744-35-6.
Introducción y prólogo a cargo de Juan Duchesne y Nancy Fernández. Los trabajos críticos nos fueron cedidos por Raúl Antelo, Ricardo Corona, Mario Cámara, Joaquín Correa, Sergio Chejfec, Nora Dominguez, Romina Freschi, Tamara Kamenzsain, Reinaldo Laddagga, Daniel Link, Anahí Mallol, Silvio Mattoni, Alan Pauls, Paula Siganevich, Saúl Sosnowski, Ariel Schettini, Diego Vecchio, Joca Wolff ; solicitamos permiso a Tamara para publicar una nota de Héctor Libertella y a Arturo para sacar unas líneas de Osvaldo Lamborghini.

Mais informações no Vanguardia y tradición, aqui

WISLAWA SZYMBORSKA

2010-03-24T14:56:00.000-07:00

Em 2005 na edição 4 da Oroboro trouxemos alguns poemas de Wislawa Szymborska traduzidos por Regina Przybycien. Um pequeno dossiê chamado "A poesia da outra margem", que publicamos na seção (C)obra.

Esta semana vi por acaso esta fotinha do pequeno Hitler na Net e lembrei imediatamente de um dos poemas de Szymborska. A poeta polonesa estava lá quando as tropas nazistas invadiram o seu país.

Primeira foto de Hitler

E quem é essa gracinha de tip-top?
É o Adolfinho, filho do casal Hitler!
Será que vai se tornar um doutor em direito?
Ou um tenor da ópera de Viena?
De quem é essa mãozinha, essa orelhinha, esse olhinho, esse narizinho?
De quem essa barriguinha cheia de leite, ainda não sabemos:
de um tipógrafo, padre, médico, mercador?
Quais caminhos percorrerão estas pernocas, quais?
Irão para o jardinzinho, a escola, o escritório, o casório
com a filha do burgomestre?

Anjinho, pimpolho, docinho de coco, raiozinho de sol,
quando chegou ao mundo um ano atrás,
não faltaram sinais na terra nem no céu:
gerânios na janela, um sol primaveril,
a música de um realejo no portão,
votos de bom augúrio envoltos em papel crepom rosa.
Pouco antes do parto, o sonho profético da mãe:
sonhar com uma pomba - sinal de boas novas,
se for pega - vem uma visita muito esperada.
Toc, toc, quem é, é o coraçãozinho do Adolfinho que bate.

Fralda, babador, chupeta, chocalho,
O menino, com a graça de Deus e bate na madeira, é sadio.
parecido com os pais, com um gatinho na cestinha,
com os bebês de todos os outros álbuns de família.
Não, não vai chorar agora,
o fotógrafo atrás do pano preto vai fazer um clique.

Ateliê Klinger, Grabenstrasse Braunau.
E Braunau é uma cidade pequena, mas respeitada,
firmas sólidas, vizinhos honestos,
cheiro de massa de pão e de sabão cinzento.
Não se ouve o ladrar dos cães nem os passos do destino.
Um professor de história afrouxa o colarinho
e boceja sobre os cadernos.

Pierwsza fotografia Hitlera

A któż to jest ten dzidziuś w kaftaniku?
Toż to mały Adolfek, syn państwa Hitlerów!
Może wyrośnie na doktora praw?
Albo będzie tenorem w operze wiedeńskiej?
Czyja ta rączka, czyja, uszko, oczko, nosek?
Czyj brzuszek pełen mleka, nie wiadomo jeszcze:
drukarza, konsyliarza, kupca, księdza?
Dokąd te śmieszne nóżki zawędrują, dokąd?
Do ogródka, do szkoły, do biura, na ślub
może z córką burmistrza?

Bobo, aniołek, kruszyna, promyczek,
kiedy rok temu przychodził na świat,
nie brakło znaków na niebie i ziemi:
wiosenne słońce, w oknach pelargonie,
muzyka katarynki na podwórku,
pomyślna wróżba w bibułce różowej,
tuż przed porodem proroczy sen matki:
gołąbka we śnie widzieć - radosna nowina,
tegoż schwytać - przybędzie gość długo czekany.
Puk, puk, kto tam, to stuka serduszko Adolfka.

Smoczek, pieluszka, śliniaczek, grzechotka,
chłopczyna, chwalić Boga i odpukać, zdrów,
podobny do rodziców, do kotka w koszyku,
do dzieci z wszystkich innych rodzinnych albumów.
No, nie będziemy chyba teraz płakać,
pan fotograf pod czarną płachtą zrobi pstryk.

Atelier Klinger, Grabenstrasse Braunau,
a Braunau to niewielkie, ale godne miasto,
solidne firmy, poczciwi sąsiedzi,
woń ciasta drożdżowego i szarego mydła.
Nie słychać wycia psów i kroków przeznaczenia.
Nauczyciel historii rozluźnia kołnierzyk
i ziewa nad zeszytami.

Wisława Szymborska
Tradução de Regina Przybycien

A reinvenção do poeta, segundo Márcio Santos

2010-03-08T02:47:00.000-08:00

O jornalista e escritor Márcio Santos esteve aqui em casa para uma conversa com o objetivo de fazer a matéria que está na Gazeta do Povo/Cultura G de hoje.

ELIANA BORGES E ROSEANE YAMPOLSCHI

2010-03-05T16:39:00.000-08:00

Na próxima quinta-feira, dia 11 de março, a partir das 18h30 é a abertura da exposição nem tudo é provisório, de Eliana Borges e Roseane Yampolschi.

Sobre a exposição? No texto do catálogo Eliana escreve: "em nem tudo é provisório, o tempo, que na música é o elemento principal, se une a outros aspectos das artes visuais: luz, cor, espaço físico e objeto. a visualidade, a performance e a plasticidade são elementos secundários ou mesmo inexistentes na criação musical tradicional. nesta pesquisa, o sentido da escuta se integra ao espaço plástico e faz repercutir não somente as qualidades materiais dos objetos e sua relação com a arquitetura mas a ressonância de nossos corpos – daí deriva a percepção de nós mesmos em diálogo ativo entre as pessoas e as coisas."

E Roseane: "da natureza da arte interdisciplinar, diz-se que ela nasce e permanece híbrida. é o limite entre as suas bordas que atualiza a inter-relação entre os seus universos artísticos materiais e prevalecentes; é o limite entre as suas estórias que move as expectativas criadas pela memória, imaginação e sentidos. da natureza interdisciplinar, diz-se que ela nasce híbrida, conjugada e imperfeita como uma estrela."

nem tudo é provisório *
manoel ricardo de lima

eliana me escreve e conta que todos os títulos são provisórios. depois ela continua e diz firme que gosta de frases. pede pra eu ligar, que posso ligar a cobrar, que ela está com problemas com a telefônica, que ela não consegue, sempre dizem que meu número não existe. que talvez eu viesse a curitiba, mas curitiba agora é longe. ela parece rir disso tudo e comenta, por fim, que caímos numa cilada. remeto imediatamente esta fala aparentemente à toa, mas nunca desleixada, de eliana borges ao que mais parece lhe interessar em todo o seu trabalho, como uma desconfiança: o lance em desequilíbrio e ininterrupto de que nem tudo é provisório. e se isto aparece como título nem é preciso esticar demais o olho: nem tudo é provisório. e isto é uma repetição, mas não um enfado. porque isto é, no trabalho de eliana borges, uma política e uma diferença. e aí, desavisados, podemos nos enganar a todos, porque ela mesmo nos avisa abrupta e distraidamente: você sempre pode cair numa cilada ou, como um cancro aberto no mundo e na história e com seu corpo incluso, já caímos todos numa cilada.

a tarefa imprecisa e generosa do encontro da artista visual eliana borges com a música de roseane yampolschi é armar uma tensão nisto a partir do que elas chamam de instalações sonoras. e esta linha tensa só aparece menos tênue e mais rigorosa nestas instalações quando algum espectador minimamente aberto e atento desdobra a questão do quanto pode uma cilada, até onde pode uma cilada, até quando pode uma cilada, até se e se numa cilada o que somos etc. e se toda arte é ardil, emboscada, astúcia, armadilha e impasse, este encontro e esta conversa de eliana e roseane reiteram o passo e desfazem algumas pegadas severas e marcadas. e, assim, é possível pensar numa saída tangente de um plano meramente estético da arte para uma inserção ativa de participação ética, é possível pensar que ao mover a história para abrir nela um buraco se abre também outro espaço de percepção, uma desconfiança e uma cilada. o trabalho de eliana borges se junta à música de roseane yampolschi para aumentar o tamanho dessa possibilidade, para aumentar o tamanho desse desdobramento e rasgar a história pelas beiradas.

e são as beiradas [pelas beiradas], neste trabalho de eliana e roseane, que se movem porque desfazem qualquer ideia de centro. mas nem tudo é beira, e onde nem tudo é beira é porque nem tudo é centro. repare que, atônitos e sem mapa, ficamos quietos e em silêncio devido a uma música que pinga sorrateira dentro de nossos ouvidos. isto nos leva a um outro desenho de nós mesmos, ou a um outro desenho do cosmo, como aquele imaginado por platão no timeu: dizia ele que o cosmo é uma imagem móvel da eternidade que se constitui numa dimensão de extremos, e qualquer tentativa de mensurá-lo se apresenta como descabida ou é uma tentativa que parte sempre de uma expressão inadequada. nos damos conta de nossa insuficiência e da insuficiência do espaço onde estamos e, principalmente, de nossa relação com o espaço, entre sons avariados e qualquer sentido de lugar. se ocupamos o espaço com aquilo que colocamos nele para matar o tempo, lembramos e esquecemos que colocar é, sempre, deixar ao lado ou deixar de lado. manter e aniquilar: aufhebung. este é um ponto circular e interessantíssimo destas instalações sonoras.

e note-se: estas instalações sonoras são uma compósita, uma arquitetura nascente e movente de sons e de barro em que nem tudo é margem e nem tudo é dobra, nem tudo é linha e nem tudo é canto. daí tudo pode vir como evocação e também como esquecimento no meio desta mistura de barro e som, como um desamparo. um apontamento de que toda memória é plena de esquecimento, de que todo esquecimento é pleno de quase nada, e de memória. repare que, atônitos e sem mapa, voltamos a ficar quietos e em silêncio diante de pequenos seres redondos quase jogados ao léu no meio desta sala, da sala ao lado e de mais uma terceira sala. é esta trinca de salas que refaz o jogo com o espaço descentrado. nelas, soltos e famintos, estes pequenos seres de cerâmica se abrem como se um casulo errado, como se mínimos instrumentos musicais de uma origem que lambe o primitivo do mundo e do homem: a cada um o seu gosto, a sua falta, algum desejo, algumas afecções e todas as imagens desordenadas de nossa ordem coletiva.

se totens ou cifras tanto faz. sagradas ou profanas, a quem cabe? profanar o improfanável vem como tarefa política e ética do risco afirmativo deste trabalho de eliana borges e roseane yampolschi: nem tudo é provisório. e por isso, diante deste trabalho, passamos a morar numa pulsão desmedida para recuperar alguma cena ancestral no meio destes pequenos seres desconjuntados de buraco e música: pegar e ouvir, tocar e remoer, entrar neles etc. participar deles com o nosso mais embaraçado desejo de retirar e restituir a cada um deles e a nós um uso comum, para gerar um princípio constitutivo de uma comunidade possível: desejar é a coisa mais simples e humana que há, o corpo dos desejos é uma imagem, o que é inconfessável no desejo é a imagem que dele fizemos, o desejo inconfessado somos nós mesmos etc, diz giorgio agamben. e o que e o quanto ainda se pode dizer quando e onde nem tudo é provisório?

* escrito especialmente para o catálogo da exposição nem tudo é provisório

Espaço de relação

2010-02-17T08:22:00.000-08:00

Na revista Poiésis 13 (está em circulação) tem um ensaio que fiz sobre performance. O texto se chama Espaço de relação e também faz parte do quarto capítulo da minha dissertação sobre a relação poesia-performance. Mais abaixo está o telefone (não achei e-mail) da revista para os interessados em conferir o ensaio completo. É um texto longo, que tomou 11 páginas da revista. Segue aqui um pequeno trecho:

(...)

A performance é uma prática artística habitualmente relacionada às artes visuais, mas cuja ação se estende para outras categorias artísticas – teatro, música, dança, literatura –, e justamente por isso, pela dificuldade de perceber o seu pertencimento, permite também o abandono dessas categorias, sem negá-las, mas relevando sua qualidade de trans-gênero. A sua ação está voltada mais para a implosão destas categorias, mas sendo condição extrair-lhes o que delas necessita para fazer-se. Comumente, chama-se happening o que é performance e reciprocamente. Ou ainda, dissocia-se radicalmente uma prática da outra. Ora, ambas as leituras deixam de aperceberem-se dos embates que advêm da sutileza dessa margem. A ação no happening se dá ao improviso, impelida com mais força a não repetir-se, mas, sobretudo o não repetir-se diante do registro que impossibilita o uso e que tem o seu lugar tópico no Museu. Podemos dizer que a ação no happening expressa o usar uma única vez contra a impossibilidade do uso. A ação, ao morrer, viverá. A ação na performance se dá de maneira ensaiada e segue, portanto, um roteiro, o que a deixa mais suscetível ao registro, mas também lhe convém contrariar a repetição. Estas suaves diferenças, contradições próprias que podem muito bem ser apropriadas convenientemente antes de serem usadas como características funcionais para categorizações. Com efeito, ao não se encerrarem em si – senão o distender aqui se anunciando também não teria razão de – compreender-se-á a ação no happening como uma suposta improvisação e a idéia de que a preparação antecipada da ação performática permitirá um tempo flexível para que se tenha sempre o frescor da primeira vez. É preciso dizer, de forma contundente, que ambas se distanciam de um conceito de repetição, visto em outras ações ao vivo como o show de música e a peça de teatro, por exemplo. Mutatis mutantis. Ambas as ações estão fora de um conceito de forma e mantendo uma relação contraproducente com a cópia. Pois na performance, quando repetida trairá sempre a ação anterior, recusando-se portanto à cópia, e no happening, por ser ainda mais impraticável a sua repetição, por causa do alto grau de improvisação envolvido, poderá dar-se à repetição, mas isso fatalmente o transformará em performance. São artes indóceis ao registro museológico, no dizer de Giogio Agamben: “Uma após outra – a arte, a religião, a filosofia, a idéia de natureza, até mesmo a política – retiraram-se, uma a uma, docilmente, para o Museu.” (2005, p. 73) É o que acontece, mesmo quando o filósofo expande a sua significação, além do mero espaço físico e lugar declarado: “museu, na medida em que esse termo indica simplesmente a exposição de uma impossibilidade de usar, de habitar, de fazer experiência.” (2005, p. 73). Performance e happening, nas suas aversões à repetição e, assim, ao registro, são indóceis no sentido de que podem permitir-se ao desuso, mesmo o do museu, mas não sem algum tipo de problema na ordem da receptividade, da transferência de código, às vezes, ocasionando um nível insuportável de fakeização... Jorge Glusberg defende que as performances podem ser difundidas através de revistas, filmes e vídeos. Mas isso necessariamente “altera a estrutura matriz” e a performance se transforma “em outra coisa pelo fato de que seus significantes são distintos ao atuar em outro nível que o da linguagem-objeto inicial”. (2009, p. 60)
Por isso a relação, como acontecimento da ação no espaço, fende os gêneros e categorizações chamando-nos a atenção para outras importâncias dessa arte, cuja entrada sempre será a relação. A ação que se dá à relação, tanto na performance quanto no happening, cria um espaço bastante singular. De alguma maneira, esse espaço de relação está em consonância com as idéias de Édouard Glissant na sua poética da relação, na prática do outro, na diversidade e no caos-mundo. Especialmente quando estas declaram um percurso no sentido da “oralização” da literatura, “por um lado porque há poesias orais coletivas que se desenvolvem; por outro lado porque está havendo ‘oralização’ das técnicas da escrita” (2001, p. 126) Idéias essas que tangenciam outros discursos e de outro modo permitem dizer algo mais sobre esse espaço da ação performática, espaço de relação.

(...)

Poiésis n. 13, 2009, págs. 81-92
Revista do Programa de Pós-Graduação em Ciência da Arte
Instituto de Arte e Comunicação Social
Universidade Federal Fluminense
Tel.: 21 2629 9672

Literatura e tabaco

2010-02-14T16:00:00.001-08:00

Clássicos da literatura imitam maços de cigarros. A editora britânica TankBooks lançou uma série de clássicos da literatura imitando maços flip-top de cigarros. Os volumes cabem no bolso, podem ser transportados de um lado para o outro. Os livros são: A Metamorfose e Na colônia penal, de Kafka; O coração das trevas, de Joseph Conrad; A morte de Ivan Ilich, de Tolstoi; Invicto, de Hemingway, entre outros. Cada livrinho vem embalado em papel alumínio por dentro e celofane por fora. Taí, literatura a baforadas.

2010: DUAS OFICINAS EM CURITIBA

2010-02-01T04:59:00.000-08:00

Já estão abertas as inscrições para as oficinas de análise e criação literária.

Informações: 3321 3317

São oficinas de poesia, dramaturgia e literatura com vários escritores:

Paulo Sandrini, Mônica Berger, Glória Kirinus, Amarildo Anzolin, Assionara Souza, Otto Leopoldo Winck, Jane Sprenger Bodnar, Simone Kobachk, Ricardo Corona, Mário Domingues e Paulo Afonso Castro.

E com vários conceitos.

As minhas duas são de poesia.

Uma está relacionada à poesia falada e a outra de poesia e performance. Mas num determinado momento ambas as oficinas vão se "encontrar".

Veja abaixo as propostas das minhas oficinas.

FAZER PARA A VOZ
Oficina de estudo e criação poética
Ministrante: Ricardo Corona

A oficina propõe como objeto de análise, leitura, criação e gravação a poesia feita para a voz. Um dos objetivos será identificar uma linha “proto-fala” dentro da nossa tradição brasileira. Após esse recorte de investigação poética, passaremos à experiência de criação do próprio poema e a sua apresentação ao vivo. Os poemas criados pelos participantes também serão selecionados com objetivo de gravação em estúdio.

POESIA EM PERFORMANCE
Oficina de estudo e criação
Ministrante: Ricardo Corona

A performance é uma prática artística habitualmente relacionada às artes visuais, mas cuja ação se estende para outras categorias artísticas – teatro, música, dança, poesia, artes visuais – e, justamente por isso, pela dificuldade de perceber o seu pertencimento, permite também o abandono dessas categorias, sem negá-las, mas relevando a sua qualidade de transgênero.
A questão central dessa oficina será o lugar do corpo do poema no espaço da performance. Uma vez que a singularidade da performance abre caminho para uma relação de transcendência, de poema e corpo, na qualidade que um objeto tem de exceder as fronteiras da própria classe ou do próprio âmbito. Ao término do curso será feita uma apresentação pública das performances.

JIM MORRISON

2010-01-16T13:21:00.000-08:00

Bater asas
Abater
Os ventos fortes do Karma

Sereias

Risos & vozes juvenis
na montanha

...

Entidades

o Negro, África

Tatuagem

olhos cheios de tempo

tradução Ricardo Corona

RÁDIO BLÁ

2010-01-12T15:40:00.000-08:00

Apesar da correria que foi o ano que já dormiu, deu tempo para participar de um programa de rádio muito bacana chamado Perfil Literário, da Rádio Unesp FM de São Paulo.
O programa tem um ano de existência e já acumula uma centena de ótimas entrevistas.
Gostei em especial da proposta de entrevistarem artistas de todo tipo; de Nuno Ramos à Luiz Ruffato, por exemplo.
O programa é conduzido pelo Oscar D'Ambrosio, coordenador de imprensa da Unesp e uma figura muito simpática que conheci ao telefone...
Para quem quiser conferir a minha entrevista, procura a do número 333, depois de clicar aqui

ARTURO CARRERA I

2009-12-29T09:44:00.000-08:00

A editorial Mansalva (Argentina) acaba de publicar um livro de ensaios de Arturo Carrera. No breve texto que o autor fez circular (reproduzido abaixo), percebe-se que não são ensaios comuns, mas murmurados. Quanto mais leio Arturo Carrera mais sinto o “agora” bonnefoyiano, aquele aludido como “presença” (Blanchot), um algo que não tem nome, onde nada se constitui, nem mesmo o nada, senão o “improvável” no lugar da “economia geral do ser”. Murmure Arturo. Murmure.

...

“Estive ‘murmurando’ esses textos em distintos âmbitos – apresentações de livros, alguma que outra conferência, alguma que outra intervenção nos chamados congressos de literatura. Enfim... Não são fatos, não são autobiográficos, são apenas sensações. Joseph Brodsky disse uma vez que as biografias dos poetas estão presentes nos sons que fazem. Sendo assim, esta é uma provável biografia e assim o fiz constar nas datas que iniciam cada “ensaio”. Porque tenho considerado todos estes rascunhos meus como parte desses ruídos estranhos e rítmicos: uma voz. O sujeito e personagem dos textos não sou eu, mas o murmúrio. Aquele murmúrio que não é outra coisa senão um desafio humano diante da morte. Uma constatação serena, insidiosa e apenas perceptível do que somos (nossa vida), mas na instância da leitura e escrita (nossa grafia improvável).” (Arturo Carrera)

Info: http://www.mansalva.com.ar/home.php

ARTURO CARRERA II

2009-12-29T09:24:00.000-08:00

O Instituto Internacional de Literatura Iberoamericana, de Pittsburgh (EEUU) publicará em janeiro de 2010 um livro que reúne uma antologia poética de Arturo Carrera e uma seleta de ensaios críticos produzidos por estudiosos da obra do autor argentino. Do Brasil, participam Joca Wolff, Raúl Antelo e Ricardo Corona.
O volume integra a coleção Cornejo Polar e foi organizado e editado por Nancy Fernández e Juan Duchesne Winter.

Mais informações http://vanguardiaytradicion.blogspot.com/2009/12/sonia-budassi-y-nancy-fernandez.html

AOS QUE SEMPRE ME PERGUNTAM SOBRE OROBORO E MEDUSA, TAÍ:

2009-12-28T15:25:00.000-08:00

De como morder o próprio rabo

Jogar uma mulher de cabelos compridos na hélice de um helicóptero é baba. Furar a jugular de um aposentado é mole. São crimes comuns que rendem quando muito uma notícia. E o som da sirene da polícia. Quero ver é matar uma revista. Sempre que penso em revistas me vêm à mente dois tipos de assassinos. O sério e o serial. O primeiro pertence ao mainstream e o outro ao mundo outsider. Fazer uma revista independente é um tipo de assassinato que não compete ao assassino que se move pelos meandros do mercado. Veja bem: eu disse fazer (poiésis), cujo significado remonta a idéia de poesia. A palavra poesia vem do grego, poesis, substantivo derivado do verbo poieô que indica a ação de fazer. Poeta, conseqüentemente, significa aquele que faz (poiétes). Quero dizer da íntima relação que o ato de fazer uma revista independente tem com as acepções do termo poieô: fabricar, confeccionar, criar, produzir, fazer nascer, causar, buscar, investigar, fazer por si, fazer segundo seu gosto, criar por si, fazer a si mesmo, apreciar e julgar. Por isso não é nada fácil matar uma revista independente. Aí é que entra a persona do serial. Conforme Henry Miller, todo poeta é um assassino em potencial. Disse isso não sem aquele sorrisinho na cara. E se o poeta é um assassino então até as revistas devem morrer. Mas revistas também são feitas por artistas plásticos. Mas artistas plásticos são assassinos químicos. Depois de matar, eles plastificam a vítima. Artistas plásticos também praticam o verbo poieô, aquele que indica a ação de fazer. E o sério? O outro assassino, das revistas dependentes do mercado? Este mata em grande escala. Mata toda a cadeia da comunicação que se inicia nele mesmo e chega ao leitor, esse pobre escrevinhador de cartas. É o autocídio voluntarioso. Mas o crime mais sério do Sério é a publicidade. Ou seja, trata-se de um assassino sério que vende corpos frescos. Enquanto o assassino da revista independente, por não pertencer ao mercado, não vende corpos, apenas os exibe. Este assassino de revistas independentes compactua com a lógica do serial killer. Por opção e etimologia nas mãos desse exímio e controlado matador, a vida da revista é uma questão de série. Mas diferente do assassino sério, anexado ao mainstream, o serial killer tem número e edição para acabar porque planejou uma obra com começo, meio e fim. E por isso goza a morte de sua revista. E não há anúncio ou número de vendagens estratosférico que valham mais do que o prazer de matar a própria revista. Só assim poderá voltar a morder o próprio rabo. E etc.

POESIA DAS AMÉRICAS EM LIVRO DE CHARLES A. PERRONE

2009-12-11T04:38:00.000-08:00

Charles A. Perrone, o norte-americano mais brasileiro que conheço acaba de publicar o livro Brazil, Lyric, and the Americas, um estudo arrojado das relações entre a poesia brasileira contemporânea e as Américas. Poemas e poetas multi-americanos são chamados ao diálogo cujo enfoque é o da relação. A visão crítica de Charles A. Perrone, comprovada em outros livros (Letras e letras da MPB, por exemplo), procura sempre expandir os próprios limites, sejam eles quais forem. Vale conferir.

Brazil, Lyric, and the Americas
Charles A. Perrone

"This is Perrone at his most brilliant. Erudite but accessible, thorough but playful: Brazil, Lyric, and the Americas is the latest contribution by the most knowledgeable U.S.-based scholar of the Brazilian lyric."--Severino Joao Albuquerque, University of Wisconsin"Perrone retraces the dialogue of the Brazilian lyric with the poetry of the Americas in the generous spirit that the poets' utopia of solidarity will serve as a counterpoint to the harsher side of globalization."--Luiza Moreira, Binghamton UniversityIn this highly original volume, Charles Perrone explores how recent Brazilian lyric engages with its counterparts throughout the Western Hemisphere in an increasingly globalized world. This pioneering, tour-de-force study focuses on the years from 1985 to the present and examines poetic output--from song and visual poetry to discursive verse--across a range of media. At the core of Perrone's work are in-depth examinations of five phenomena: the use of the English language and the reception of American poetry in Brazil; representations and engagements with U.S. culture, especially with respect to film and popular music; epic poems of hemispheric solidarity; contemporary dialogues between Brazilian and Spanish American poets; and the innovative musical, lyrical, and commercially successful work that evolved from the 1960s movement Tropicalia.Charles A. Perrone is professor of Portuguese and Luso-Brazilian literature and culture at the University of Florida.

Brazil, Lyric, and the Americas
Details: 264 pages 6 x 9 Cloth: $69.95 ISBN 13: 978-0-8130-3421-8 ISBN 10: 0-9130-3421-3 Pubdate: 2/21/2010
http://www.clas.ufl.edu/bookbeat/200912_bookbeat.html

Meu exemplar ainda não chegou e por isso não sei exatamente quais poemas e poetas Charles A. Perrone acabou por selecionar. Quando o livro chegar, prometo postar alguns poemas. Por enquanto, eis o meu:

AGUAFUERTE PORTEÑA

América,
ao norte e sob um sol falso,
teus filhos se afastam
do aroma dos prados.

Os mesmos filhos
que atuaram contra a desobediência civil
de Thoreau
e fazem da democracia
um inimigo invisível.

Os mesmos
que têm a melanina impermista
e detestam semente
de melancia.

São eles, América,
os benevolentes
que cobram somente os juros
da dívida do terceiro mundo.

São eles, América,
os beneficiários
que cumprem religiosamente a sua parte
na permuta de cifra bélica.

Os mesmos
que sacodem bandeiras
quando tropas ultrapassam fronteiras
e nutrem
um orgulho cívico
para cada medalha espetada no peito
das baixas
devolvidas à vida civil.
América, são eles,
os mesmos de sempre,
que, a cada estação,
reimprimem a cicatriz neo não
e reorganizam etnias
em açougues.
São eles, América,
os adeptos da assepsia
que os deixa menos imunes
ao terror químico.

São eles, América,
os jogadores de cassino
que inflam suas bolsas escrotais
com o sobe-e-desce da Nasdaq
– o mundo que se foda
com seus bolsões de pobreza.
São eles,
sim, são eles, América,
os mesmos
que têm a maior indústria de entretenimento
do planeta
e representam grande parte da tristeza
existente neste
mundo.

Não, América,
não são os que Walt Whitman separou
feito as folhas da relva
e os fez americanos.

Os americanos estão dentro da América
– ao sul, ao norte e ao centro –,
feito o anagrama
“Iracema”.

Corpo sutil (Iluminuras, 2005, p. 74, 75 e 77)

Amphibia

2009-11-11T10:21:00.000-08:00

Esta semana recebi a ótima notícia de que o meu livro Amphibia já estava no site da editora portuguesa Cosmorama (http://catalogo-cosmorama.blogspot.com/). Ainda não peguei em mãos o livrinho que mostrará parte da minha poesia (pois reúne num só volume Cinemaginário e Corpo sutil) para o público português e estou entusiasmadíssimo com a ideia. Abaixo, pra celebrar, um poema e a apresentação do poeta uruguaio-mexicano Víctor Sosa, parte espanhola das três línguas que compõem Amphibia.

VENTOS E UMA ALUCINAÇÃO

1.
sol tórrido no
aljazar

(lascas de zinco refletindo)

sol batendo
no sal

2.
das costas
do homem na barcaça
— e deu-se à estampa

(um sopro quente passa)

um caligrama na asa
do anjo
aprendiz da chuva

3.
rubricando, rebatendo
no arco-íris riso
da híbrida holografia

(do solo sobe um hálito quente)

espumas ainda agonizam
e novamente
o mar traz à margem sua franja

4.
atrás das pálpebras
o olho dá forma ao sol
: bola vermelha

(um vento mantra passa)

a íris fosforesce
aureolando as pupilas em brasa

5.
no cine Céu
a sessão inicia pelo fim

(o rubro horizonte nubla de repente)

barbatanas no céu anfíbio
guelras no céu íntimo

6.
hojes mais longínquos
lembram
ontens ancestrais

(um peixe roça a pele da pedra)

há uma escritura definitiva
nas estrelas
sílabas

7.
: a gula de luz
de uma galáxia canibal

(a lua finge mas já reflete sóis)

há anos-luz daqui
Andrômeda é a esfinge
da via-láctea

Anfíbios sutis
por Víctor Sosa

Ricardo Corona é um artista completo. Poeta, sim, mas um poeta que sabe como integrar a imagem escrita à imagem sonora, o ritmo à ideia, o necessário substrato oral e corporal a um claro conceito. Suor e sintaxe, fôlego e sólido fundamento, estrutura que flui: pedra evaporada em sons. Este equilíbrio entre o etéreo e o denso, entre o melódico e o rítmico, entre o que ruge e o que sussurra, é o atributo de uma sensibilidade poética − insisto − completa e − sem dúvida − singular. Mas como Corona alcança esta singularidade expressiva? Escutando. Ouvindo com atenção essa tradição − a sua, a nossa, a de muitos − chamada modernidade. Porque todo poeta é um acúmulo de vozes, de influxos, de permanentes ou efêmeros feitiços que ressoam, consonam, reverberam nessa caixa de ressonância com nome próprio que, neste caso, se chama Ricardo Corona. Nela se entrecruzam e se integram (ou seja: se fazem outros na hibridização) alentos como Pound, William Carlos Williams, Leminski, Kurt Schwitters, Hugo Ball, Lautréamont, Ginsberg, Jim Morrison, Mallarmé, Jerome Rothenberg ou Haroldo de Campos. Mas a modernidade e seus representantes também se formam de outras tradições e apropriações culturais, feito o dadá com os cantos tribais, Pound com a poesia chinesa antiga, Rothenberg com as poéticas “primitivas” da Nova Guiné, e tantos outros artistas − até chegar a Corona, que também se alimenta de cantos dos índios yanomami ou dos suruí de Rondônia, bem como dos ritmos próprios das tradições afro-brasileiras. Assimila-se os alimentos com seus diferentes nutrientes até fazer parte de um novo organismo gestor, de um novo recipiente em atenta reciprocidade com aquilo que recebe. O poeta recebe e dá, mas nessa dialética nutritiva se funda sua voz, sua sintaxe peculiar, seus acentos e silêncios − isso que é chamado estilo e que é, sobretudo, respiração personalizada na linguagem. A respiração de Ricardo Corona − que nasce da sua experiência corporal com a linguagem − é reconhecível por sua coerência. Uma coerência nascida, como já disse, do equilíbrio, da emoção − sempre necessária − aquilatada na contenção e ritmo, do assombro diante do mundo que vira palavra. Em Cinemaginário (1999) já vemos essa coerência, essencial, em que confluem mundo e língua: “há uma escritura definitiva / nas estrelas / sílabas”. O universo como livro a decifrar (em correspondência com Baudelaire), mas também como meditação mântrica para além de toda explicação logocêntrica: “um vento mantra passa”, e esse vento funde som com sentido, meditação com reflexão, corpo com intelecto, natureza com cultura. Corona desenha o mantra no verso e vemos (ouvimos) esse vento-verso-mantra nas ondulações da linguagem. Concentrada sintaxe poundiana, mas também, sempre, celebração nessa “poesia // na farra na liga // das línguas!”. Celebração amorosa onde o amor se reúne num espaço análogo, abrangente, igualmente grandioso: “e o amor / não é maior / nem menor / que o mar”. A sabedoria de Corona está em aceitar essa pulsação de amor e mar, assim como na consciência da escritura pessoal que se faz e desfaz no mar da linguagem, nesse fluxo de influências imantatórias, nessa constante metamorfose da poesia: “Ondas deslizantes / redesenham / onde outras ondas ainda / desredesenharão, / fluindo / no fluxo / da influência”. O mundo em constante remodelação (mais natural que divino) e a escritura em sintonia com esse fluxo. Tudo desenha uma mágica causalidade como quando “a chuva desce / pelo cheiro / a terra agradece” e “como as pedras duras / um dia acordam dunas”. Corpo sutil (2005) prossegue nesta pesquisa sobre a linguagem e o mundo, e também sobre esse delicado equilíbrio − corda tensa − por onde Ricardo Corona avança. E começa com uma referência à linguagem zaum do poeta russo Khlébnikov, que deve ser entendida como uma piscadela para o leitor, uma maneira de enfatizar não somente uma escritura preocupada com sua sonoridade, mas também uma leitura que deve ser feita com uma atitude participativa e não passivamente; Corona exige leitores cúmplices que ouçam “o ideograma de Confúcio (...)/ a escultura sonora de Zappa / o sol dos sacerdotes do Egito (...)/ a bondade do bonsai / a estampa de Átila (...)/ o Rio de João Gilberto (...)/ o sachê perfumado do Buda...” e que olhem também, simultaneamente, aquilo que ouvem. Porque a poesia é uma coisa para ver e ouvir, e é algo que se faz com todo o corpo (sutil). Poesia-palimpsesto onde vemos (ouvimos) um dia de verão com as roupas que se agitam no varal e, por sua vez, um ônibus que voa pelos ares, uma mesquita que explode, um menino palestino morto; realidades simultâneas vistas-sentidas-ouvidas pela televisão, o cinema, os jornais de cada dia. Massa de imagens e carne humana, de palavras que brincam com corpos: palimpsesto de vida. Palimpsesto e anfíbios. Zona líquida. “As palavras são peixes dentro d’água” e vão movendo-se (“tá viva a letra”) “no fluxo vivo sem capítulos, / contra a métrica das ondas”. O corpo sutil de Corona é aquoso, não por debilidade, mas por profundidade, por densidade ancestral, por ser anfíbio: “menino-peixe, meio fauno / meio deus marinho / que Iemanjá devolve ao mar”. Também, “uma ninfa montada numa égua d’água” atravessa o corpo sutil desse livro: “livro feito de água”, livro perfeito “porque não se pode / guardar”, como o rio-livro de Heráclito, o livro-peixe de Corona não quer ser eterno, quer se diversificar na densa unidade “no lugar que não se respira / ar”. Em “Estilo da boca”, também anfíbia e dialógica, irrompe a oralidade de Jardelina da Silva e com ela a poesia de cada dia, a gargalhada, a primeira pessoa do singular, a que leva o mundo inteiro dentro de si. Corona se deixa penetrar por esse mundo, por essa fala, porque “tudo que eu falo é o planeta”, e olha de soslaio e escuta os múltiplos sentidos e olha para dentro e olha para fora e abandona a velha poesia vertebrada. Corona transforma-se num invertebrado da língua: “bate n’água / rebate n’alma”, e, com o ouvido atento, faz-se tambor, coração-tambor: bomba. Faz-se tupi na fala percussiva: “ondéquetão / ondéquetá / ondéquetão / ondéquetá” e torna-se somali e, com os cantos dos índios suruí, espírito das águas. Naturalmente, a condição do poeta é ser muitos, e Ricardo Corona flui em sua multiplicidade e metamorfose das formas. Contra o fragmento, cria fractais; contra os buracos negros, cria música; contra o caos, cria silêncios límpidos, estruturas cristalinas e aquosas, poemas-anfíbios. Como diz em Corpo sutil: “contradizer até o fim (...)/ boca maldita não é beata / língua má não cria fungo”. Contradizer o sentido comum, contradizer o politicamente correto, contradizer Caetano Veloso, contradizer a si mesmo: “escrevo para não ser chamado de poeta”, porque “quem me inventou / criou o seu avesso”. Sem dúvida: “a poesia não cabe numa vida”; sem dúvida: a poesia é um longo processo de desobediência; sem dúvida: “a posição da poesia é oposição”. O poeta Ricardo Corona está fazendo um verdadeiro e profundo trabalho de oposição com sua poesia, e o faz com inteligência, com sensibilidade e com um sincero compromisso ético com o mundo e com a linguagem. Integridade, tão sutil quanto corporal, a que devemos agradecer com nossa leitura cúmplice.

Cidade do México, dezembro de 2008.

TORTOGRAFIA

2009-11-03T12:25:00.000-08:00

O trabalhos abaixo fazem parte do livro Tortografia (meu e da Eliana e editado pela Iluminuras, 2003). São trabalhos-pausas da nossa conversa infinita sobre arte. Esse livro representa isso. Nós fizemos trabalhos que contêm poesia e artes plásticas e/ou a partir do que estas nos serviram e na medida em que puderam dilatar-se para receber outras "falas" do nosso processo de criação. Um espaço de confluência que resultou em coisas que gostamos de chamar apenas "trabalhos", com desdobramentos da poesia para o universo das artes plásticas e destas para o campo poético e com intensidades variáveis. Nós buscamos um espaço que também é o da performance, em que as linguagens se abrem para o despaisamento, para o não-ser, para além da categoria. A seguir, os trabalhos 'biografias', 'micro', 'exemplar' e 'macro'.

DOIS POEMAS DE GARY SNYDER

2009-10-08T18:27:00.001-07:00

2009-10-08T18:23:00.000-07:00

ONCE ONLY

almost at the equator
almost at the equinox
exactly at midnight
from a ship
the full

moon

in the center of the sky

Sappa Creek near Singapore
March 1958

(from THE BACK COUNTRY)

UMA VEZ SÓ

quase no equador
quase no equinócio
exatamente à meia-noite
de um navio
a lua

cheia

no centro do céu

ARTS COUNCILS

Because there is no art
There are artists

Because there are no artists
We need money

Because there is no money
We give

Because there is no we
There is art

(from Axe Handles)

CONSELHOS DE ARTES

Porque não há arte
Há artistas

Porque não há artistas
Precisamos de dinheiro

Porque não há dinheiro
Nós damos

Porque não há nós
Há arte

Traduções Ricardo Corona

NEM BEATLES NEM NINGUÉM

2009-10-06T17:41:00.000-07:00

UM POEMA

2009-10-06T17:31:00.000-07:00

CÓCEGAS

ao Cauê

encostamos nossas barrigas
e rimos ouvindo o ruído
das pedras do saber
acumuladas no estômago

umbigo com umbigo
havia o dentro
(e um fora centrípeto)

o rumor no ventre
o vômito ao mestre
o cuspe ao ídolo

sem afastar nossas barrigas
com as pedras do saber
acumuladas no estômago
rimos do gozo desse rumor

AS VIOLAS DE BOLSO DE WILLIAM CARLOS WILLIAMS

2009-09-30T14:29:00.000-07:00

William Carlos Williams (1883-1963) é um dos poetas norte-americanos de minha preferência. Quase toda a sua poesia foi muito bem traduzida por José Paulo Paes. Mas creio que a edição (Companhia das Letras) está esgotada, não sei. O fato é que está um tanto sumida das rodas atuais. E Williams é imprescindível.
Para quem não sabe, o poeta era médico e passou a maior parte da sua vida na pequena cidade de Rutherford/New Jersey, na costa leste dos EUA, exercendo a sua profissão e fazendo isso, principalmente, para as pessoas mais necessitadas.
Como poeta, um “artesão”, na definição poundiana e começou a escrever sob a influência do movimento imagista – grupo de poetas ingleses e americanos liderados justamente por Pound e que levaram às últimas conseqüências a construção/captação da imagem do poema.
Se os principais poetas da época – Ezra Pound, T. S. Eliot, Wallace Stevens, Mariane Moore e outros – buscavam empreender grandes projetos (no sentido cosmopolita que se possa dar a isso) para as suas poéticas, inclusive recheando-as com necessárias citações bilíngües (vide Pound na pluraridade de referências nos Cantos, mas sob a perspectiva de que também articulava para fazer frente à lacuna deixada pela Divina Comédia, de Dante...), Williams elaborava a sua poesia com lances do cotidiano, coisas mínimas: um vaso de flores, o gato, a cabeça de bacalhau, as ameixas secas, o carrinho de mão vermelho, a árvore sem folhas, a chaminé amarela etc. Uma poesia escrita de modo particular e bem próximo do que o próprio poeta sinalizara em “The Poem”: made of particulars, wasps, a gentian – something immediate, open scissors, a lady’s eyes (...).
Por outro lado, Williams engendrou um projeto poético que pode parecer simples, mas se isso for visto como uma simplicidade oriental, ou seja, simples sem facilitação. A imagem (como no haicai) põe em funcionamento a sensibilidade sobre as coisas mínimas para um “retorno às coisas”, e aproximando ao máximo os ritmos da poesia aos da fala cotidiana.
Williams trouxe para a literatura essa "fala" inconfundível e soube “descobrir o universal no particular” em flashes precisos, enxutos, cheios de sabor, humor e surpresa, impondo um ritmo do “dizer”. Mas um dizer que mostra o assombro das coisas como elas são: “no ideas but in things” (não idéias, mas coisas).

THIS IS JUST TO SAY

I have eaten
the plums
that were in
the icebox

and which
you were probably
saving
for breakfast

forgive me
they were delicious
so sweet
and so cold

ISTO É SÓ PRA TE DIZER

Comi
as ameixas
que estavam
na geladeira

e que
provavelmente
você reservava
pro café da manhã

desculpe-me
estavam saborosas
bem doces
e bem frias

A SORT OF A SONG

Let the snake wait under
his weed
and the writing
be of words, slow and quick, sharp
to strike, quiet to wait,
sleepless.

- through metaphor to reconcile
the people and the stones.
Compose. (No ideas
but in things) Invent!
Saxifrage is my flower that splits
the rocks.

(from THE WEDGE, 1944)

UMA ESPÉCIE DE CANÇÃO

Que a serpente espere sob
suas ervas daninhas
e que a escrita
se faça de palavras, lentas e vivas, rápidas
no golpe, quietas na tocaia,
atentas.

- pela metáfora reconciliar
as pessoas e as pedras.
Compor. (Não idéias,
mas coisas) Inventar!
Saxífraga é a minha flor que fende
as rochas.

THE POEM

It’s all in
the sound. A song.
Seldom a song. It should

be a song - made of
particulars, wasps,
a gentian - something
immediate, open

scissors, a lady’s
eyes - waking
centrifugal, centripetal

(from THE WEDGE, 1944)

O POEMA

Tudo está
no som. Na canção.
Na rara canção. Melhor

que seja uma canção – feita de
minúcias, vespas,
uma genciana – algo
imediato, tesoura

aberta, olhos
de senhora – desperta
centrífuga, centrípeta

Tradução Ricardo Corona

Poesia e amigos I

2009-09-23T18:35:00.000-07:00

De vez em quando e sem muito explicar postarei algumas fotos de encontros bacanas. Esse foi no Rio quando lancei 'Corpo sutil' e Eliana Borges abriu sua exposição 'carto+grafias (subjetivas)'. Antes do lançamento e da abertura da exposição apresentei a performance 'tavivaaletra', na qual tive a honra da participação especialíssima dos poetas e amigos Antonio Cicero e Luiz Felipe Leprevost (ao lado). Por lá passou também Claudia Roquette-Pinto, poeta que admiro muito.

NOMOS NA CAIXA CULTURAL!

2009-08-27T15:52:00.000-07:00

andei meio sumidaço por motivos mil mas agora está na hora de dizer-mostrar neste zaúm algumas imagens das três noites de ação do NOMOS*performance no teatro da caixa cultural nos dias 18, 19 e 20. a emissora rtve esteve lá e fez uma matéria supimpa (veja aqui: http://www.rtve.pr.gov.br/modules/debaser/player.php?id=1632). os caras foram gente fina mesmo, pois foram lá à tarde para fazer a matéria durante o ensaio mas não deu certo e esperaram rolar toda a sessão para só depois, no final da noite, fazer a entrevista. é que estávamos pilhados e não deu para ser diferente. e a matéria ficou em cima! ponto pra rtve...

Abaixo, a ação Soneto serial, com todos nós: Paulo Demarchi, Mário Carta, Eliana Borges e Ricardo Corona. Simplesmente 'destruímos' um soneto no espaço da performance.

Na ação Ferreiro músico, de Mário Carta (concepção) e minha (desenvolvimento). Ele concebeu e fez a edição do poema que escrevi especialmente para a bateria. Bater e provocar sílabas-sons foi algo incrível de se fazer. Adorei, Mário!

Mário Carta e Eliana Borges numa das ações mais lindas de Nomos. Chama-se Afecto. Deleuze, Guattari, Lévinas, Bubber e toda a filosofia que adoramos está nela. E muito, muito mais... Concepção de Eliana e desenvolvimento de ambos.

nomos tve

2009-08-27T15:49:00.000-07:00

http://www.rtve.pr.gov.br/modules/debaser/player.php?id=1632

NOMOS performance

2009-08-11T18:16:00.001-07:00

NOMOS performance

dias 18, 19 e 20 estaremos 'agindo' no teatro da caixa (curitiba), sempre às 20h.

NOMOS é eliana borges (artes visuais), mário carta (música), paulo demarchi (música) e ricardo corona (poesia sonora), artistas desde muito tempo envolvidos com a performance em suas áreas, desta vez, sob a direção de palco de giovana de salles (artes cênicas), reuniram-se para apresentar uma sessão de performances que leva o nome NOMOS.

as ações são:

/

corredor polonês
instalação

no lugar que não se respira
(concepção: ricardo corona e eliana borges)
ação: eliana borges e ricardo corona

soneto serial
(concepção: ricardo corona - desenvolvimento: coletivo)
ação: coletiva

música nº 1 e nº 2
(composição: paulo demarchi)
ação: paulo demarchi

afecto
(concepção: eliana borges - composição: mario carta)
ação: eliana borges e mario carta

ferreiro músico
(concepção: mario carta - desenvolvimento: ricardo corona)
ação: ricardo corona

foot prints
(sobre o texto de gerhard stäbler)
ação: paulo demarchi

isso hã
(concepção: eliana borges, giovana de salles e paulo demarchi -
desenvolvimento: paulo demarchi e mario carta)
ação: mario carta, paulo demarchi etc

posse do sol
(concepção: eliana borges)
ação coletiva

caixa rústica
(concepção e composição: mario carta)
ação coletiva

/
créditos:

direção de palco, luz e figurino
giovana salles

poemas
ricardo corona

composição musical
paulo demarchi
mario carta

eletrônicos, programação e instrumentos
mario carta

instalações e vídeo
eliana borges

técnico de imagem e áudio
alexandre rogoski

produção
medusa

/

serviço:
o que é: performance
título: NOMOS
onde é: teatro da caixa, dias 18 (terça), 19 (quarta) e 20 (quinta) de agosto/2009
horário: da 20h00 às 21h00
onde fica: Rua Conselheiro Laurindo, 280 – Centro – Curitiba (PR)

ENTRADA FRANCA

Patrocínio:
CAIXA CULTURAL CURITIBA
Tel. (41) 2118 5114
www.caixa.gov.br/caixacultural

Allen Ginsberg

2009-07-21T08:59:00.000-07:00

UM SUPERMERCADO DA CALIFÓRNIA

Estive pensando em você essa noite, Walt Whitman, enquanto caminhava pelo beco debaixo das árvores com uma tímida dor de cabeça e olhando a lua cheia.
Em meu esfomeado cansaço, fazendo compras na imaginação, entrei no supermercado de fruta de néon, sonhando com suas listagens!
Que pêssegos e que penumbras! Famílias inteiras comprando à noite! Corredores cheios de maridos! Esposas nos abacates, bebês nos tomates! — e você, Garcia Lorca, o que estava fazendo ali perto das melancias?

Vi você, Walt Whitman, sem filhos, velho vagabundo solitário, mexendo nas carnes do refrigerador e flertando com os meninos vendedores.
Ouvi você perguntar a cada um deles: Quem matou as costeletas de porco? Qual o preço das bananas? Você é meu anjo?
Vaguei entre pilhas brilhantes de latas seguindo você e sendo seguido na minha imaginação pelo segurança da loja.
Percorremos os largos corredores, juntos em nossas solitárias fantasias, provando alcachofras de gosto exótico, cada delícia congelada sem nunca passar pelo caixa.
Para onde vamos, Walt Witman? As portas se fecham em uma hora. Qual o caminho que sua barba hoje indica?
(Toco em seu livro e sonho com nossa odisséia no supermercado e me sinto absurdo.)
Passearemos a noite toda nessas ruas solitárias? As árvores somam sombras às sombras, luzes apagadas nas casas, ambos estaremos sós.
Andaremos à toa e sonharemos com a hoje perdida América do amor, depois passaremos por automóveis azuis no estacionamento a caminho de nossa cabana silenciosa?
Ah, querido pai de barbas grisalhas, velho e solitário mestre da coragem, qual América era a sua quando Caronte deixou de empurrar o seu barco e você desceu na margem esfumaçada e ficou assistindo o barco desaparecer nas negras águas do Letes?

Allen Ginsberg
Berkeley, 1955
Tradução Ricardo Corona

NOMOS performance

2009-07-16T14:00:00.001-07:00

NOMOS performance

2009-07-16T13:56:00.000-07:00

NOMOS

eliana borges (artes visuais), mário carta (música), paulo demarchi (música) e ricardo corona (poesia sonora), artistas desde muito tempo envolvidos com a performance em suas áreas, desta vez, sob a direção de cena de giovana de salles (artes cênicas), reuniram-se para apresentar uma sessão de performances que leva o nome NOMOS

um dos moveres será a aproximação um do outro a ponto de não se reconhecerem poeta, músico e artista plástica

e as suas categorias desfazem-se para a performance fazer-se no espaço e, sobretudo, fazer deste espaço um lugar de sentidos incessantes

um nomadismo que aparece também nas ações, já que estas permitem serem lidas individualmente, mas não como fim ou divisa e sim como margem feita de água

as ações ocupam lugares, territórios, planos, ambientes numa deriva de gestos que esburacam o logus da definição e movem-se (nomos errático) em direção ao sentido

antes de mimar ou moldar o corpo com o significado, NOMOS move-se em espaço aberto, espaço propriamente espaçoso e mais do que especial

porque apesar do risco, o corpo deseja o gozo da não-significação

o que poderia querer o corpo nesse espaço de relação que a performance inaugura e que não pode durar?

crédito das ações:

afecto
performers: eliana borges e mário carta

ferreiro músico
performers: paulo demarchi e ricardo corona

no lugar que não se respira
performers: eliana borges e ricardo corona

soneto serial
performers: eliana borges, mário carta, paulo demarchi e ricardo corona

foot prints
gerhard stäbler
performer: paulo demarchi

caixa rústica
performers: eliana borges, mário carta, paulo demarchi e ricardo corona

posse do sol
performers: eliana borges, mário carta, paulo demarchi e ricardo corona

isso hã
performers: mário carta, paulo demarchi etc

piano patchwork sobre música de morton feldman
performer: paulo demarchi

serviço:
o que é: performance
título: NOMOS
onde é: teatro da caixa, dias 18 (terça), 19 (quarta) e 20 (quinta) de agosto/2009
horário: da 20h00 às 21h00
onde fica: rua conselheiro laurindo, 280 – centro – curitiba (pr)
produção: medusa – produção artística e literária

entrada franca

NOMOS performance AGUARDEM!

2009-07-16T13:51:00.000-07:00

Eis-me blogueiro!

2009-07-07T18:53:00.000-07:00

Graças à minha amiga Vanderleia Bauer, gatonilda e heraclitíssima (e heracrítica), estou na área com meu Blog do Corona. Talvez eu mude o nome. Não veio outro melhor. Mas já aviso que não postarei diariamente. Sempre com a pressa do prazer. Por enquanto, ainda meio cru, em fase de treinamento, passo adiante o convite do evento em homenagem ao amigo poeta Rodrigo de Souza Leão, que faleceu na quinta passada, aos 43 anos. Era um poeta muito querido de todos e costumava ligar aos sábados ou domingos. A última lembrança que guardo dele foi um telefonema em que me falou entusiasmado das suas telas. E dos vários livros que ele carinhosamente me mandou... Evoé, Rodrigo!

O poeta Rodrigo de Souza Leão, será homenageado na próxima quinta-feira, dia 09 de julho, às 19 horas, na Casa das Rosas – Espaço Haroldo de Campos de Poesia e Literatura. O poeta faleceu na última quinta-feira, aos 43 anos, acometido por um ataque cardíaco. Com as participações de Claudio Daniel, Donizete Galvão, Franklin Alves Dassie (RJ), Frederico Barbosa, Glauco Mattoso, Greta Benítez, Horácio Costa, Leonardo Gandolfi (RJ), Luiz Roberto Guedes, Marcelo Ariel, Márcio-André (RJ), Marco Antônio (Pezão), Paula Valéria, Pipol, Paulo de Toledo, Tatiana Fraga, Valéria Tarelho e Virna Teixeira, poetas contemporâneos e amigos de Souza Leão.

....

E também algumas fotos da performance Jolifanto, feita em parceria com Eliana Borges e apresentada no Teatro do Paiol, em Curitiba. E por falar nisso, estamos preparando nova performance, coisa grande, para agosto, no Teatro da Caixa Cultural. É um trabalho com os parcerios Eliana Borges (artista visual e performer), Geovana de Salles (diretora de cena), Mario Carta (músico e performer) e Paulo Demarchi (músico e performer). Estamos ensaiando pra caramba. Aguardem notícias aqui.

Estou na área!

2009-07-07T16:49:00.000-07:00